I film che hanno dominato la serata

I Golden Globes 2026 hanno ufficialmente inaugurato la stagione dei premi con una cerimonia ricca di emozioni, conferme e qualche sorpresa. L’83ª edizione, andata in scena l’11 gennaio 2026 al Beverly Hilton di Los Angeles e presentata nuovamente dalla comica Nikki Glaser, ha premiato il meglio del cinema e della televisione dell’ultimo anno, delineando anche le prime tendenze in vista degli Oscar.

A dominare la serata sono stati soprattutto “Hamnet – Nel nome del figlio” e “One Battle After Another”, mentre tra gli interpreti hanno brillato performance intense e già molto chiacchierate nei mesi precedenti.

Il premio più ambito della serata, quello per il Miglior Film – Dramma, è andato a “Hamnet – Nel nome del figlio”. Il film è ambientato a Stratford-upon-Avon nel 1596, dove William e Agnes Shakespeare sono costretti ad affrontare la morte di loro figlio Hamnet, ucciso dalla peste a soli undici anni.

Nella categoria Miglior Film – Commedia o Musical, la vittoria è andata a “One Battle After Another”, che ha chiuso la serata come uno dei film più premiati. Ha infatti vinto come Miglior regista a Paul Thomas Anderson e Miglior sceneggiatura, per l’interpretazione non protagonista di Teyana Taylor.

Non stupisce, poi, che “KPop Demon Hunters” abbia vinto come Miglior film d’animazione.

Premi attoriali e le serie tv vincitrici: le interpretazioni più celebrate

Uno dei momenti più applauditi della serata è stata la vittoria di Jessie Buckley, premiata come Miglior Attrice in un Film Drammatico per “Hamnet”. La sua interpretazione intensa e dolorosa è stata unanimemente riconosciuta come una delle migliori dell’anno.

Il Golden Globe per il Miglior Attore in un Film Drammatico è andato a Wagner Moura per “The Secret Agent”. Un riconoscimento importante per un ruolo complesso, che ha saputo unire tensione politica e profondità psicologica.

Nella categoria Miglior Attore in un Film – Commedia o Musical, ha trionfato Timothée Chalamet grazie alla sua performance in “Marty Supreme”. Un ruolo che conferma ancora una volta la sua versatilità e il suo status di star assoluta del cinema contemporaneo.

Anche il piccolo schermo ha avuto grande spazio durante la cerimonia. Miglior Serie TV – Drama è “The Pitt”, che ha vinto anche il premio Miglior attore in una serie drammatica (Noah Wyle) mentre Miglior Serie TV – Commedia o Musical, “The Studio”, che fa ottenere a Seth Rogen anche la statuetta per il Miglior attore in una serie commedia o musicale.

Entrambe le serie hanno rispettato le aspettative, consolidando il loro successo anche a livello internazionale. Lo stesso si può dire di “Adolescence”, premiato come Miglior miniserie o film televisivo, Miglior attore in una miniserie o film televisivo a Stephen Graham, Migliore attore non protagonista a Owen Cooper e Migliore attrice non protagonista a Erin Doherty. E proprio tra i riconoscimenti femminili troviamo Migliore attrice in una miniserie o film televisivo a Michelle Williams (“Dying for Sex”), Miglior attrice in una serie drammatica a Rhea Seehorn (“Pluribus”) e Miglior attrice in una serie commedia o musicale a Jean Smart (“Hacks”).

I Golden Globes 2026 hanno offerto un quadro chiaro dei titoli e degli artisti destinati a essere protagonisti anche nei prossimi mesi. Ora l’attenzione si sposta sugli Oscar 2026, ma una cosa è certa: i Golden Globes di quest’anno hanno già lasciato il segno.

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Appuntamento all’Auditorium Parco della Musica

Dal 15 al 26 ottobre 2025 Roma accoglie la ventesima edizione della Festa del Cinema di Roma, manifestazione ormai salita al rango di appuntamento imprescindibile per gli amanti del grande schermo italiano e internazionale. La manifestazione si presenta più viva che mai piena di novità che ne ampliano la portata culturale e la partecipazione del pubblico.

