Le relazioni tra Tokyo e Pechino tornano al centro dell’attenzione internazionale, segnate da dichiarazioni dure e movimenti militari mirati. Negli ultimi giorni la crisi si è intensificata dopo le parole della premier giapponese Sanae Takaichi e le reazioni immediate della Cina. Una situazione che rischia di modificare gli equilibri geopolitici dell’Indo-Pacifico, con possibili ricadute economiche globali.

Le parole che hanno fatto esplodere la crisi

La premier giapponese ha definito un’eventuale aggressione cinese a Taiwan come una “minaccia esistenziale” per il Giappone, lasciando intendere che Tokyo potrebbe intervenire militarmente in caso di escalation. Le dichiarazioni hanno provocato una risposta durissima da parte di Pechino, che ha accusato il Giappone di interferire nella sua “questione interna” e di mettere a rischio la stabilità regionale.

La reazione immediata della Cina

Pechino ha emesso un avviso ai cittadini cinesi contro il viaggio in Giappone e ha interrotto una serie di contatti diplomatici di alto livello. Le autorità cinesi hanno inoltre intensificato le operazioni della China Coast Guard nelle acque delle isole contese Senkaku/Diaoyu, segnando un passaggio dalla tensione verbale a un segnale operativo sul campo.

Ripercussioni economiche già visibili

Il primo settore colpito è stato il turismo: le azioni legate ai viaggi, alla ristorazione e al retail giapponese hanno registrato un netto calo, penalizzate dall’assenza del flusso cinese e dall’incertezza generale. Le aziende nipponiche con forte esposizione al mercato cinese osservano con attenzione l’evoluzione della crisi, temendo effetti a catena sulle esportazioni e sulle partnership commerciali.

Un equilibrio regionale sempre più fragile

La tensione tra le due potenze asiatiche si inserisce in un contesto geopolitico in cui Taiwan rappresenta il punto più sensibile dell’intera area. Con gli Stati Uniti legati al Giappone da un’alleanza militare storica, ogni frizione rischia di amplificarsi su scala internazionale. Gli analisti concordano: più la crisi persiste, più aumentano i rischi di incidenti navali, provocazioni e ulteriori irrigidimenti diplomatici.

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Il Mudec (Museo delle Culture di Milano) inaugura oggi 1 Ottobre 2019 la stagione autunnale, con il progetto Oriente MUDEC. Un viaggio nel cuore del Giapponismo attraverso materiale storico, artistico ed etnografico, testimone degli scambi reciproci tra Europa e Giappone a partire dal XIX secolo.

Mudec: due mostre, un unico obiettivo

Impressioni d’oriente. Arte e collezionismo tra Europa e Giappone, costituita da 170 opere tra dipinti, stampe, oggetti d’arredo e sculture. Una raccolta curata da Fleming Friborg, docente di storia dell’arte all’Università di Copenaghen, e Paola Zatti, conservatore della Galleria d’Arte Moderna di Milano. Sostenuti dal Comune di Milano-Cultura e da 24ORE Cultura-Gruppo 24 ORE, sarà aperta dal 1 ottobre 2019 al 2 febbraio 2020. Come lo sarà l’esposizione Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri (1585-1890), che segue alla precedentemente citata. Una collezione permanente che rivela i due momenti salienti del contatto tra i due mondi: la nascita delle ambascerie giapponesi e il primo museo giapponese in Lombardia.

I costumi di Madama Butterfly

Il percorso si estende lungo tutti gli spazi espositivi della sinuosa struttura del museo. Prima di accedere alle aule dedicate all’esposizione, è possibile ammirare una sezione dedicata all’anniversario dei 60 anni di Madama Butterfly alla Scala di Milano. Fu tra il 1901 e il 1903 che la tragedia giapponese prese vita grazie a Giacomo Puccini, diventando un mito della storia della lirica italiana. Con la gentile concessione del Teatro alla Scala, in mostra alcuni dei costumi di scena dipinti a mano e indossati da coloro che hanno interpretato Cio Cio San.

