Tra ironia tagliente e riflessione sottotraccia, Ditegli sempre di sì torna a teatro con tutta la sua sorprendente attualità, dimostrando quanto il confine tra equilibrio e squilibrio sia, in fondo, una costruzione fragile.

Non è tra i titoli più battuti del repertorio di Eduardo De Filippo, eppure Ditegli sempre di sì si rivela oggi più che mai una commedia necessaria. Vivace, scorrevole, a tratti esilarante, l’opera affonda le radici in una comicità farsesca per poi virare, quasi senza preavviso, verso territori più inquieti. Il risultato è un equilibrio sottile, dove la risata si incrina lasciando spazio a una domanda scomoda: cosa significa davvero essere “normali”?

Al centro della scena c’è Michele Murri, uomo appena dimesso da un manicomio, figura apparentemente impeccabile nella sua educazione e lucidità. Ma è proprio questa sua ossessione per la logica e per il senso letterale delle parole a trasformarlo in un elemento destabilizzante. Michele non interpreta, non filtra, non attenua: prende tutto così com’è, portando alle estreme conseguenze ogni frase, ogni intenzione. E così, paradossalmente, è il mondo che lo circonda — fatto di convenzioni, sottintesi e piccole ipocrisie — a sembrare fuori asse.

Nel microcosmo domestico della sorella, tra equivoci e verità dette senza mediazioni, si costruisce un gioco teatrale raffinato in cui i ruoli si ribaltano continuamente. Eduardo, con la sua consueta maestria, non offre risposte, ma moltiplica i punti di vista, lasciando emergere una realtà sfaccettata, dove la follia non è mai un’esplosione evidente, ma una crepa sottile che attraversa ogni relazione.

A dare nuova linfa al testo, una regia attenta e sensibile che sceglie di non sovraccaricare, ma di accompagnare con misura il ritmo della scrittura. Il cast, giovane ma sorprendentemente maturo, restituisce con precisione e delicatezza tutte le sfumature della pièce, mantenendo costante quella tensione tra leggerezza e profondità che è la vera cifra dello spettacolo. Il risultato è un lavoro che diverte, certo, ma soprattutto invita a guardarsi allo specchio — e a dubitare, almeno per un istante, della propria idea di normalità.

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Considerato uno dei testi più controversi e potenti del teatro americano del Novecento, La gatta sul tetto che scotta torna come materia viva nella Sala Grande del Teatro Franco Parenti di Milano dal 10 al 15 febbraio, sotto la direzione di Leonardo Lidi e con la traduzione di Monica Capuani.

Leonardo Lidi prosegue così il suo percorso sui grandi autori del Novecento, riprendendo Tennessee Williams dopo l’esperienza con Čechov: un ritorno che non chiude, ma tiene insieme. Williams è la lente perfetta per analizzare la società attraverso la famiglia e per raccontare una comunità incapace di avanzare.

Ed è proprio lì che questo spettacolo decide di guardare: dentro i rapporti umani e nella crescita emotiva personale, così drammaticamente contemporanea.

Dal cast alle scenografie: nessun punto debole

La compagnia è compatta, affiatata, e spinge il dramma fino ai suoi nervi scoperti. Valentina Picello dà vita a una Maggie piena di energia e contraddizioni: combattiva, vulnerabile, in bilico su un filo esistenziale. Accanto a lei, Fausto Cabra costruisce un Brick opaco e fragile, chiuso in un silenzio che pesa più di mille parole.

Orietta Notari e Nicola Pannelli sono una coppia genitoriale grottesca e autoritaria, mentre Giuliana Vigogna e Giordano Agrusta disegnano Mae e Gooper con sarcasmo affilato e opportunismo spietato. Riccardo Micheletti attraversa la scena nei panni di Skipper come una presenza spettrale e perturbante, una ferita che non smette di sanguinare. Completano il quadro Greta Petronillo, bambina inquieta e fuori asse, e Nicolò Tomassini nel ruolo del Reverendo.

L’organicità dello spettacolo è rafforzata dal quadro visivo e sonoro complessivo: le scene e le luci di Nicolas Bovey costruiscono uno spazio monumentale e astratto, vera architettura emotiva del dramma; i costumi di Aurora Damanti oscillano tra realismo e simbolo, mentre il paesaggio sonoro di Claudio Tortorici accompagna e amplifica la tensione fino allo scontro finale.