La direttrice Artistica della Festa del Cinema è la giornalista e critica cinematografica Paola Malanga, affiancata da Giovanna Fulvi, Enrico Magrelli, Emanuela Martini, Alberto Pezzotta e Alberto Libera per la selezione dei film. Per i film in concorso i presidenti sono per Progressive Cinema-Visioni per il mondo di domani Paola Cortellesi, per Miglior Opera Prima Santiago Mitre Presidente e Alexander Nanau per Miglior Documentario.

Tanti eventi da non perdere

Oltre alle opere in concorso, la Festa del Cinema di Roma offre molto di più. A cent’anni dalla nascita, si celebra Franco Pinna (1925-1978), fotografo italiano fra i più importanti del secolo scorso. L’immagine ufficiale di questa edizione, infatti, è proprio di sua produzione: una ripresa effettuata sul set del film “Giulietta degli spiriti” di Federico Fellini, di cui ricorre, tra l’altro, l’anniversario dall’uscita, avvenuta sessant’anni fa.

Inoltre, la Casa del Cinema sarà uno dei luoghi più importanti di questa ventesima edizione, ospitando gran parte della programmazione della sezione Storia del Cinema, a cura di Gian Luca Farinelli, direttore della Fondazione Cineteca di Bologna; come sempre, si tratta di anteprime dei documentari di approfondimento sulla settima arte, agli omaggi, agli eventi speciali e ai film in versione restaurata, come l’anniversario per “The Rocky Horror Picture Show” e “I cento passi” o la Maratona Pier Paolo Pasolini, a cinquant’anni dall’omicidio.

Sono davvero tanti i nomi degli ospiti che incontreranno il pubblico: Marco Bellocchio, Alessandro Borghi, Silvia D’Amico, Marco Tullio Giordana, Luigi Lo Cascio, Mario Martone, Valerio Mastandrea, Domenico Procacci, Isabella Rossellini, Sergio Rubini, per citarne solo alcuni.

Un accenno anche alle mostre; oltre a quella dedicata al già citato Franco Pinna, anche l’omaggio a Claudio Caligari, in occasione del decennale dall’uscita del suo “Non essere cattivo”, in una mostra fotografica dal titolo “Non essere cattivo: dieci anni dopo”, a cura di Stefania Plaza Mora. Ma anche “Roma e l’invenzione del cinema – dalle origini al cinema d’autore, 1905-1960”, “Alien Perspective” e “Tutte le stelle portano a Roma. Da Cannes a Venezia e Roma sfila il grande cinema in bianco e nero”.

La Festa del Cinema di Roma si conferma così il grande evento che celebra il grande cinema e la città che, insieme a poche altre, lo ha reso immortale.

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C’è un vecchio detto a Hollywood che recita: “Il cinema è il sogno a occhi aperti dell’umanità”. E se è vero che il grande schermo sa trasformare le fantasie in immagini, la moda ha sempre avuto il potere di cucirle addosso, rendendole tangibili, indossabili, vive. Non è un caso che, stagione dopo stagione, stilisti e registi abbiano dialogato a distanza in un cortocircuito creativo irresistibile: i film ispirano la moda, e la moda, a sua volta, diventa protagonista di scene memorabili.

La Fall/Winter 2025 porta questo dialogo a un nuovo livello. Le passerelle si sono trasformate in veri set cinematografici, con collezioni che evocano atmosfere da film noir, richiami rétro anni ’70 e suggestioni futuristiche degne della fantascienza d’autore. Come ha dichiarato un direttore creativo a margine della Milano Fashion Week: “La moda di oggi non racconta solo lo stile, ma costruisce sceneggiature da indossare”.

I grandi temi di stagione: tra noir e fantascienza

Il nero domina incontrastato come in un capolavoro di Hitchcock: trench lunghi e silhouette affilate richiamano Vertigo e Rebecca, ma con un twist contemporaneo fatto di pelle lucida, vinile e dettagli cut-out. Prada e Alexander McQueen hanno costruito collezioni che sembrano dialogare con la tensione visiva del cinema d’autore. Al contrario, i tocchi metallici e le texture tech parlano la lingua del futuro: Balenciaga, Rick Owens e Mugler sembrano aver guardato Blade Runner e Dune per immaginare un guardaroba distopico ma irresistibilmente cool.