La relazione tra l’arte europea e quella giapponese

È tra il 1860 e il 1900 che la cultura occidentale viene profondamente affascinata dal Giappone, influenzandone le arti e i maggiori artisti italiani ed europei del periodo. Con una video installazione, appena entrati, insieme ad altre durante il percorso, viene messa in risalto la grande differenza tra i due mondi.
Uno schermo diviso a metà riprende scene di vita quotidiana che sembrano di epoche lontanissime, ma che poi appariranno più vicine che mai alla vista delle opere di Nittis, Rodin, Van Gogh, Toulouse-Lautrec. Opere nel segno del Giapponismo, termine col quale si intende l’interesse europeo verso tutto quello che era giapponese e non solo. Considerando questa terra come guida alla bellezza, o sogno di orizzonti inesplorati.
Ma come arrivò in Europa la scoperta di questa cultura? Con le Esposizioni Universali che ebbero luogo in quegli anni, diventando vetrine del colonialismo globale. Da lì il Simbolismo dell’Arts and Craft del periodo Liberty, caratterizzato dall’armonia di uomo e natura nelle arti applicate. Le nuove tecniche di artisti come Monet, Rodin, Cézanne e Van Gogh che a loro volta influenzarono il gruppo di giovani artisti chiamato Shirakaba. Creando un importante import/export artistico.
Anche in Italia il Giapponismo non lasciò indifferenti gli artisti o figure come Enrico Cernuschi, viaggiatore amante dell’arte che istituì un museo a suo nome. Il museo Cernuschi è attualmente tra i musei più importanti in Francia dedicato all’Asia Orientale. Persino a Palermo, con l’artista Vincenzo Ragusa e la moglie Tama Kiyohara, che cambiò il suo nome in Eleonora Ragusa. Lo scultore palermitano, insegnante di una scuola tecnica di Belle Arti a Tokyo, aprì a Palermo una scuola di acquerello, disegno, ricamo e laccatura.
Un’esperienza visiva ampliata al senso olfattivo grazie al partner Magna Pars Milano e il suo Laboratorio LabSolue Perfume Laboratory. Oud, Sandalo e Patchouli insieme a Gardenia, Gelsomino, Osmanto, Mandorlo, Nespolo e Ciliegio riecheggiano negli spazi comuni e possono essere acquistati al bookshop.

Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri

Il bookshop stavolta non indica la fine del percorso, bensì un nuovo ingresso, un tuffo nel passato, più precisamente tra il 1585 e il 1615. Quando il Giappone attraversò il suo periodo cristiano grazie alla Compagnia di Gesù e Alessandro Valignano, che portò in Italia i giapponesi convertiti al cristianesimo. Testimonianze di quel periodo le opere in esposizione dalle fattezze occidentali ma con tecniche giapponesi. Fu in seguito alle persecuzioni verso i cristiani che il Giappone assunse la politica di isolamento, e l’unico importatore divenne l’Olanda.
Riaperti i contatti con il mondo, nel 1853 grazie alle navi nere statunitensi, in Italia aprirono molti musei privati di arte giapponese. È questa la collezione esposta in Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri. Esemplari di porcellane Imari in rosso blu e oro, portantine riccamente decorate e armature di Samurai della collezione Giovanni Battista Lucini Passalacqua. Fu così che ricominciò un fiorente periodo per questa lunga relazione tra Europa, nonché Italia, e Giappone, di cui il Mudec è grande ambasciatore.
Informazioni utili:
MUDEC – Museo delle Culture di Milano (Via Tortona, 56)
01/10/2019 – 02/02/2020
Orari:
Lunedì 14.30 – 19.30
Martedì – mercoledì – venerdì – domenica 9.30 – 19.30
Giovedì e sabato 9.30 – 22.30
La biglietteria chiude un’ora prima dell’ultimo ingresso
 
di Pamela Romano

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Osaka, alla scoperta dei veri sapori giapponesi

Osaka, città portuale giapponese, molto spesso non viene considerata dai turisti come meta dei loro viaggi nel paese del Sol Levante. Osaka è diversa dal resto del Giappone. Se nelle altre città come Tokyo o Kyoto, regna l’assoluta rigidità e fermezza nel seguire le regole e l’ordine, a Osaka è tutto il contrario. I giapponesi stessi la adorano, è una città frizzante, divertente, e i suoi cittadini sono estremamente simpatici e amanti della buona cucina.

