Premiata a Venezia

Benedetta Porcaroli conferma il suo status di rivelazione del cinema italiano contemporaneo: all’82ª Mostra del Cinema di Venezia, ha conquistato il premio Miglior interpretazione femminile nella sezione Orizzonti per la sua intensa performance in “Il rapimento di Arabella”, diretto da Carolina Cavalli.

Nel film, interpreta Holly, una giovane convinta di non essere la persona che vuole essere finché non incontra Arabella, una bambina che sembra incarnare la sua versione perduta. Insieme intraprendono una fuga on the road che mescola ironia surreale e introspezione emotiva.

Durante la cerimonia, Porcaroli ha dedicato il premio ai colleghi che sono sulla Global Sumud Flotilla, “che ci ricordano che non è tutto finito e che c’è un motivo valido per alzarsi la mattina. Si chiama umanità”.

Sul fronte dello stile, l’attrice ha colpito con scelte look memorabili a Venezia, firmate Prada. La sera della premiere ha indossato un abito floreale in raso, omaggio alla collezione Autunno/Inverno 1995-96, impreziosito da ricami in cristallo e spalline off-shoulder di design giocoso; un look romantico e sofisticato, perfetto per la luce dorata del tardo pomeriggio veneziano. Al momento della chiusura del festival, ha ribadito la sua eleganza con un mini dress nero dalla silhouette moderna, un gesto che ha definito il suo stile come “di rottura” rispetto all’abito lungo tradizionale da red carpet.

Un tocco di poesia con “Zvanì”

Oltre a “Il rapimento di Arabella”, nel 2025 Porcaroli è tra le protagoniste dell’atteso film “Zvanì – Il Romanzo Famigliare di Giovanni Pascoli”, in cui interpreta Maria Pascoli, detta Mariù. La pellicola esplora la dimensione familiare e poetica del celebre scrittore italiano, confermando ancora una volta la sua versatilità e predisposizione per ruoli profondi e complessi.

In sintesi, Benedetta Porcaroli ha brillato a Venezia 2025 tanto per la sua tessitura interpretativa quanto per i suoi look consapevoli e di carattere. Con “Il rapimento di Arabella” ha dato voce a un personaggio segnato dal dolore e dalla speranza, conquistando applausi e premi, mentre “Zvanì” la proietta nel mondo evocativo della poesia pascoliana. Un’attrice in costante evoluzione, capace di unire estetica e impegno in modo autentico.

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La Laguna ha chiuso i battenti con una serata che resterà impressa: l’82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia ha consegnato i suoi Leoni e le sue Coppe, consacrando grandi maestri e nuove voci. Sul red carpet finale, tra flash e applausi, si è respirata l’essenza più pura della Mostra: un crocevia di culture, visioni e linguaggi che ancora una volta ha reso Venezia il cuore pulsante del cinema mondiale.

I Vincitori del Concorso

• Leone d’Oro per il miglior film
  Father Mother Sister Brother di Jim Jarmusch – Una sorpresa che conferma la vitalità del regista indipendente americano, capace di coniugare poesia, ironia e malinconia in un racconto familiare che vibra di umanità.
• Leone d’Argento – Gran Premio della Giuria
  The Voice of Hind Rajab di Kaouther Ben Hania – Un’opera potente che intreccia memoria, dolore e resistenza, regalando alla Tunisia un premio di grande prestigio.
• Leone d’Argento – Miglior Regia
  Benny Safdie per The Smashing Machine – Il fratello Safdie convince anche da solo, con un film muscolare e intimo sul mondo delle arti marziali e delle fragilità umane.
• Coppa Volpi per la migliore attrice
  Xin Zhilei per The Sun Rises on Us All – Intensa e magnetica, porta sullo schermo una figura femminile capace di incarnare forza e fragilità con una potenza rara.
• Coppa Volpi per il miglior attore
  Toni Servillo per La Grazia – Il gigante del cinema italiano firma un’interpretazione memorabile, confermando di essere tra i grandi del nostro tempo.
• Miglior Sceneggiatura
  Valérie Donzelli & Gilles Marchand per À pied d’œuvre – Una scrittura raffinata che mescola intimità e sguardo sociale, dimostrando ancora una volta la centralità dell’autorialità francese.
• Premio Speciale della Giuria
  Below the Clouds di Gianfranco Rosi – Un nuovo affondo lirico e politico del regista italiano, che porta ancora una volta il documentario al livello del grande cinema.
• Premio Marcello Mastroianni (miglior giovane interprete)
  Luna Wedler per Silent Friend – La giovane attrice svizzera conquista pubblico e critica con una performance intensa e sorprendente.