Il revival dei Seventies sul red carpet quotidiano

Non manca il ritorno del glamour anni ’70, con paillettes liquide e velluti scintillanti che sembrano usciti da un film di Fellini o dalle prime scene disco newyorkesi immortalate in Saturday Night Fever. Gucci e Saint Laurent hanno giocato con pantaloni a zampa e smoking oversize, mentre Tom Ford e Michael Kors hanno aggiunto un tocco di jet-set cinematografico, riportando in auge un’estetica da diva che oscilla tra il fascino della Dolce Vita e l’energia elettrica dello Studio 54.

Le eroine romantiche e il fascino del gotico

Dior e Valentino hanno abbracciato una femminilità più narrativa, quasi da dramma in costume: abiti lunghi, trasparenze velate e mantelli teatrali rimandano a eroine shakespeariane o a regine tormentate del grande schermo. Dolce&Gabbana, invece, ha puntato su un romanticismo dark che cita il gotico cinematografico tra velluti, corsetti e dettagli barocchi.

Moda come sceneggiatura quotidiana

Il rapporto cinema-moda si riflette anche nell’idea di “narrazione personale”: ogni outfit racconta un personaggio, una storia, un atto di ribellione o un sogno. Come ha dichiarato Miuccia Prada: “Non ci vestiamo solo per uscire di casa, ci vestiamo per interpretare chi vogliamo essere, proprio come in un film”. E così la moda Fall/Winter 2025 si presenta come un casting aperto, dove ognuno può scegliere se essere l’eroe dark, la diva rétro o il visionario del futuro.

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In un’Italia cinematografica che raramente prende sul serio il pubblico giovane, “Incanto” arriva come una boccata d’aria nuova. Una favola dark ambientata tra mura decadenti, circhi itineranti e verità nascoste, che coniuga mistero, magia e dolore in un racconto destinato ai ragazzi, ma capace di parlare a tutti.

Una villa, una bambina silenziosa, e una fuga verso la luce

Margot ha solo tre anni quando perde il padre, Ludovico, morto senza ricevere soccorso da Felicia, la sua governante. Quest’ultima spera di ereditarne la villa, ma il testamento parla chiaro: solo Margot, figlia legittima, potrà firmare l’eventuale cessione della proprietà. C’è solo un problema: il documento è scomparso. Così Felicia rinchiude Margot nella sua stanza per sette lunghi anni, trasformando la casa in un orfanotrofio, gestito insieme al suo compagno Max.

Margot, muta, cresce isolata ma non sola: accanto a lei c’è Daniel, che ogni giorno le insegna parole nuove. È il linguaggio che salva, è la parola che libera: a dieci anni Margot riesce a scappare e trova rifugio nel magico circo Balloon, dove si riaccende la sua voglia di vivere.

Un cast che sorprende e una messa in scena da film internazionale

Diretto da Pier Paolo Paganelli, scritto insieme a Jacopo del Giudice e Davide Rossetti, “Incanto” conquista per il suo tono fiabesco ma mai ingenuo. Il film è ambizioso, tecnicamente curatissimo – dalla fotografia di Martina Cocco alle scenografie di Federico Costantini, fino ai costumi firmati Nicoletta Taranta – e sorretto da un cast in gran forma.

Tra tutti spicca una Vittoria Puccini inedita, perfetta nel ruolo della crudele Felicia, lontana anni luce dai suoi personaggi abituali. Giorgio Panariello, nei panni del direttore del circo, dosa bene ironia e misura, mentre Mia Benedetta dà corpo all’unica figura materna positiva, la funambola Stella. Interessante anche la scelta di assegnare i due ruoli maschili opposti – Daniel e Spoletta – a due attori fisicamente simili, suggerendo un sottile gioco di specchi. E il cammeo della bambola meccanica Dolly (una magnetica Adriana Papana) è una piccola gemma.

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Dopo il grande successo di critica e pubblico della prima stagione, Sandman torna con una seconda, attesissima stagione disponibile su Netflix da oggi, 3 luglio 2025. Basata sull’omonima graphic novel di culto pubblicata da DC Comics e scritta da Neil Gaiman, la serie continua a esplorare l’universo degli Eterni, tra regni simbolici, mitologia e riflessione esistenziale.