Il plot (senza spoiler, promesso)

La storia ruota attorno alla famiglia Pollitt, riunita per il compleanno del patriarca Big Daddy, ignaro di essere gravemente malato. I figli, Brick e Gooper (con le rispettive mogli), si muovono in un gioco fatto di affetti mancati, aspettative tradite e rivalità per l’eredità. La protagonista, Maggie — la “gatta” del titolo — vuole essere amata, desiderata e… madre. Ma a quale prezzo?

Maggie e Brick: un amore che non respira, la tensione in scena e il ruolo della donna

Il cuore pulsante dello spettacolo è il rapporto tra Maggie e Brick: un matrimonio senza intimità, soffocato dall’alcolismo di lui e dal lutto mai elaborato per la morte di Skipper, l’amico fraterno la cui presenza aleggia sul palco come un fantasma.

Qui la regia di Lidi compie una scelta potente: Skipper diventa visibile, attraversa la scena come uno spettro portatore di verità, mentre la famiglia si aggrappa ostinatamente a una rappresentazione falsa di sé. È lui il corpo estraneo che smaschera tutto.

In questa prospettiva, Maggie emerge come una figura profondamente contemporanea: una donna costretta a fingersi madre per essere riconosciuta come tale, simbolo di un sistema che continua a legare l’identità femminile al ruolo di generatrice.
La sua non è solo una battaglia privata: è una lotta politica, un grido di resistenza che attraversa l’intera messinscena.

Non un semplice melodramma, ma un must-see

Non è il solito melodramma con lieto fine: è una famiglia americana che sembra perfetta, finché non si frantuma in mille pezzi. Sotto la superficie di sorrisi e convenzioni emergono menzogne, desideri brutalmente repressi, avidità e silenzi che gridano. Williams vinse con questo testo il suo secondo Premio Pulitzer, e qui la regia di Lidi lo trasforma in un’esperienza viscerale, intensa e dolorosamente attuale.

Lidi affronta La gatta sul tetto che scotta come un dispositivo politico ed emotivo, capace di parlare al presente mettendo a nudo dinamiche sociali e forzature ideologiche.v

È qui che il testo ritrova la sua verità più scomoda: non un melodramma, ma — come scriveva lo stesso Williams — un “ridicolo presepe vivente”, dove ogni ruolo sociale diventa una gabbia.

Il ridicolo, l’eccesso e l’ironia si fanno strumenti di smascheramento. Si ride — a tratti — ma è una risata che segna e che ci costringe a guardare la scena con altri occhi: quelli interiori.

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«A credere che l’onestà possa ancora regalare un lieto fine.» – Don Felice (Il medico dei pazzi)

Dal 20 al 25 gennaio, la commedia teatrale Il medico dei pazzi approda nella Sala Grande del Teatro Parenti in una veste nuova, attraversata da un caos irriverente e vitale, sotto la regia e l’adattamento di Leo Muscato.

Nella cornice del teatro milanese, il sipario si apre su uno spettacolo che resta un concentrato di pura ironia, ritmo e divertimento, capace al contempo di insinuare una riflessione sottile e persistente. Una risata che accompagna lo spettatore fino all’ultima  inevitabile e sospesa domanda: chi è, in fondo, il vero pazzo della storia?

Muscato imprime la sua firma con un equilibrio preciso tra ritmo, chiarezza narrativa e valorizzazione della comicità, senza mai scivolare nell’usuale. Al pubblico rimangono la domanda e — soprattutto — la risata.

Cast & Produzione

A guidare il cast è il noto attore e commediografo Gianfelice Imparato, interprete di Don Felice Sciosciammocca, affiancato da un ensemble di attori che comprende Luigi Bignone, Giuseppe Brunetti, Francesco Maria Cordella, Alessandra D’Ambrosio, Antonio Fiorillo, Giorgio Pinto, Arianna Primavera, Giuseppe Rispoli, Ingrid Sansone e Michele Schiano Di Cola.

La produzione è a cura del Teatro di Napoli – Teatro Nazionale, in collaborazione con I due della città del Sole e Compagnia Mauri Sturno. Le scene di Federica Parolini, i costumi di Silvia Aymonino, le luci di Alessandro Verazzi e le musiche originali di Andrea Chenna contribuiscono a creare un’atmosfera energica e visivamente coinvolgente.