I Premi Orizzonti

• Miglior Film: En el camino di David Pablos – Il regista messicano racconta un viaggio esistenziale che ha stregato la giuria.
• Miglior Regia: Anuparna Roy per Songs of Forgotten Trees – Un’opera poetica dall’India che intreccia natura e memoria.
• Premio Speciale della Giuria: Harà Watan di Akio Fujimoto – Uno sguardo delicato e insieme doloroso sull’identità e l’appartenenza.
• Miglior Interprete Femminile: Benedetta Porcaroli per Il rapimento di Arabella – La conferma di un talento che continua a crescere.
• Miglior Interprete Maschile: Giacomo Covi per Un anno di scuola – Freschezza e intensità in una prova attoriale che guarda al futuro del cinema italiano.
• Miglior Sceneggiatura: Ana Cristina Barragán per Hiendra – Una scrittura visionaria che unisce intimità e sperimentazione.
• Miglior Cortometraggio: Utan Kelly di Lovisa Sirén – Una piccola gemma nordica che sa farsi ricordare.

Gli altri Premi

• Leoni d’Oro alla Carriera: Kim Novak e Werner Herzog – Due leggende viventi che hanno scritto pagine immortali del cinema mondiale.
• Premio Venezia Opera Prima – Luigi De Laurentiis: Short Summer di Nastia Korkia – Un debutto coraggioso che segna l’inizio di una carriera da seguire.
• Premio del Pubblico – Venice Spotlight (Armani Beauty): Calle Malaga di Maryam Touzani – Un film che ha saputo conquistare il cuore degli spettatori.

Venezia Classici

• Miglior film restaurato: Bashù – Il piccolo straniero di Bahram Beyzai (1986) – Un capolavoro del cinema iraniano riportato a nuova vita.
• Miglior documentario sul cinema: Mata Hari di Joe Beshenkovsky & James A. Smith – Un ritratto affascinante di mito e realtà.

Venezia 82 si chiude con un palmarès che fotografa la ricchezza del cinema contemporaneo: dalle icone consacrate come Jarmusch e Servillo, alle nuove voci che stanno ridefinendo i linguaggi, passando per la forza del documentario e la vitalità delle sezioni collaterali. Una Mostra che non ha avuto paura di osare, dimostrando ancora una volta che il cinema, oggi più che mai, è uno specchio in cui leggere le nostre paure, i nostri sogni e la nostra storia.

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Alla 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, il sipario cala con Chien 51, il nuovo film di Cédric Jimenez, che trasforma il Lido in una finestra spalancata sul futuro. Ambientato in una Parigi del 2045, cupa e frammentata, il film ci trascina in un mondo governato da barriere sociali invalicabili e da Alma, un’intelligenza artificiale capace di ricostruire scene del crimine e individuare sospetti con una precisione algoritmica spaventosa.

Quando l’inventore di Alma viene assassinato, l’indagine mette insieme due poliziotti agli antipodi: Salia (Adèle Exarchopoulos), pragmatica e lucida, e Zem (Gilles Lellouche), disilluso e rabbioso. Insieme, attraversano le fratture di una città sorvegliata e divisa, fino a scoprire che il sistema che li governa è esso stesso l’arma più letale.

