Tra gli artisti solitari… 

Dal 28 ottobre 2021 al 27 febbraio 2022 è in mostra alla Fondazione Prada “Domenico Gnoli”, un’esibizione esclusiva sull’artista con oltre cento sue opere dal 1949 al 1969. 

Attivo nella seconda metà del Novecento, Gnoli fu un artista poliedrico che si fece conoscere in primis per le sue scenografie, le illustrazioni e i costumi di scena. In seguito, con l’avvento della pop art e il ritorno dell’attenzione sull’arte figurativa, anche le sue opere pittoriche raggiunsero il grande pubblico.

Da sempre stato un outsider nel panorama artistico della sua epoca, quello di Gnoli è un nome che pochi ricordano. Ma lo stile peculiare e coerente dei suoi dipinti gli ha permesso di essere presente a questa mostra, che prende parte al ciclo di esposizioni dedicate a figure singole di artisti che non rientrano nelle principali correnti culturali, come avvenne con Leon Golub, Edward Kienholz e William Copley. 

Un’arte che stimola attraverso la banalità 

La pittura di Domenico Gnoli non è assimilabile ad alcuna corrente artistica della seconda metà del Novecento, per quanto sia inevitabilmente ricca di connessioni con la scena culturale del tempo. L’artista tratta soggetti banali tramite una pittura di tipo analitico, di alta precisione. Monumentali sono le dimensioni delle sue tele, che spesso contengono solo dettagli di oggetti che fungono da stimoli visivi e mentali per lo spettatore.

Il taglio delle opere è fotografico, e la ripetizione dei soggetti trattati ha reso immediata la suddivisione degli spazi della mostra in aree tematiche. È così che troverete dipinti che trattano ossessivamente di divani, con dettagli più o meno ingranditi di cuscini, braccioli o spalliere; pantaloni, con enormi tasche e pence; oppure colletti, camicie e altro ancora. 

“Mi servo sempre di elementi dati e semplici, non voglio aggiungere o sottrarre nulla. Non ho neppure mai voglia di deformare: io isolo e rappresento […]; dal momento che non intervengo mai attivamente contro l’oggetto, posso avvertire la magia della sua presenza”. (Domenico Gnoli in una lettera del 1965)

di Chiara Pellini

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Goshka Macuga e Betye Saar: un nuovo dialogo per “Atlas”

Il progetto “Atlas” ospita lavori realizzati tra il 1960 ed il 2016, nei 6 piani espositivi della Torre di Fondazione Prada, a Milano. Nato da un dialogo tra Miuccia Prada e Germano Celant, presenta le idee e le diverse versioni d’arte che hanno contribuito e partecipato all’interno della Fondazione.

Il quarto piano ha riaperto al pubblico dal 17 giugno 2021. È dedicato alle opere dell’artista polacca Goshka Macuga e dell’afroamericana Betye Saar. L’arte di quest’ultima presenta elementi caratteristici quali il metafisico, la memoria femminile e l’identità afroamericana. 

Le installazioni

“The Alpha and The Omega” (“The beginning and The End”) è un’installazione in una stanza circolare dalle pareti azzurre. Vari oggetti sono situati al suo interno; potrebbero alludere a giochi per bambini. Una visione più profonda, però, riporta al viaggio della vita, al tempo precario e alla libertà negata. Riflessioni profonde vengono fatte sull’umanità, fragile e complessa allo stesso tempo. Questa installazione è stata ospitata nel 2016 in occasione della mostra “Uneasy Dancer”.

Goshka Macuga, invece, è un’artista polacca. La sua versatilità la fa spaziare dalla scultura alla fotografia, architettura e design.  Tre grandi arazzi sono proposti per “Altas”: il primo, “Of what is, that it is; of what is not, that it is not 2”, del 2012, mostra l’impatto che ha avuto la civiltà occidentale sulla popolazione afghana. “Make Tofu not War del 2018” e  “From Gondwana to Endangered. Who Is the Devil Now?”, del 2020, sono due arazzi in 3D, rappresentazione del futuro per l’artista.

di Margherita Sala

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Il Podium di Fondazione Prada, tramutato in un fiabesco labirinto concettuale, riapre le porte  ai visitatori a partire dal 29 aprile 2021 con il progetto site-specific “Who the Bær”, firmato Simon Fujiwara. Lo spazio espositivo sarà visitabile fino al 27 settembre 2021. Le avventure  di Who possono essere seguite anche su Instagram (@whothebaer). 