Al centro della narrazione c’è ancora una volta Sogno (Tom Sturridge) – detto anche Rêve o Morpheus – Signore del Mondo Onirico, chiamato ad affrontare le conseguenze delle scelte compiute in passato. Dopo il confronto con la sua famiglia, sarà costretto a sacrifici estremi per proteggere il Regno del Sogno, il Mondo della Veglia e forse persino se stesso. Il nuovo ciclo di episodi introduce nuove entità mitologiche e soprannaturali, tra vecchi nemici e divinità mai viste prima, arricchendo ulteriormente un immaginario già profondamente stratificato.

Il trailer ufficiale, rilasciato da Netflix, mostra un Sogno vulnerabile ma risoluto, immerso in atmosfere cupe e scenari visionari che confermano l’alta qualità produttiva e l’ambizione estetica della serie. L’universo visivo – sospeso tra gotico, fantasy e psicologia – rimane uno dei tratti distintivi del progetto, in cui ogni dettaglio scenografico contribuisce a costruire una mitologia densa e affascinante.

Alla base della narrazione resta l’impronta poetica e malinconica di Neil Gaiman, che partecipa in prima persona alla realizzazione della serie. Questa seconda stagione promette di essere un viaggio profondo nella fragilità degli Eterni, nel peso della responsabilità e nella tensione tra ordine e caos, con un protagonista dilaniato tra dovere e desiderio.

Chi ha amato la prima stagione ritroverà le stesse atmosfere magnetiche e i personaggi enigmatici, con l’aggiunta di nuove figure e conflitti che espandono la mitologia originale. E per chi si affaccia per la prima volta all’universo di Sandman, sarà l’occasione perfetta per scoprire una delle narrazioni più complesse e affascinanti del fumetto contemporaneo.

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Anni dopo una catastrofe climatica che ha reso la Terra inabitabile, una famiglia di ex élite industriale vive in un bunker elegante, costruito per resistere alla fine del mondo. In questo spazio chiuso e controllato si muovono sei adulti – genitori, personale di servizio e amici – concentrati nell’educazione del Figlio, un ventenne cresciuto senza mai vedere il cielo, gli alberi o altri esseri umani. Ma l’arrivo improvviso di una sopravvissuta dall’esterno, una giovane Ragazza che ha perso la propria famiglia tentando di raggiungerli, incrina l’equilibrio apparente e fa riemergere verità mai dette.

È questo lo scenario di The End, primo lungometraggio di finzione del documentarista Joshua Oppenheimer, autore di capolavori disturbanti come The Act of Killing. Il film – concepito come un musical teatrale recitato, con canzoni scritte dallo stesso Oppenheimer e musiche originali di Joshua Schmidt – affronta con toni stranianti e dolenti il tema della colpa rimossa, in particolare quella delle generazioni adulte responsabili della crisi climatica e sociale.

I personaggi – significativamente privi di nomi – incarnano un’umanità che ha scelto di sopravvivere chiudendo le porte agli altri, senza mai chiedersi davvero il prezzo di quella decisione. La Madre (una glaciale e coreografica Tilda Swinton) è una ex ballerina ossessionata dall’ordine, che usa la routine per negare la realtà esterna. Il Padre (interpretato da Michael Shannon) è un uomo che ammette a denti stretti la propria responsabilità nel disastro ambientale, ma la maschera davanti al figlio, a cui affida la stesura della propria autobiografia. Il Figlio (George MacKay), cresciuto nella bolla del rifugio, scopre la possibilità di un pensiero diverso solo attraverso l’incontro con la Ragazza (Moses Ingram), che diventa per lui una finestra sull’alterità, più che un oggetto d’amore.

A emergere è il contrasto tra chi ha rimosso il trauma per continuare a vivere indisturbato nel proprio privilegio e chi, come le nuove generazioni, è ancora in grado di porsi domande etiche e morali. La casa, l’ambiente “sicuro”, è il vero protagonista, metafora di una società che ha fatto del controllo e dell’autoconservazione l’unico obiettivo, anche a costo di perdere empatia, comunità e memoria.

Il film nasce, come ha dichiarato Oppenheimer, dall’esperienza del lockdown durante la pandemia di COVID-19, e riflette sulla deriva individualistica e claustrofobica di un mondo ossessionato dalla sicurezza, dove la salvezza diventa sinonimo di esclusione.