Jimenez, già autore di Bac Nord e Novembre, chiude così la sua ideale trilogia sulla polizia, portando nel futuro temi brucianti del presente: controllo sociale, disuguaglianza, giustizia automatizzata. La regia è nervosa e muscolare, il ritmo serrato, le atmosfere intrise di claustrofobia urbana. Il cast corale — da Louis Garrel a Romain Duris, fino a Valeria Bruni Tedeschi — aggiunge densità a una narrazione che fonde noir, distopia e critica sociale.

Il punto di forza del film è la sua capacità di essere “specchio del domani” senza cadere nel puro esercizio di stile: i checkpoint, i droni e la sorveglianza di massa non appaiono come fantascienza, ma come una proiezione inquietante del nostro presente. Se la struttura thriller non sorprende per originalità, la potenza visiva e la riflessione politica restano incisive.Con Chien 51, Venezia 82 si chiude con un’opera che scuote, interroga e mette in discussione: un film che non consola, ma costringe lo spettatore a guardare dove stiamo andando.

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C’è un’Italia che non ha mai smesso di interrogarsi sul volto del Male. Con Il Mostro, Stefano Sollima porta al Festival di Venezia una miniserie che affronta uno dei capitoli più dolorosi della cronaca nera del nostro Paese: i delitti del Mostro di Firenze. Lontano da ogni sensazionalismo, la serie sceglie la via più complessa: raccontare i fatti attraverso prospettive diverse, mostrando come il concetto stesso di “mostro” possa cambiare a seconda di chi osserva.

In quattro episodi, la narrazione si muove come un mosaico. Ogni tassello aggiunge un frammento, un sospetto, una pista, un’ossessione. Il risultato è un racconto corale, dove la verità rimane sfuggente e lo spettatore è costretto a convivere con le stesse incertezze che per anni hanno tormentato magistrati, poliziotti e opinione pubblica.

La regia di Sollima è misurata, quasi chirurgica. Niente eccessi, niente spettacolarizzazioni: il buio è evocato con lentezza, le pause diventano più eloquenti delle parole, i silenzi raccontano un’Italia sospesa tra paura e curiosità morbosa. L’atmosfera resta densa, cupa, ma mai compiaciuta: il vero orrore non è mostrato, ma suggerito.

I punti di forza sono evidenti: la capacità di trasformare un caso di cronaca in un dramma universale, la scelta di dare voce a prospettive differenti, la costruzione di un ritmo che alterna tensione e introspezione. È una serie che chiede allo spettatore pazienza e attenzione, offrendo in cambio una riflessione profonda sul rapporto tra verità, giustizia e memoria.

Non mancano tuttavia zone d’ombra. La struttura episodica, volutamente frammentata, rischia di smarrire chi si aspetta un thriller lineare e serrato. In alcuni momenti, la scelta di mantenere un registro sobrio e anti-spettacolare può lasciare la sensazione di incompletezza, come se il racconto restasse in superficie.

Eppure, proprio in questa imperfezione si trova il valore del progetto. Il Mostro non cerca di dare risposte, ma di restituire il clima di paura e ambiguità che ha segnato un’epoca. È un’opera che mette lo spettatore davanti a uno specchio, chiedendogli non tanto di identificare un colpevole, quanto di riflettere su come nasce e si alimenta la figura del “mostro” nella nostra società.

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Con Elisa, Leonardo Di Costanzo porta al Festival di Venezia un film che non urla, non colpisce con gesti plateali, ma scava lentamente nelle pieghe di un’anima ferita. La protagonista, interpretata da una straordinaria Barbara Ronchi, è una donna imprigionata non solo dalle sbarre di un carcere alpino immerso nella neve, ma soprattutto da un passato che torna a bussare con forza.