Senso di smarrimento in un freddo universo fatto di immagini 

“There was once a little bear…”: questa la frase che si legge una volta addentrati all’interno  dell’installazione del britannico Fujiwara. Il protagonista della mostra è Who, un orso ispirato  ai personaggi dei cartoni animati privo di un chiaro carattere, dal genere indefinito, senza  personalità. La mostra assume le sembianze di un labirinto di cartone a forma di orso:  percorrendolo, vediamo Who che cresce, mutando età e configurazione, ed esamina diverse  possibilità di espandere la propria natura. Who esiste in un mondo piatto, composto solamente  di immagini. Esso stesso è un’immagine, e, in quanto creatura estremamente espandibile, riesce a tramutarsi in qualsiasi altra immagine desideri, assorbendo gli attributi e le identità di chi vi è raffigurato. Ironia della sorte, l’unico desiderio di Who sarebbe proprio quello di smettere di essere un’immagine, assumendo una personalità propria e chiaramente definita.  

Scorci autobiografici 

Simon Fujiwara ha concepito l’idea alla base del progetto “Who the Bær” durante il primo  lockdown. Costretto all’isolamento, Fujiwara, come tutti noi, si è ritrovato a sfruttare come  unico canale di contatto con il mondo esterno, immagini trovate online. Mosso da disperazione e da uno scarso sentimento di speranza, esasperato dalla necessità di insorgere, ha iniziato a stampare le immagini che vedeva, disegnandoci poi sopra personaggi dei cartoni. Queste vignette, interagendo con le immagini, rappresentavano per lui la tanta agognata reazione ad esse. Un ulteriore spunto autobiografico che si ritrova nel mondo creato da Fujiwara riguarda la difficoltà a delineare e affermare la propria identità. L’artista, infatti, è cresciuto in una piccola cittadina britannica essendone sia l’unico ragazzo ad avere origini asiatiche, sia l’unico  a essere omosessuale.  

Il paradosso della cultura consumistica contemporanea 

Perché dei cartoni animati? Fujiwara ritiene che si tratti di una metafora del mondo moderno,  che appare e si comporta come un cartone animato. Molte cose, attualmente, vengono ridotte  ai minimi termini e “cartoonizzate”, dalla politica alle questioni sociali, ai problemi ecologici. “C’è pressione, violenza sugli individui, siamo costretti a semplificarci per sopravvivere in  questo caotico paesaggio di immagini”, dichiara l’artista durante il video di presentazione della sua mostra (visualizzabile sull’account Instagram @fondazioneprada). Questo avviene in 

totale contrasto con ciò che sta effettivamente accadendo al mondo, che è invece divenuto  molto più complesso dal punto di vista dell’identità: individualità sempre più variegate  emergono, sottolineando le più sottili differenze tra persone. Il principale obiettivo  dell’installazione è far sì che i visitatori vedano questioni complesse attraverso una “lente”  estremamente semplicistica. 

Convinzioni sgretolate e ricerca dell’autenticità 

Who è un personaggio ingenuo, che crede nelle cose a un punto tale da diventarle. Attraverso  un racconto fatto di disegni, collage, sculture e animazioni, i visitatori sono testimoni della sua  perenne ricerca di un sé autentico. Fujiwara usa i meccanismi dell’invenzione per esplorare  alcuni dei piaceri e dei traumi che affrontiamo in quanto parte di una società posseduta dalle  immagini e dallo spettacolo. Giunti alla fine del percorso, assistiamo allo sgretolamento delle  forme, dei canoni, delle convinzioni che abbiamo costruito nella nostra società e,  conseguentemente, al fallimento delle persone che tentano di incarnare questi ideali. 

Una domanda può sorgere spontanea: chi è Who? Nonostante non manchino ispirazioni  autobiografiche, Who non rappresenta solamente il suo creatore. Who è ciascuno di noi,  impegnato nelle proprie battaglie quotidiane. Ci ritroviamo a fronteggiare il dualismo che  caratterizza i nostri più grandi bisogni: quello di differenziarci, affermando la nostra unicità, e  quello, al tempo stesso, di sentirci accettati, parte di qualcosa. L’augurio è, per tutti, di trovare  il proprio “filo di Arianna”, così da uscire dal labirinto in cui Who è rimasto intrappolato,  abbracciando appieno la propria identità. 

di Lisa Panzeri

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