Con il suo stile visivo sontuoso, il tono teatrale e un uso della musica che rifiuta la melodia in favore della parola intonata, The End non è solo un film distopico, ma un’opera sul presente, che interroga lo spettatore su ciò che siamo disposti a sacrificare pur di non cambiare.

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Cinque anni dopo il primo capitolo, The Old Guard torna con un nuovo episodio carico di azione, tensione e colpi di scena. The Old Guard 2 debutta il 2 luglio su Netflix, riportando in scena Charlize Theron nel ruolo di Andy, leader indiscussa di un gruppo di mercenari immortali pronti a tutto per proteggere l’umanità.

Dove eravamo rimasti?

Nel film originale, tratto dalla graphic novel di Greg Rucka e Leandro Fernández, Andy e il suo gruppo scoprono che la loro esistenza è stata compromessa da riprese video che rivelano la loro natura immortale. Inseguiti da una multinazionale farmaceutica interessata a studiarli, i protagonisti accolgono tra le loro fila Nile (KiKi Layne), una nuova guerriera appena scopertasi immortale. Ma il vero colpo di scena arriva nel finale, con il ritorno di Quynh, la prima compagna di Andy, creduta perduta per sempre.

Cosa succede in The Old Guard 2?

Nel sequel, il team affronta una minaccia ancora più letale, mentre deve fare i conti con la propria vulnerabilità e con nuove dinamiche interne. Booker, traditore nel primo capitolo, è stato allontanato, e Nile ne prende il posto nella squadra. Accanto ad Andy ritroviamo Joe (Marwan Kenzari) e Nicky (Luca Marinelli), coppia immortale legata da un amore millenario. Il ritorno di Quynh potrebbe essere una risorsa… o una bomba a orologeria.

Una saga action che parla anche di identità

Come nel primo film, The Old Guard 2 esplora temi di immortalità, perdita e scelte morali, mescolando azione esplosiva a una riflessione più intima sull’eternità. La regia dinamica, le coreografie di combattimento e le relazioni intense tra i personaggi rendono questo sequel un appuntamento imperdibile per gli amanti del genere.

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Gareth Edwards firma il nuovo capitolo della saga giurassica più amata del cinema con Jurassic World Rebirth, un film che fonde azione adrenalinica, avventura esotica e riflessioni bio-etiche in uno scenario post-apocalittico dove i dinosauri non sono più solo predatori, ma potenziali salvatori.

Una nuova biosfera, una nuova sfida

Sono passati cinque anni dagli eventi di Il Dominio, e il mondo ha cambiato volto. Dopo la liberazione dei dinosauri, la maggior parte delle specie non è sopravvissuta alle condizioni ostili del pianeta. Solo pochi esemplari abitano ancora aree tropicali isolate, dove il clima ricorda l’era mesozoica. È in questi territori remoti e letali che si concentra l’azione di Rebirth.

Tre colossi preistorici, rari e magnifici, sono diventati la chiave per una scoperta farmaceutica rivoluzionaria: un farmaco capace di salvare milioni di vite umane. Ma raggiungerli, studiarli e prelevarne il materiale genetico si rivelerà una missione disperata.

Un cast stellare per un kolossal contemporaneo

Il film segna l’ingresso di Jonathan Bailey, Scarlett Johansson e Mahershala Ali nell’universo Jurassic. Tre protagonisti diversi, uniti in una spedizione al limite tra scienza e sopravvivenza. Edwards, già noto per Rogue One e The Creator, porta il suo tocco realistico e spettacolare a una saga che ora guarda con più maturità ai temi della convivenza tra uomo e natura, del potere della genetica e delle responsabilità della tecnologia.

Con una durata di 134 minuti, Jurassic World Rebirth promette meno nostalgia e più tensione. La componente spettacolare rimane centrale, ma si accompagna a una riflessione più intensa sul futuro della Terra e del nostro rapporto con le specie estinte. I dinosauri, per la prima volta, non sono solo una minaccia: sono una possibilità, un ponte tra passato remoto e progresso medico.

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Diretto da Len Wiseman, il film porta sul grande schermo una storia di vendetta e rinascita, incentrata su una giovane assassina dal passato tormentato. Protagonista assoluta è Ana de Armas, che prende il posto di Unity Phelan, apparsa brevemente in John Wick 3 – Parabellum nei panni della ballerina tatuata.