I suoi abitanti sono famosi per spendere di più in mangiare che tutti gli altri giapponesi, non a caso il “motto” della città è “mangia fino allo sfinimento”. Tutte le più note ricette che caratterizzano questo paese sono nate tra i chioschi dello street food del quartiere di Dotonbori.

Ready to eat

Questa zona della città è certamente una delle mete turistiche più popolari di Osaka. Conosciuta per la sua vita notturna, è animata da numerosi chioschi e ristoranti che si affacciano sull’omonimo canale, dove si riflettono le vibranti luci al neon che ogni giorno attraggono innumerevoli visitatori. Tra le più fotografate, sicuramente appaiono l’insegna luminosa del corridore di Glico e l’enorme granchio meccanizzato del ristorante Kani Doraku, diventato simbolo del quartiere stesso.

La cucina del Giappone

Tra i piatti tipici che lo street food di Osaka ha da offrire troviamo i Takoyaki. Tipico spuntino da passeggio, non sono altro che polpettine di polpo, spesso accompagnate da salse come maionese e salsa okonomiyaki. Questo piatto è diventato famoso nella cultura popolare per il videogame ispirato alla cucina Cooking Mama, dove la sfida era preparare nel modo più veloce possibile questa pietanza.

Altro pezzo forte dello street food di Osaka è lo Okonomiyaki, che tradotto letteralmente significa cucinato a “tuo gusto”, questo perché può essere farcito a piacere. Si tratta di una semplice frittella di grano personalizzabile con innumerevoli toppings. È stata ribattezzata con il nome di “pizza di Osaka”. Quindi, seguendo il motto di questa vivace città non resta altro che sperimentare e scoprire nuove e prelibate pietanze al primo posto dello street food mondiale.

di Rachele Conti

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Naoshima, un museo a cielo aperto

In Giappone, a una ventina di minuti di traghetto dalla penisola della prefettura di Kagawa, si trova Naoshima. È una delle isole più singolari di cui sentirete parlare, in quanto è un vero e proprio museo a cielo aperto. Architettura, arte e cultura sono alcune delle parole chiave da tenere a mente per intraprendere un viaggio verso questa straordinaria meta. Ideale per sfuggire alla vita frenetica delle grandi città del Giappone.

Gran parte dell’arte presente è stata installata dalla Benesse Corporation, che sovrintende musei d’arte, installazioni e sculture sia a Naoshima che sulle isole vicine. Il Benesse Museum è stato progettato dal famoso architetto giapponese Tadao Ando e comprende il Chichu Art Museum, il Lee Ufan Museum e tutti gli edifici della Benesse House. Inoltre, gli edifici e le scuole municipali di Naoshima sono stati progettati dal moderno architetto Ishii Kazuhiro. L’isola funge anche da sede principale del festival artistico della Triennale di Setouchi.

La magia dell’arte

Un’esperienza surreale si vive già dal momento in cui si mette piede a Naoshima, dopo la traversata in battello. Uno dei masterpiece diventato icona del luogo è la “pumkin”, la zucca gialla, ideata da Yayoi Kusama. Celebre artista giapponese, considerata da molti come una delle influenze del maestro della pop art Andy Warhol. Piccole imitazioni di pietra sono state trovate sparse per l’isola, una fin da subito accoglie i visitatori al porto. Naoshima è molto piccola, e si può decidere se girarla a piedi oppure noleggiare delle biciclette elettriche in alcuni dei negozi sul porto.

Vivere la full art experience

Uno dei primi musei che si incontra durante la visita è il Chichu Art Museum. L’elemento di unicità è il contrasto che il suo architetto, Tadao Ando, è riuscito a creare tra la struttura imponente dell’edificio e la natura circostante. Il design dell’edificio è tale da facilitare l’uso esclusivo della luce naturale per illuminare un certo numero di oggetti esposti, cambiando il loro aspetto a diversi tempi di visione durante il giorno. Tra le opere, le famose ninfee di Monet, che vengono riprese poi all’esterno, in quanto il museo comprende anche una fedele riproduzione del giardino del pittore surrealista.