La trama: un gioco di fraintendimenti come lente di osservazione

A più di cent’anni dalla morte di Eduardo Scarpetta, ’O miedeco d’é pazze — noto come Il medico dei pazzi (1908) — resta un pilastro del teatro napoletano e, mai come oggi, si rivela attuale per il suo sguardo sul paradosso e sul relativismo dell’ottica sociale.

Si ride di noi stessi, delle nostre scaramucce, dei difetti e di tutto ciò che spesso siamo “costretti” a mettere in scena per difenderci o per essere accettati dalla società.
La trama è un autentico gioiello di equivoci: Don Felice Sciosciammocca, ricco ma ingenuo proprietario terriero, crede di aver finanziato gli studi di medicina del nipote Ciccillo. In realtà, il giovane ha sperperato tutto nel gioco d’azzardo. Per evitare di essere smascherato, trasforma la pensione in cui vive in un finto manicomio, convincendo lo zio che quella casa folle sia un prestigioso istituto psichiatrico.

La comicità di situazione — porte che si chiudono e si aprono, identità scambiate, personaggi eccentrici — rende il racconto uno specchio deformante, una storia che si snoda e si intreccia fino all’assurdo.

Una Napoli anni ’70 rivisitata

La versione in scena al Parenti rilegge il testo classico attraverso un’ambientazione insolita ed esplosiva: la Napoli degli anni Settanta e dei primi anni Ottanta, poco dopo la chiusura dei manicomi sancita dalla Legge Basaglia.

Questo spostamento temporale non è un semplice vezzo, ma una scelta precisa e provocatoria. Tra pantaloni a zampa, occhiali oversize e una colonna sonora carica di ritmo, lo spettacolo gioca con la nostalgia e il surrealismo dell’epoca, costruendo un caos calibrato che incornicia la storia con un’ironia visiva contemporanea.

Muscato ridimensiona la componente farsesca e privilegia una lettura più marcatamente corale: la messa in scena si articola come una galleria di personaggi vivaci e fortemente caratterizzati, in cui l’equivoco e il gioco sottile tra detto e non detto alimentano i fraintendimenti e fanno avanzare una narrazione a intreccio. Tra paradosso, lieto fine dal retrogusto amaro e personaggi riconoscibili, l’opera si distingue per profondità e leggerezza: si osserva, si assorbe, si ride, si riflette.

Un classico napoletano d’altri tempi, ma attualissimo

A oltre un secolo dalla sua prima rappresentazione, Il medico dei pazzi continua a dimostrare una sorprendente vitalità scenica. Con il riadattamento di Muscato, il testo entra in un dialogo ancora più diretto con il presente e con la nostra società.

Dietro la struttura comica e il ritmo serrato della farsa, l’opera conserva una lucidità rara nel raccontare i meccanismi dell’equivoco, dell’apparenza e dell’autoinganno. La “pazzia” messa in scena da Scarpetta non è mai solo una condizione individuale, ma un riflesso collettivo: una lente deformante attraverso cui osservare convenzioni sociali e fragilità umane.

È proprio in questa capacità di far ridere mentre si svelano le contraddizioni del vivere che risiede la grande contemporaneità del testo. In un presente segnato dalla confusione dei ruoli, dalla sovrapposizione delle identità e da una comunicazione sempre più ambigua e amplificata dai social, Il medico dei pazzi parla allo spettatore di oggi con sorprendente immediatezza.

Un teatro che diverte, con intelligenza e leggerezza, invita a interrogare il nostro tempo. È un teatro capace di trasformare la farsa in uno specchio ironico del presente, dove ridere significa anche riconoscersi.

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Un ritorno potente e inquietante al Teatro Franco Parenti: dall’8 ottobre al 2 novembre, la Sala Grande ospita La reginetta di Leenane, il capolavoro di Martin McDonagh diretto da Raphael Tobia Vogel, con Ambra Angiolini e Ivana Monti protagoniste assolute. Un thriller psicologico che affonda nelle pieghe dell’animo umano e trasforma una casa sperduta nella Contea di Galway in una trappola emotiva, dove ogni gesto pesa come una condanna. Crudo, ironico e terribilmente realistico, lo spettacolo si insinua sotto la pelle e lascia nello spettatore un senso di inquietudine che non svanisce con l’ultimo applauso.