La scelta registica è chiara: puntare sul non detto, sul peso dei silenzi, su inquadrature statiche che raccontano più di mille dialoghi. Ronchi regge interamente il film, con uno sguardo che riesce a racchiudere dolore, rimorso e disperazione senza mai scivolare nell’eccesso. È proprio nella sua intensità misurata che Elisa trova la sua parte migliore.

La fotografia di Luca Bigazzi amplifica questa dimensione sospesa: il bianco della neve e le atmosfere fredde diventano specchio della solitudine della protagonista, mentre il carcere appare come una gabbia fisica e mentale. È un cinema che invita lo spettatore a osservare, a interrogarsi, a sospendere il giudizio.

Eppure, tanta eleganza formale rischia talvolta di trasformarsi in distanza emotiva. Il ritmo è molto lento, quasi ipnotico, e la narrazione procede più per accenni che per sviluppo. Alcuni passaggi si riducono a riflessioni statiche, lasciando la sensazione che il racconto si fermi, che la tensione non esploda mai davvero.

Elisa è un film che divide: per chi cerca un’esperienza cerebrale e meditativa, capace di stimolare riflessioni su colpa e giustizia, rappresenta una proposta preziosa. Per chi invece desidera emozione immediata e tensione drammatica, può risultare troppo rarefatto e inerte.In ogni caso, Di Costanzo conferma la sua cifra personale: un cinema che osserva senza giudicare, che preferisce il dubbio alla certezza. E Barbara Ronchi, con la sua interpretazione memorabile, rende Elisa un’esperienza che resta impressa, nonostante le sue ombre narrative.

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C’è un filo sottile che unisce il mito del teatro alla fascinazione senza tempo della moda: è lo stile come gesto, come identità, come dichiarazione al mondo. In Duse, presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, Pietro Marcello cattura l’essenza di Eleonora Duse, la “Divina”, restituendole la sua aura fragile e luminosa.

Interpretata da una intensa Valeria Bruni Tedeschi, la Duse non è raccontata come una diva distante, ma come una donna che ha fatto della sobrietà il proprio lusso. Nei suoi costumi di scena minimalisti, lontani dagli eccessi decorativi della rivale Sarah Bernhardt, la Duse trovava una forma di modernità radicale: un’estetica che parlava di autenticità, di sottrazione, di un lusso interiore capace di brillare oltre l’apparenza.

Il film ci porta negli anni Venti, tra il declino della salute e il ritorno sulle scene, in un’Italia che si prepara all’avvento del fascismo. In questo contesto di crisi, la Duse appare come un’icona che sfida la Storia con la forza della sua presenza scenica. E proprio qui il cinema di Marcello trova la sua chiave: fare della recitazione un atto politico ed estetico, un modo per dire che lo stile – quello vero – è resistenza, è libertà.

Ogni dettaglio del film – dalle scenografie immerse in chiaroscuri, agli abiti che evocano tessuti grezzi e preziosi insieme – richiama un lusso sobrio e intriso di senso, non di ornamento. È lo stesso principio che guida oggi le maison di alta moda che hanno riscoperto l’arte della sottrazione, trasformando il minimalismo in segno di distinzione.

Duse non è solo un film biografico: è una lezione di stile. Racconta di una donna che seppe vivere la propria arte come un gioiello interiore, senza bisogno di orpelli, e che ancora oggi ci ispira a pensare il lusso come linguaggio silenzioso, fatto di autenticità, forza e grazia.

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Con I diari di Angela – Noi due cineasti. Capitolo terzo, presentato alla Mostra del Cinema di Venezia, Yervant Gianikian conclude il percorso avviato nel 2018 con i diari di Angela Ricci Lucchi, compagna di vita e di lavoro. Non si tratta di un semplice documentario biografico, ma di un’opera che attraversa l’intimità per restituirla come patrimonio comune. Le pagine scritte da Angela, fitte di appunti, disegni, riflessioni politiche e memorie personali, diventano materia cinematografica: lette, rielaborate e intrecciate a immagini che oscillano tra memoria privata e Storia collettiva.