Continuando l’esplorazione, una tappa fondamentale è il Benesse House Museum, che – come dice il nome stesso – offre sia un alloggio con SPA e accesso alla spiaggia che un moderno museo. Le opere d’arte però non si trovano solo all’interno delle gallerie, bensì sono collocate appositamente in tutti i dintorni naturali di Naoshima. È il modo migliore per immergersi totalmente all’interno di questa esperienza artistica.

Bellezza tra arte e natura

Un eccezionale esperimento che ha in poco tempo trasformato un’isola di pescatori in una tappa, ormai obbligatoria, per i grandi amanti dell’arte contemporanea. Non è facile descrivere a parole la bellezza di questo luogo unico nel suo genere, dove arte e natura si fondono insieme. Stupisce, incanta e mostra come la semplicità della natura stessa sia il luogo perfetto per proteggere e raccogliere il dono dell’arte.

di Rachele Conti

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The Time Shifter, l’installazione ambientale di Lorenzo Petrantoni

TENOHA MILANO è uno spazio polifunzionale situato all’interno di un ex edificio industriale degli anni Trenta, affacciato in Via Vigevano a Milano. Con i suoi uffici co-working & work, un design store, un ristorante-caffetteria e un grande spazio eventi, Tenoha ci fa immergere attraverso questi elementi nella Cultura Nipponica, fondendo Italia e Giappone in uno spazio all’avanguardia; proponendo, tramite diverse attività, di guardare alla cultura giapponese con un’ottica internazionale. Ed è proprio il locale in questione che ospita dal 12 novembre al 6 dicembre THE TIME SHIFTER di Lorenzo Petrantoni; una gigantesca installazione ambientale che raccoglie tutti i 1000 mq dello spazio.
Petrantoni nasce a Genova nel 1970, dopo gli studi di grafica a Milano si trasferisce in Francia e lavora come art director presso la Young&Rubicam. Rientrato in Italia continua a collaborare con le più grandi agenzie di comunicazione, infine decide di allontanarsi dal mondo della pubblicità per dedicarsi interamente alla sua carriera di illustratore.
“The Time Shifter – spiegano i responsabili di TENOHA MILANO – propone un dialogo tra il valore di segno e grafìa tipico della tradizione nipponica e il lavoro di Petrantoni. Essendo incentrate sulla grafia intesa come maniera di rappresentare le parole nella scrittura, le opere di Lorenzo Petrantoni fanno da perfetto contraltare ‘occidentale’ allo Shodo: l’arte giapponese della calligrafia. Nei collages di Petrantoni è infatti possibile ritrovare quell’eleganza fra scrittura e segno che è tipica della calligrafia specialmente nella pratica giapponese dove è considerata una vera e propria espressione artistica”.

The Time Shifter, un percorso incalzante e senza tempo

Il tutto è ambientato in un percorso incalzante e senza tempo, dove sono protagoniste duecento travolgenti illustrazioni sospese nel vortice spazio-temporale, vero protagonista dell’arte di Petrantoni. Il suo lavoro si distingue da sempre per il metodo originale con cui l’artista realizza le opere, caratterizzate dalla minuziosa ricerca ricerca tra copertine di riviste internazionali, pubblicità per brand prestigiosi, installazioni monumentali.
Il suo si potrebbe definire un procedimento al contrario; piuttosto che creare ed aggiungere all’enciclopedia delle illustrazioni nuove immagini, l’artista recupera figure già disponibili che ricompone a proprio piacimento come i tasselli di un puzzle, generato interamente dal suo estro e dalla sua estetica.
Così Petrantoni arriva a creare opere che hanno il potere di dialogare con l’osservatore, capaci di trasmettere e regalare nuovi significati ad immagini già esistenti, dimenticate tra le pagine di vecchi volumi. Questa assidua ricerca nasce grazie alla passione per la grafica ed al fascino che la cultura dell’Ottocento ha esercitato su di lui; così vien fuori “la sua arte”, che ha dato vita oltre che ad importanti collaborazioni, anche ad esposizioni in numerose mostre worldwide.
 
di Annamaria Aufiero

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Oki Sato nasce a Toronto, Canada, nel 1977: di origini giapponesi, è a Tokio che torna per specializzarsi in architettura con un master presso la Waseda University, ed è nella capitale nipponica che nel 2002, a soli 25 anni, fonda lo Studio Nendo (che in giapponese significa creta ). Dopo soli tre anni approda in Italia aprendo un ufficio a Milano, in via della Moscova. E qui nella capitale della moda lascia la sua firma nel nuovo 4° piano – moda donna presso la Rinascente.

