Come deve essere la star musicale del futuro? Cosa manca sulla scena del pop? Queste sono alcune delle domande che i giudici del programma “American Idol 12” si sono posti.

E così ecco Mariah Carey, Nicki Minaj, Randy Jackson e Keith Urban iniziare un viaggio per tutti gli Stati Uniti, da New York a Los Angeles, in cerca di una novità per il mercato musicale mondiale. Da American Idol sono nate stelle grandiose, come Kelly Clarkson e Jennifer Hudson, oscar come miglior attrice non protagonista per Dream Girls.

Intervista esclusiva ai giudici di American Idol fatta dal pubblico durante il Live Premiere Event a Los Angeles.

Alcune domande per rompere il ghiaccio

Qual è stata la parte più divertente di questa avventura?
Keith: “Adoro l’inaspettato e gli imprevisti! Amo essere parte di questa strana famiglia di giudici che abbiamo formato”.

Se potessi scegliere, con quale cantante attuale vorresti cantare?
Randy: “Mi piacerebbe fare una performance con i Radiohead!”

Le aspettative sono altissime, ma cosa cercano i giudici veramente?
Randy: “Unicità, un talento incredibile, e un grande potenziale sono le qualità che valuto in fase di selezione. Bisogna mantenere un tono onesto e essere realistici, questo mestiere non è per tutti”.

Di cosa ha più bisogno la musica ora: un personaggio che sappia stare sul palco e intrattenere il pubblico oppure una grande voce?
Mariah: “Non è una domanda facile. Il viaggio per gli States è stato interessante, è difficile confrontare nuovi talenti con i grandi interpreti. Io cerco qualcosa che non ci sia già, non voglio far paragoni con cantanti del passato. Ma sicuramente la tonalità è la base, senza quella meglio non presentarsi neanche alle selezioni. Quindi credo che la mia risposta sia che cerco la diversità, la voce fuori dal coro”.

Keith: “E’ la domanda che ci facciamo tutti e quattro, perché pensiamo in modo diverso e a volte si crea un po’ di confusione! Io voglio qualcuno che mi catturi sin dal primo istante. Sicuramente ognuno di noi ha già incontrato qualcuno che l’ha colpito e che vuole mandare avanti nel programma”.

Nicki: “Per me è una sensazione. Ai nostri tempi serve un intrattenitore, che è qualcosa di più che cantare una canzone che ti viene assegnata. E’ un espressione di personalità. Ma ovviamente sarà il pubblico a decidere se premiare un animale da palcoscenico o una grande voce!”

Randy:“Io voglio tutto, qualcuno che sappia stare sul palco e che conquisti per le sue doti vocali”.

(di Giulia Cestaro)

L'articolo Intervista esclusiva ai giudici di American Idol proviene da Gilt Magazine.

“Nel bene o nel male, purché se ne parli”. Così parafrasa un brano de “Il ritratto di Dorian Gray” di Oscar Wilde e a giudicare dalla bagarre scoppiata al Festival del cinema di Roma dopo la visione di “E la chiamano estate”, titolo che ricalca l’omonima canzone di Bruno Martino del 1965, sembrerebbe proprio che il regista Paolo Franchi si sia ispirato a questa celebre citazione.

O forse no, si è semplicemente lasciato guidare dal sacro fuoco dell’arte, cercando e sperimentando nuove strade anticonformiste per sfuggire all’appiattimento creato dalla tv (come lui stesso ha dichiarato) e poco importa se il film non arriva a tutti per il suo linguaggio un po’ troppo ermetico. Questi tutti sono coloro che all’anteprima hanno fischiato e deriso con risa e fischi la pellicola in concorso, mentre la giuria, formata dai temerari Valentina Cervi e P.J.Hogan tra gli altri, ha premiato il regista e Isabella Ferrari come miglior attrice di un film coraggioso che non pretende il consenso a ogni costo. A tale avventura ha partecipato, per la prima volta, anche Nicoletta Mantovani in veste di produttrice per “Pavarotti International”, la cui figlia, Alice, ha recitato una piccola parte.

Ciò che colpisce, che fa arrabbiare, che desta stupore e che scandalizza non sono tanto le scene di sesso più o meno hard nei club per scambisti o quelle con prostitute e trans, che costituiscono buona parte del film, quanto piuttosto il paradosso di una storia d’amore considerata speciale, unica, irraggiungibile, ma basata sulle menzogne del protagonista, Dino, stimato anestesista, interpretato da Jean-Marc Barr, che non riesce a far l’amore con la persona che ama, sfogando, così, le sue pulsioni con donne a pagamento o mogli altrui, con tanto di complicità dei mariti, come il bel Filippo Nigro.