La forza del film sta proprio in questo movimento: dal personale all’universale. Il dolore della perdita si intreccia con la resistenza di chi non smette di cercare senso, di chi decide di fare del ricordo un gesto di creazione. Ne emerge un ritratto affettuoso e radicale, dove la malattia, la fragilità, ma anche l’ironia e la passione civile di Angela, vengono riportate in vita attraverso il cinema.

Lo spettatore si trova così immerso in un flusso che non segue i canoni tradizionali della narrazione, ma quelli del diario intimo: frammenti, annotazioni, lampi improvvisi che restituiscono la complessità di una vita intera. È un cinema che non ha paura di essere personale, anzi: fa dell’intimità il proprio linguaggio, trasformandola in memoria condivisa.

Con questo capitolo finale, Gianikian non solo chiude un’opera, ma consegna al pubblico un atto d’amore e di resistenza. I diari di Angela diventano così un monumento delicato e necessario: il segno che il cinema può custodire le tracce di una vita e trasformarle in arte.

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Con In the Hand of Dante, Julian Schnabel torna a Venezia con un film che è insieme dichiarazione d’amore per la letteratura e prova di forza visiva. Ispirato al romanzo di Nick Tosches, l’opera intreccia due piani narrativi: la Firenze trecentesca, dove Dante Alighieri compone la Divina Commedia, e la New York del nostro tempo, in cui lo scrittore Nick Tosches si trova coinvolto in un mistero legato a un presunto manoscritto originale del poeta.

Schnabel, pittore prima ancora che regista, costruisce un film che somiglia più a una galleria di quadri che a una narrazione classica. Alterna bianco e nero a esplosioni di colore, riti medioevali a gangster story metropolitana, filosofia a violenza, sacro a profano. Il risultato è un’opera febbrile, traboccante di suggestioni, interpretata da un cast sorprendente: Oscar Isaac presta corpo e intensità tanto al Dante storico quanto al Tosches contemporaneo, affiancato da volti come Al Pacino, Gal Gadot, Gerard Butler e persino Martin Scorsese.

Eppure, in questa abbondanza di immagini e di idee, si avverte anche il rischio dell’eccesso. Schnabel non cerca mai l’equilibrio: preferisce lo slancio visionario, la vertigine estetica. Questo lo rende affascinante, ma a tratti disorientante. Lo spettatore viene travolto più dalla forma che dal racconto, rapito da lampi visivi ma lasciato a volte senza un filo emotivo a cui aggrapparsi.

Il film resta comunque un’esperienza radicale, che rifiuta la semplificazione e chiede di essere vissuta più che seguita. È un’opera che ambisce a diventare poesia cinematografica, e proprio in questo suo farsi “poema per immagini” risiede sia la sua forza che la sua fragilità. In the Hand of Dante divide, scuote, e lascia l’impressione di un gesto artistico più grande della sua stessa storia. Un atto di fede nella potenza del cinema come arte totale, capace di rischiare il fallimento pur di sfiorare la trascendenza.

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Dopo otto anni di silenzio, Kathryn Bigelow riemerge sul grande schermo con A House of Dynamite, presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia. È un film che non concede tregua: un racconto serrato, costruito in tempo reale, che segue i venti minuti più lunghi della storia, quelli in cui un missile nucleare – di provenienza ignota – minaccia di abbattersi su Chicago.

Il cuore del film pulsa nella Sala Situazioni della Casa Bianca, dove il Presidente, interpretato da Idris Elba, e la sua squadra – con Rebecca Ferguson e Jared Harris in ruoli chiave – affrontano il conto alla rovescia con un misto di strategia, panico e disperazione. La regia asciutta e implacabile di Bigelow accentua la claustrofobia: niente eroismi spettacolari, solo esseri umani intrappolati in un meccanismo più grande di loro, che tentano di prendere decisioni impossibili mentre il tempo scorre inesorabile.