Nel giro di pochissimi anni Oki Sato si rivela essere uno dei designer più promettenti a livello internazionale: definito dalla rivista Newsweek “uno dei 100 designer giapponesi di successo riconosciuti al mondo” e il suo studio “una delle 100 aziende giapponesi più importanti”, nel 2012 viene nominato “migliore designer dell’anno” da Wallpaper Magazine e dalle redazioni internazionali di Elle Decoration, le quali gli conferiscono il prestigioso premio EDIDA (Elle Decor International Design Award).

Il suo modo di lavorare e creare, quello del suo socio, Akihiro Ito, e dei collaboratori, spazia in diversi ambiti: dall’architettura all’arredamento, dal design industriale alla grafic art. Sempre presenti alle più importanti fiere del settore, le loro installazioni e collezioni sono punto di riferimento in molti musei del mondo: il MOMA di New York, l’Art Institute of Chicago, il Musèe d’Art decoratifs e il Centre Pompidu a Parigi, il Victorian&Albert Museum a Londra…

Lo Studio Nendo apprezza e stima l’Italia, sostenendo che qui si trovino le migliori aziende, con proprietari e artigiani in grado di curare al meglio la realizzazione di un progetto. Foscarini, Flaminia, Lema, Moroso sono solo alcuni dei nomi italiani che si contano tra le varie collaborazioni internazionali e mondiali ; Oki Sato afferma, infatti, di apprezzare particolarmente i pezzi che nascono dalla collaborazione di più menti, collaborazioni che non riguardano solo il settore del design e dell’arredamento, bensì anche della moda, dello sport, dell’automobilismo e di quello eno-gastronomico (per citarne alcuni: Kenzo, Lotto, Moleskine, Veuve Cliquot, Starbucks, …).

Caratterizzato dall’ecletticità dei suoi designer, lo Studio Nendo colpisce per la genialità dei suoi progetti visionari che non tralasciano tuttavia il loro aspetto funzionale: basti pensare alle matite di cioccolato prodotte in collaborazione con la pasticceria Tsujiguchi Hironobu, ideate per essere grattugiate sopra i dessert; alla seduta Cabbage Chair, realizzata con i materiali di scarto dell’industria dell’abbigliamento e ideata per il XXI Century Man Exhibition curato da Issey Miyake, o all’ultimo lavoro realizzato per la catena di ristoranti Coco Ichibanya: una serie di cucchiai che, accostati l’uno all’altro, ricordano una foresta con tanto di uccellini sui rami.

Tra le numerose peculiarità dello studio si rivela molto interessante il “Programma 1%“, all’interno del quale ogni oggetto viene realizzato in soli 100 esemplari: in questo modo il cliente si ritrova in possesso di una percentuale significativa del progetto senza le pretese che caratterizzano i costi di un pezzo unico.

In seguito ai recenti drammi accaduti in Giappone, Oki Sato riconosce che molte persone hanno perso interesse nelle cose non necessarie, eppure il suo studio non potrebbe fare altro, anzi, è proprio continuando a fare il proprio lavoro che reagisce a questa situazione di crisi: il design è in grado di osservare i momenti e di saperli condividere. Non si tratta solo di creare oggetti, bensì cogliere le storie che si trovano dietro ad essi.
Il design acquista, quindi, una sorta di ruolo di “cantastorie” e gli oggetti divengono “personaggi animati” all’interno dello spazio e in armonia con la natura (elemento di estrema importanza e soggetto di grande rispetto nella cultura Giapponese). È appunto alla natura che si ispira la nuova linea Harcourt Ice di Nendo per Baccarat, esposta in anteprima a Design Tide, a Tokio, all’inizio di novembre.
Decidendo di abbandonare la tipica perfezione geometrica del cristallo sfaccettato, il team di Oki Sato si è ispirato al fascino di un elemento caratterizzato dalla sua continua mutevolezza: il ghiaccio. Ogni pezzo ricorda infatti un cubo di ghiaccio che, sciogliendosi, abbozza la forma di un bicchiere: questo effetto è reso grazie all’immersione nell’acido che solitamente viene utilizzato nelle fasi finali del progetto di lucidatura. La scelta di questo elemento in continuo mutamento, che trasmette la sensazione di essere senza tempo, è quindi da interpretare come un omaggio al marchio Baccarat, che fonda la sua lunga tradizione sulla ricerca di un continuo rinnovamento.