Madre e figlia: un legame che soffoca e distrugge

Al centro della scena, due donne e un rapporto che ha smesso da tempo di essere amore. Maureen Folan, interpretata da Ambra Angiolini, vive intrappolata accanto alla madre Mag, una Ivana Monti di magnetica ferocia, in una casa isolata tra le colline irlandesi. Il ritorno in paese di Patrick, vecchio amore di gioventù, sembra offrirle un riscatto, ma un inganno nascosto ribalta ogni speranza. McDonagh costruisce una spirale di tensione che si alimenta di piccoli ricatti, silenzi corrosivi e gesti quotidiani che diventano strumenti di tortura affettiva. Una tragedia domestica che parla di solitudine, di desiderio di fuga e della paura di non riuscire mai a liberarsi davvero da chi si ama.

Il genio di McDonagh tra humour nero e verità spietate

Scritto nel 1996, La reginetta di Leenane è l’opera che ha consacrato Martin McDonagh come uno dei più incisivi narratori della nostra epoca. Con il suo inconfondibile humour nero e la capacità di mescolare dolore e sarcasmo, l’autore indaga le fratture emotive più profonde. La sua scrittura, capace di far ridere e gelare il sangue nello stesso istante, attraversa le stesse ossessioni che ritroveremo poi nei suoi film, da Tre manifesti a Ebbing, Missouri a Gli spiriti dell’isola. McDonagh ci mette di fronte all’abisso domestico con la precisione di un bisturi, ricordandoci che la violenza più devastante non è quella che si vede, ma quella che si tace.

La regia poetica di Raphael Tobia Vogel e un cast d’eccezione

La regia di Raphael Tobia Vogel amplifica il testo con un linguaggio visivo minimale ma profondamente emotivo: luce e silenzio diventano protagonisti tanto quanto gli attori. Dopo i successi di Costellazioni e Scene da un matrimonio, Vogel firma una messa in scena asciutta e intensa, dove ogni pausa è carica di senso. Accanto alle due protagoniste, Stefano Annoni ed Edoardo Rivoira completano un cast che vibra di autenticità, restituendo tutta la tensione e la fragilità dei personaggi. Lo spettatore resta sospeso tra empatia e disagio, in un crescendo di emozioni che culmina in un finale tanto inevitabile quanto sconvolgente.

Il teatro come specchio delle nostre ferite

La reginetta di Leenane non è solo una storia di madre e figlia: è uno specchio crudele delle dinamiche affettive che tutti, in qualche modo, conosciamo. Un’opera che scava nei silenzi, nell’abitudine che diventa dipendenza, e nell’amore che, quando non evolve, si trasforma in prigionia. Ambra Angiolini e Ivana Monti offrono due interpretazioni memorabili, intense e vulnerabili, rendendo il dolore palpabile e la rabbia quasi familiare.

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Un classico senza tempo tra teatro e letteratura

Pubblicato nel 1904, Il fu Mattia Pascal è il romanzo che consacrò Luigi Pirandello alla fama mondiale. Un’opera visionaria che, in linea con autori come Wilde, Dostoevskij, Stevenson e Kafka, esplora il tema del Doppio e dell’identità, anticipando molte delle inquietudini del Novecento. Nonostante Vladimir Nabokov lo definisse “di una noia mortale”, la storia di Mattia Pascal e del suo alter ego Adriano Meis è tutt’altro che priva di tensione: colpi di scena, intrecci complessi e continue sovrapposizioni spazio-temporali rendono il romanzo un vero capolavoro di dinamismo e ironia.

L’uomo che muore due volte

Mattia Pascal è un uomo comune che si ritrova, per un gioco del destino, creduto morto. Invece di rivelare l’equivoco, coglie l’occasione per reinventarsi una nuova vita sotto il nome di Adriano Meis. Tuttavia, il suo tentativo di sfuggire alla propria identità si trasforma in un incubo: quando cerca di riappropriarsi del suo passato, scopre di non poter più tornare indietro. Per la società e per la famiglia, lui è morto davvero. È una condizione paradossale che Pirandello utilizza per mettere in discussione l’apparente solidità delle convenzioni sociali, dimostrando come la realtà sia solo una costruzione collettiva.