Una killer con il passo di una danzatrice

La storia segue Eve, orfana salvata dalla misteriosa organizzazione della Ruska Roma, dove cresce addestrandosi in coreografie letali tra pistole e pirouette. Ora è diventata la Kikimora, assassina leggendaria ispirata al folklore slavo. Ma una missione fa riemergere dal passato il marchio sul polso degli assassini del padre. Di fronte al silenzio della Direttrice (interpretata da Anjelica Huston), Eve sceglie il cammino della vendetta. Un cammino che la porta a incrociare di nuovo la strada di John Wick in persona.

Un film dentro il “lore” di John Wick

Con Keanu Reeves, Ian McShane e Lance Reddick (nel suo ultimo ruolo) a fare da collegamento con la saga principale, Ballerina si inserisce perfettamente nell’universo narrativo creato da Stahelski, Leitch e Iwanyk. E proprio la “trinità” creativa di John Wick è tornata in scena anche in fase di post-produzione, con due settimane di riprese aggiuntive per rifinire le sequenze chiave e dare coerenza al tono visivo e narrativo.

Non mancano momenti d’azione memorabili – tra cui una scena con lanciafiamme già candidata a diventare cult – ma Ballerina è anche un tentativo di sperimentazione estetica, che cerca una via originale all’interno di un universo narrativo già codificato.

Un passo difficile, ma riuscito?

La regia di Len Wiseman (già noto per Underworld e Total Recall) mostra un approccio personale, anche se con alti e bassi. Lo stile visivo è raffinato, ma la narrazione a tratti soffre nel bilanciarsi tra il desiderio di novità e la fedeltà al franchise.

Con un incasso USA di 25 milioni di dollari, Ballerina si posiziona come un tassello solido, anche se non rivoluzionario, nell’universo Wick. E per Ana de Armas, potrebbe essere la consacrazione definitiva nello star system hollywoodiano.

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Una galassia in bilico tra speranza e distruzione

La terza stagione ci proietta 152 anni dopo gli eventi della seconda. La Fondazione si è ormai espansa ben oltre i suoi inizi modesti, mentre l’Impero della Dinastia Cleonica vacilla. In questo fragile equilibrio, emerge una nuova minaccia: Il Mulo, signore della guerra dotato non solo di potere militare, ma anche di temibili capacità psichiche. Il suo obiettivo? Dominare l’universo intero.

Il destino dell’intera galassia si gioca tra battaglie, tradimenti e alleanze inaspettate. Ritroveremo personaggi chiave come Hari Seldon, Gaal Dornick, i Cloni Imperiali e Demerzel, impegnati in un pericoloso gioco intergalattico che potrebbe riscrivere la storia.

Un cast stellare per un racconto sempre più complesso

Oltre ai protagonisti storici Jared Harris, Lee Pace e Lou Llobell, il cast si arricchisce con nuovi volti di grande rilievo: Cherry Jones (Emmy winner), Brandon P. Bell, Synnøve Karlsen, Cody Fern, Tómas Lemarquis, Alexander Siddig, il premio Oscar Troy Kotsur e Pilou Asbæk. Tornano anche Laura Birn, Cassian Bilton, Terrence Mann e Rowena King, per dare continuità a un universo narrativo sempre più denso.

Dietro le quinte, Fondazione 3 è prodotta da Skydance Television e guidata da un team di produttori esecutivi capitanati da David S. Goyer. Con lui, anche Robyn Asimov, figlia dello scrittore, che garantisce coerenza e rispetto per l’opera originale.

Data di uscita e formato

La terza stagione sarà composta da 10 episodi, con il primo in uscita venerdì 11 luglio 2025. I successivi episodi verranno rilasciati ogni venerdì, fino al 12 settembre, sempre su Apple TV+.

Un nuovo inizio per la fantascienza seriale

Fondazione 3 si conferma una serie che non ha paura di osare: dalle ambientazioni spettacolari alla costruzione di una mitologia complessa, dal coraggio narrativo ai temi filosofici, ogni episodio è pensato per tenere incollati allo schermo tanto gli appassionati di Asimov quanto i neofiti del genere.

Scacchi galattici, potere mentale, imperi decadenti e resistenza umana: il futuro della galassia è ancora tutto da scrivere.

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