Informazioni
www.nendo.jp/en
www.baccarat.com

(di Marta Lualdi)

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Gheishe e bellezze occidentali, cultura giapponese e stile italiano: Oriente e Occidente si incontrano e si fondono per dare vita alla nuova collezione A/I 2012-2013 di La Perla, brand leader nella lingerie di lusso.

Oriental Suite – questo è il nome della linea – è stata pensata come una collezione di opere d’arte da fare indossare alle donne che cercano nell’intimo erotismo e sensualità: concetto egregiamente rappresentato dagli scatti della fotografa, Mary Rozzi, che ritraggono nella campagna pubblicitaria la bellissima modella canadese, Samantha Gradoville.
Gli elementi simbolo della cultura del Sol Levante diventano i principali protagonisti di una storia che si svolge sul corpo: il ventaglio, il kimono, la cintura obi, i motivi su paraventi laccati, le stampe a grandi fiori rotondi sono tutte ispirazioni che caratterizzano i diversi capi, come dettagli preziosi di un capolavoro artistico, da scoprire uno dopo l’altro.

Il senso italiano dell’eleganza coniuga il mood orientale con tessuti prettamente occidentali e ricercatissimi, quali il pizzo Leavers, il raso, il pizzo Chantilly, la seta e il velluto, che accarezzano e vezzeggiano le dolci curve femminili.
Inoltre, la tecnica nipponica del “furoshiki”, l’arte di avvolgere gli oggetti nel tessuto, entra nello styling ricercato di alcune proposte, dove il tulle ricamato viene ricoperto da uno strato di leggerissimo tulle liscio.

E ancora, in omaggio al 2012, anno del Dragone secondo il calendario giapponese, La Perla ha realizzato una speciale parure in tulle e raso nero, impreziosita dal ricamo metallico di un drago dorato, motivo che ritorna nell’abito lungo da sera in velluto.

I colori su cui la collezione Oriental Suite punta maggiormente sono quelli tipici della cultura orientale: nero, blu china, giallo curry, rosa camelia, rosso lacca e grigio perla.

Ulteriori informazioni su: http://www.orientalsuite.laperla.com/

(di Federica Livio)

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Hugo Alvar Henrik Aalto, architetto e designer finlandese, ha sempre creduto in un’architettura “umana” e funzionale, in grado di rendere la vita dell’uomo il più armoniosa possibile. Decise, quindi, di produrre i suoi mobili in serie e lo fece creando, insieme alla moglie e a Marie Gullischen, la ditta Artek.

Nel 1933, nasce lo sgabello Stool 60, il quale, insieme alla collezione di sedute in compensato, di Charles e Ray Eames, diventa uno degli oggetti di design più copiato dal ventesimo secolo. Per festeggiare i suoi prossimi 80 anni l’azienda svedese ha in programma una serie di iniziative e nuove collaborazioni con personaggi del mondo del design e della moda.

Per iniziare, quella con il famoso designer tedesco, Mike Meirè, che ha dato nuova vita al pupillo Artek, attigendo a una nuova gamma di colori: dalle tonalità pastello a quelle decise del nero, giallo, rosso e verde marcio. Meirè ha messo da parte la precisione del disegno progettuale e il rigore del rendering dando mano a vernice e pennello!

Dall’entourage della moda, un’altra collaborazione: l’illustre designer Rei Kawakubo, fondatrice del brand Commes des Garçon. La collaborazione tra Kawakubo e Artek non è una novità: amici di vecchia data, hanno condiviso la loro creatività già nel lancio del profumo Artek Stadard nel 2009 e nella realizzazione di portafogli e t-shirt. Anche questa volta Rei Kawakubo dà conferma del suo estro e stile inconfondibili, “vestendo” il festeggiato con lacca bianca e pois neri.