Difficile per il pubblico femminile non risentirsi di fronte a una donna come Anna (Isabella Ferrari) che, nonostante scopra le “porcherie” – da lei così definite davanti allo psicanalista – del marito, continua ad amarlo e a sentirsi amata proprio in virtù della disperazione del suo uomo. Altrettanto assurdi sono poi i tentativi di convincimento di Dino agli ex di sua moglie (tra cui spicca Luca Argentero) per farli riavvicinare a lei, o le suppliche direttamente a Anna, mentre lo accarezza, di farsi un amante. Lei, paradossalmente, non si scompone nè scandalizza. Ma risponde: “Io voglio solo te, se chiudo gli occhi non vedo che te”.

Per dare maggior risalto al tormento vissuto dal protagonista, Franchi ha utilizzato alcuni artifici stilistici che rivelano lo sforzo innovativo che percorre l’intera pellicola: le scene che ritraggono i due innamorati nella loro casa, dove predomina il bianco, sono volutamente offuscate, quasi a voler sottolineare un senso d’irrealtà ed esclusività che sottende la loro storia. Inoltre l’intera vicenda non segue un lineare sviluppo cronologico, ma il tempo appare dilatato e circolare alla maniera di Bergson, come spiega il regista, e la lettera d’addio di Dino, prima dell’estremo gesto,  letta e riletta a più riprese quasi fosse una sorta di refrain, ne è un chiaro esempio così come le fotografie che ritraggono istanti della vita dei due personaggi principali descritte e commentate da voci fuoricampo.

È un cinema d’autore  quello di Franchi, che piaccia oppure no, e come tale è provocatorio, irriverente, scomodo, ma se non altro scuote gli animi e le menti.

(di Giulia Bellini)

L'articolo E la chiamano estate, amore di silenzi proviene da Gilt Magazine.

Il Torino Film Festival compie 30 anni e sceglie di spegnere le candeline con un titolo e un’ospite d’eccezione. Ad aprire la rassegna cinematografica, il 23 novembre, sarà infatti “Quartet”, dell’esordiente Dustin Hoffman alla regia, mentre la madrina della serata sarà la splendida Claudia Gerini. Ad abbassare il sipario sulla manifestazione, il 1° dicembre, sarà invece “Ginger & Rosa” di Sally Potter e la madrina della serata finale sarà l’attrice Ambra Angiolini.

1982-2012: trent’anni di successi, pellicole di valore internazionale, ospiti d’eccezione, premi esclusivi. Era il 25 settembre 1982 quando nel capoluogo piemontese si formava il primo embrione del Torino Film Festival, con l’intento di esplorare le tematiche della cinematografia giovanile. Edizione dopo edizione quel piccolo e ambizioso embrione che aveva il nome di Festival Internazionale Cinema Giovani si trasforma via via in una straordinaria rassegna capace di indagare sulle forme innovative, periferiche e sperimentali del cinema internazionale: un cinema “giovane” imperniato sul rinnovamento linguistico che si contrappone alle forme consolidate di cinematografia. Per rispondere a tale proposito il festival  accoglie sin dalla sua prima edizione la vasta gamma di nuove modalità espressive dell’immagine elettronica.

Il festival risponde anche alle esigenze dei giovani film-maker e video-maker di trovare spazi riconosciuti (sezione TorinoFilmLab) dove mostrare le loro opere e attraverso cui avere un rapporto diretto di confronto con il pubblico. Primo festival metropolitano in Italia, il “TFF” riesce a creare fin da subito un forte legame col proprio pubblico, aumentando costantemente la complessità dell’offerta cinematografica, miscelando nei suoi programmi cinema d’autore e cinema di genere, ricerca-sperimentazione e riscoperta di grandi classici
dimenticati, cinematografie nazionali ancora inesplorate e autori sconosciuti e trascurati in Italia.

Ben presto il festival si trasforma in una vetrina internazionale, in un palcoscenico per le novità cinematografiche, con l’istituzione di sezioni competitive e spazi aperti alle più svariate opere, collocando a buon diritto la manifestazione tra i principali eventi cinematografici internazionali.

Ma veniamo all’edizione di quest’anno. Il programma della rassegna è vastissimo: 223 titoli, di cui 70 lungometraggi opere prime e seconde, 43 anteprime mondiali, 11 anteprime internazionali, 13 anteprime europee e 81 anteprime italiane, che sono stati selezionati su circa 4000 film visionati (tra corti, medi e lungometraggi). Tra questi figurano i nuovi film di alcuni degli autori “scoperti” dall’evento torinese e le opere di cineasti di fama internazionale. Nelle ultime cinque edizioni, sotto la direzione di Nanni Moretti (2007-2008) e Gianni Amelio (2009-2010-2011) il Torino Film Festival ha ospitato registi del calibro di Francis Ford Coppola, Wim Wenders, Roman Polanski, Oliver Stone, Emir Kusturica, John Boorman.
Ma il Torino Film festival non sarà solo un grande schermo su cui proiettare le produzioni cinematografiche. Sarà infatti anche, come di consuetudine, un momento di riconoscimento del valore di alcune di queste opere. E così ecco che il Gran Premio Torino, il più prestigioso della rassegna, sarà assegnato a Ken Loach e Ettore Scola, per aver contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, alla creazione di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenze più significative del cinema contemporaneo. Tra gli altri riconoscimenti vanno ricordati Torino 30, dedicato ai lungometraggi internazionali e volto alla ricerca e alla scoperta di talenti innovativi, TFFdoc, per il miglior film internazionale.doc e il miglior film italiana.doc, Italiana.corti, dedicato ai cortometraggi nostrani, Premio Cipputi, che premierà il miglior film sul mondo del lavoro e Spazio Torino, dedicato ai registi piemontesi.