Teatro e cinema: una messa in scena innovativa

La trasposizione teatrale di Il fu Mattia Pascal non può che riflettere questa instabilità, portando sul palco un intreccio che mescola il reale e l’illusorio, l’assurdo e il riflessivo. Marco Tullio Giordana, curatore della nuova versione per il palcoscenico, sottolinea come il linguaggio teatrale si fonda con quello cinematografico, rompendo la quarta parete e trasformando il pubblico in un testimone diretto delle vicende del protagonista. Così, la macchina teatrale si adatta a una storia che sembra fatta per sfidare ogni certezza, ribaltando il confine tra realtà e finzione.

Un’eredità ancora viva

Nonostante sia nato come romanzo, Il fu Mattia Pascal è diventato uno dei titoli teatrali più amati dell’opera pirandelliana. La sua ironia, il suo spirito malinconico e il suo sguardo lucido sulla società lo rendono un’opera di straordinaria modernità. Mattia Pascal è un inetto, un uomo senza qualità, un personaggio che si aggira tra le pagine del romanzo e sulle tavole del palcoscenico con la consapevolezza che nulla è certo e che ogni identità è solo un’illusione.

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Dal 18 marzo al 13 aprile, il Teatro Franco Parenti di Milano ospita la prima nazionale di “Schegge di Memoria Disordinata a Inchiostro Policromo”, un’opera visionaria firmata da Fausto Cabra con la drammaturgia di Gianni Forte. Lo spettacolo, ispirato alla vicenda di Billy Milligan, promette di trascinare il pubblico in un viaggio ipnotico tra giustizia, identità e il confine sfumato tra realtà e finzione.

Il caso Milligan: tra legge e psiche

Billy Milligan è stato al centro di uno dei più controversi processi giudiziari della storia americana. Accusato di rapimento, stupro e rapina alla fine degli anni ’70, emerse durante il processo che Milligan conviveva con 24 personalità distinte. Dichiarato non colpevole per infermità mentale, il suo caso sollevò un acceso dibattito tra giustizia, psichiatria e opinione pubblica.

Ma Fausto Cabra non si è limitato a un semplice racconto giudiziario: “Volevo che fosse più di una storia di tribunali. Volevo scavare nei meandri della mente umana, esplorare l’identità, la finzione e il potere della menzogna” racconta il regista.

Una messinscena stratificata e immersiva

Il palcoscenico diventa un labirinto di percezioni, dove il pubblico è chiamato a orientarsi tra indagine legale, esplorazione psicologica e riflessione teatrale. La frammentazione mentale di Milligan si traduce in una narrazione che sovrappone piani diversi: l’analisi del processo, il viaggio nei traumi del protagonista e una metanarrazione che scompone e ricompone la verità scenica.

A dare corpo a Billy Milligan è Raffaele Esposito, attore di talento che si trasforma camaleonticamente nelle molteplici identità del personaggio. Accanto a lui, Anna Gualdo ed Elena Gigliotti assumono tutti gli altri ruoli della rappresentazione.

Per Cabra, questo spettacolo è anche un atto politico: “Viviamo in una società ossessionata dalla semplificazione e dalle certezze assolute. Ma la realtà è complessa, contraddittoria. Accettare questa complessità significa accettare anche noi stessi”. Il teatro, con la sua capacità di svelare e trasformare, diventa lo strumento perfetto per scardinare le false sicurezze.

Musica e atmosfere: un’immersione sensoriale

Mimosa Campironi firma la drammaturgia sonora ispirata al rock psichedelico anni ’70, evocando artisti come Talking Heads, Laurie Anderson e Led Zeppelin. L’uso di sintetizzatori Moog, chitarra elettrica e pianoforte crea un paesaggio sonoro frammentato che rispecchia il caos interiore di Billy. Il sound design si spinge oltre, includendo voci sussurrate e suoni subliminali che fanno vibrare la platea, rendendo l’esperienza teatrale quasi fisica.

Si tratta di un evento teatrale davvero potente, che lascia domande irrisolte e stimola riflessioni profonde, per vivere il teatro come esperienza trasformativa, in cui la finzione non è inganno, ma rivelazione.

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Dal 11 al 16 febbraio, il Teatro Franco Parenti ospita l’adattamento teatrale di Un amore, il romanzo più controverso di Dino Buzzati. Una storia di passione e tormento, portata sul palco da Paolo Briguglia con la regia di Alessandra Pizzi.