La forza di A House of Dynamite non sta soltanto nella tensione narrativa, ma nella capacità di rendere universale la paura: vediamo figure istituzionali che, dietro la facciata del potere, cercano di telefonare ai propri cari, scrutano i volti dei colleghi, si interrogano sulla fragilità dell’ordinario. Il film diventa così un’esperienza corale, dove l’apocalisse non è spettacolo ma quotidianità, e dove la minaccia atomica smette di essere astrazione per trasformarsi in presenza concreta.

Bigelow orchestra questo incubo con rigore quasi documentaristico, spingendo lo spettatore dentro una realtà che appare tanto lontana quanto vicinissima. È un cinema che non consola: A House of Dynamite non offre soluzioni, non cerca catarsi, ma mostra con lucidità come l’inimmaginabile possa irrompere nella vita di tutti, costringendoci a fare i conti con la vulnerabilità del nostro tempo.

Con questo film, Bigelow non solo conferma la sua maestria, ma consegna un’opera necessaria: un monito feroce in un’epoca che tende a dimenticare quanto fragile sia la distanza tra normalità e disastro.

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A Venezia con Luca Guadagnino

Julia Roberts approda finalmente al Lido di Venezia; è la prima volta in trent’anni di carriera, e lo fa in occasione della premiere mondiale — fuori concorso — del film “After the Hunt”, diretto da Luca Guadagnino e presentato all’82ª Mostra del Cinema di Venezia.

Il film la vede protagonista nel ruolo di Alma, una stimata docente di filosofia a Yale alle prese con un dolore personale e un’accusa di molestie sessuali rivolta a un collega, interpretato da Andrew Garfield; una vicenda narrativamente intensa che solleva questioni su potere, responsabilità e verità. Nel cast anche Ayo Edebiri (Margaret, protégée di Alma), Michael Stuhlbarg (marito della professoressa) e Chloë Sevigny, nei panni dell’amica Kim.

Roberts ha colto l’occasione del festival anche per stimolare il dibattito, dichiarando che con questo film desiderano sfidare il pubblico; è una storia, infatti, in cui affiorano molteplici verità, sulla responsabilità di ognuno di noi e sulla coerenza tra quello che raccontiamo agli altri e quello che diciamo a noi stessi.

Sul fronte moda, Julia ha fatto uno splash con due look che hanno subito catturato l’attenzione. All’arrivo, ha indossato un cardigan bianco e nero raffigurante il volto di Guadagnino, in omaggio al regista. Per la conferenza stampa del film, invece, ha scelto un outfit di Versace firmato dal nuovo direttore creativo Dario Vitale: blazer blu, camicia a righe e jeans, conferendo freschezza e sobrietà al suo stile iconico. Il completo ha talmente colpito la collega Amanda Seyfried, che questa ha chiesto di poterlo indossare anche lei in conferenza stampa.

E, infine, il red carpet: un abito da sera Atelier Versace aderente in crêpe de chine blu navy, caratterizzato da un motivo damier ricamato con filo di seta nero.

Prossimamente: “Panic Carefully”

Sul fronte cinematografico, Roberts si prepara a un brivido: sarà infatti protagonista del thriller “Panic Carefully”, scritto e diretto da Sam Esmail (“Mr. Robot”). Il cast include nomi come Elizabeth Olsen, Eddie Redmayne, Brian Tyree Henry e Aidan Gillen. Le riprese sono partite a Londra all’inizio del 2025.

Julia Roberts continua così a rinnovarsi con un mix di ruoli intensi e scelte stilistiche di classe assoluta. Con “After the Hunt” torna a Venezia con una performance intensa e una presenza raffinata. Tra omaggi sartoriali, condivisione glamour e progetti cinematografici intriganti, consolida ancora una volta il suo status di icona eterna, capace di unire profondità, stile e attualità.

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