Informazioni
www.torinofilmfest.org
info@torinofilmfest.org

L'articolo TorinoFilmFestival, 30 anni di cinema proviene da Gilt Magazine.

Piace alla mente, alla pancia e al cuore. E così ecco che dopo l’Orso d’Oro al Festival di Berlino (riconoscimento che mancava all’Italia dal 1991 quando il premio venne vinto da La casa del sorriso di Marco Ferreri) e la candidatura come film italiano per gli Oscar, per “Cesare deve morire” arriva anche la nomination agli Efa, gli European Film Academy.

La pellicola diretta da Paolo e Vittorio Taviani concorrerà per tre categorie: miglior film, miglior regista e anche miglior montaggio (per il quale è in corsa il montatore Roberto Perpignani). Per aggiudicarsi il riconoscimento di miglior film 2012 i fratelli Taviani
dovranno vedersela con il franco-tedesco “Amour” di Michael Haneke, il tedesco “Barbara”, di Christian Petzold, il francese “Intouchables”, di Olivier Nakache e Eric Toledano, il danese Jagten di Thomas Vinterberg, il britannico “Shame”, di Steve McQueen. Per il premio di miglior regista, a sfidare la coppia italiana saranno invece Thomas Vinterberg, Michael Haneke, Steve McQueen e Nuri Bilge Ceylan.

Le nominations sono state rese note oggi al Seville European film Festival da parte di European Film Academy ed Efa Productions. A questo punto tocca ai 2700 membri dell’Efa votare i vincitori di quelli che vanno considerati il corrispettivo europeo degli Oscar. Premi che verranno annunciati e assegnati il prossimo primo dicembre a Malta.

L'articolo Cesare deve morire, 3 nomination agli Efa proviene da Gilt Magazine.

Pietà di Kim Ki-duk è una di quelle storie che rimangono nella mente. È la storia intensa e di una madre e di un figlio, opera del regista sudcoreano, che si è meritato il Leone D’Oro della sessantanovesima edizione del Festival del Cinema di Venezia. È il denaro il filo sottile che unisce il film, quel denaro che il regista definisce “inizio e fine di tutte le cose: amore, violenza, pietà, speranza..”.

La pellicola vincitrice contiene in sé sentimenti strazianti, segno del grido che il regista ha voluto lanciare dopo la sua crisi depressiva, mostrata anche in un video autobiografico presentato a Cannes l’anno scorso.  Kim Ki-duk ha però ritirato il suo premio intonando Arirang, una canzone  che invoca alla ritrovata serenità.

All’americano The Master è andato il Leone d’argento. Il film nasce dal lavoro di Paul Thomas Anderson che è stato apprezzato per la performance dei due attori Joaquin Phoenix e Philip Seymour Hoffman che hanno vinto anche il premio Coppa Volpi pe la migliore interpretazione maschile. Il titolo femminile è stato conferito a  Hadas Yaron con Fill the Void, che ha incantato il pubblico con uno splendido vestito bianco.

Il Premio Speciale della Giuria, altro ambitissimo trofeo, è stato aggiudicato da Ulrich Seidl con Paradies: Glaube, il secondo capitolo di una trilogia, che mette in scena la follia della vita quotidiana di una donna. Per la capacità, senza pudore, di mostrare la follia che si cela dietro l’ordine della vita normale, Ulrich Seidl ha ricevuto applausi e critiche. La sceneggiatura più bella è quella di Oliver Assays con Apres Mai, la storia di adolescenza di Gilles, un ragazzo della Parigi del 1971 che si trova alle prese con le rivoluzioni studentesche. La triste vicenda dei desaparecidos turchi è al centro del film Kuf, diretto da Ali Aydin, che si è aggiudicato il premio Luigi De Laurentis.

Per l’Italia è stato un Festival sofferto. Deluso Marco Bellocchio che per Bella addormentata ha ricevuto solo minuti interminabili di applausi, ma nessun premio. L’unica consolazione è il trofeo Marcello Mastroianni a Fabrizio Falco, attore emergente in Bella Addormentata. Falco ha interpretato anche un ruolo totalmente differente in E’ stato figlio in cui è stato riconosciuto per il miglior contributo tecnico.

Non ci resta che provare sulla nostra pelle e dar torto o ragione alla non criticabile giuria del Festival!

Informazioni:
http://www.labiennale.org/it/cinema/

( di Ilaria Forastieri)

L'articolo Festival di Venezia 69: vincitori e delusioni proviene da Gilt Magazine.