Ci saranno altri sgabelli Stool in esclusiva per la 80’Anniversary Edition, tutti realizzati in serie di 200 pezzi soltanto! Il prezzo al pubblico è di 350 euro. Per Stool 60 non è quindi solo un compleanno, ma una vera e propria rinascita. Come dire, 80 anni e non sentirli!

Informazioni
www.artek.fiwww.comme-des-garcons.com
www.meireundmeire.com

(di Marta Lualdi)

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La storica maison Louis Vuitton, attualmente guidata dal geniale Marc Jacobs, ha firmato una collaborazione davvero fuori dalle righe con YAYOI KUSAMA

Yayoi Kusama è un’artista giapponese di Matsumoto; durante la sua adolescenza inizia a creare opere d’arte trasportata dalle allucinazioni in cui tutto prende una conformazione tondeggiante e sferica; all’età di 30 anni si trasferisce a New York, dove sviluppa sempre di più uno stile ossessivo, ritmico e ripetitivo. Le zucche, i nervi biomorfici, i fiori e  i pois diventano i suoi alter ego, portando le sue opere a essere conosciute a livello internazionale ed esposte nei musei più famosi del mondo, come il M.o.M.a. di Nyc, la Tate Modern di Londra e il National Museum of Modern Art di Tokyo.

Un’esplosione di pois ha invaso e cosparso la classica linea monogram sulle  iconiche borse speedy, alma, neverfull, papillon, continuando con le scarpe, le petit maroquineries, i bangles e le maxi scarves. Ovviamente anche gli abiti sono stati contagiati dai contrasti polka dot negli abbinamenti di colori: nero-giallo, bianco-rosso, blu-bianco e nero-bianco.

Ormai da diversi anni  il direttore creativo della maison propone una collaborazione con i più esuberanti, originali e geniali artisti del XXI secolo e quest’anno è riuscito a portare una ventata di “pois”, gioia, novità e freschezza inneggiando e innalzando il concetto dell’artista giapponese “LOVE FOREVER”.

Di seguito le parole di Marc Jacobs:

“[…] l’incontro con Kusama continua un progetto che ho iniziato al mio arrivo nella maison, l’idea di collaborare con l’arte e con gli artisti. È incredibile il ruolo che riveste l’ambiente circostante nell’arte contemporanea e l’arte stessa ha poi un impatto sull’ambiente. Per coloro che non frequentano le gallerie d’arte o magari non conoscono le opere di Kusama, abbiamo creato uno spazio espositivo, dove si potrà ammirare l’arte di Kusama attraverso gli occhi di Louis Vuitton”.

Info: www.louisvuitton.com

(di Benedetta Gandini)

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Il Giappone è spesso, per noi occidentali, un mondo a parte, sconosciuto, che ci sembra lontano, immerso in un’aura da manga, luci, colori, insegne intermittenti, quasi un video gioco in cui tutto è sospeso intrecciato alle tradizioni più antiche, alle usanze di popolazioni d’altri tempi, agli usi e costumi di chi difende la sua essenza, la sua storia, la sua unicità. Sì perché il Giappone è una nazione unica che mixa, con incredibile maestria, vecchio e moderno; dove i business men in giacca e cravatta escono dall’ufficio e si siedono nei parchi in posizione zen a meditare, dove, poco fuori dai centri cittadini, si trovano templi maestosi con monaci buddisti affaccendati nel rito degli antenati, dove le signore in tailleur rientrano a casa ed indossano il kimono celebrando la cerimonia del the in modo impeccabile come viene tramandato loro da generazioni.
Questo è il Giappone, una terra dura, ricca di contraddizioni, di leggende, i rituali anche cruenti e incomprensibili come la caccia alla balena. Ma il Sol Levante è anche la forza di un popolo che sa rialzarsi sempre e comunque come ha dimostrato dopo la guerra e dopo l’ultimo terremoto, un luogo magico che nasconde angoli di natura di incontrastata bellezza e austerità come l’Hokkaido o città antiche e ricche di storia come Kyoto.
Merita una visita, anzi anche più d’una, ma al di fuori dei viaggi organizzati, solo volo e una Lonely Planet così da scoprire tutti gli angoli più nascosti.
Credetemi…un viaggio che ti cambia la vita!

Elena Mento

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