Un amore impossibile tra desiderio e ossessione

Dino Buzzati è noto per le sue atmosfere surreali e metafisiche, ma con Un amore, pubblicato nel 1963, ci regala un viaggio nelle profondità più oscure dell’animo umano. Al centro della vicenda c’è Antonio Dorigo, un architetto milanese di mezza età che si innamora perdutamente di Laide, una giovane ballerina ambigua e sfuggente. Il loro rapporto si trasforma presto in una spirale di ossessione, gelosia e autodistruzione, dove l’amore diventa un’illusione, una dipendenza ineluttabile.

Paolo Briguglia e la sfida di Antonio Dorigo

Nei panni di Antonio Dorigo, Paolo Briguglia si misura con un personaggio complesso, vittima e carnefice di sé stesso, incapace di distinguere tra amore autentico e bisogno disperato di possesso. Con la regia di Alessandra Pizzi, lo spettacolo trasforma il tormento interiore del protagonista in una messa in scena coinvolgente, che trascina il pubblico in un vortice di emozioni contrastanti.

Il Teatro Franco Parenti apre le porte a un classico senza tempo

L’adattamento di Un amore sarà in scena nella suggestiva Sala Blu del Teatro Franco Parenti con i seguenti orari:

• Martedì 11 febbraio – 20:30
• Mercoledì 12 febbraio – 19:15
• Giovedì 13 febbraio – 20:15
• Venerdì 14 febbraio – 21:00
• Sabato 15 febbraio – 19:15
• Domenica 16 febbraio – 17:30

I biglietti sono disponibili a partire da 15€, con riduzioni speciali per studenti, under 26 e over 65.

Un viaggio nelle ombre dell’anima

Un amore non è solo una storia d’amore, ma un’indagine profonda sulla fragilità umana, sul desiderio di possedere l’altro e sulla paura della solitudine. Con un testo ancora attualissimo e un’interpretazione intensa, lo spettacolo promette di lasciare il segno.

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Sul palco, la tragedia lascia spazio a una commedia grottesca e irriverente, dove il protagonista si aggira come un leone in gabbia, stanco di interpretare il dramma della sua vita e del suo destino.

Questo Amleto non ha più voglia di amare Ofelia né di affrontare i conflitti familiari. Annoiato e consapevole di essere solo un personaggio intrappolato in una trama già scritta, dialoga con un pubblico che diventa complice della sua ribellione. Intorno a lui, i personaggi scaturiti dalla sua mente folle prendono vita grazie a un cast straordinario: Lucia Mascino, Marina Rocco ed Elena Lietti offrono interpretazioni intense, ironiche e commoventi, dando nuova linfa ai ruoli iconici del dramma.

Timi giganteggia sul palco, portando in scena non solo Amleto ma anche sé stesso, giocando con ironia sulla sua bisessualità dichiarata e sulla balbuzie che diventa parte integrante della performance. In un continuo dialogo tra attore e personaggio, tra realtà e finzione, “Amleto²” esplora le possibilità del linguaggio teatrale, esaltando l’ironia dissacrante che distrugge la trama per scolpire i sentimenti e rivelare il dolore nascosto dietro il sorriso.

La scenografia e i costumi visionari completano un’opera che incanta e spiazza, capace di trasformare il palco in una gabbia circense dove la follia diventa un elogio alla vitalità. Timi sceglie di ridere davanti alla tragedia, esasperando la radice comica di Shakespeare, come a dire che solo nel paradosso si trova una via d’uscita alla sofferenza.

Con questa nuova edizione, in scena nella stagione 2024-2025, Filippo Timi conferma il suo coraggio creativo e la sua capacità di reinventare i classici, offrendo al pubblico un’esperienza teatrale unica. Non perdete l’occasione di assistere a un Amleto furioso, colorato e travolgente, che celebra la follia come espressione autentica della condizione umana.

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“Cose che so essere vere”, il primo allestimento italiano del dramma di Andrew Bovell, arriva sul palco con la straordinaria interpretazione di Valerio Binasco e Giuliana De Sio, pronti a trascinarci dentro i segreti e i legami di una famiglia apparentemente perfetta. Ambientata nella tranquilla periferia di Adelaide, la pièce racconta l’irruzione di una giovane figlia, Rosie, che al ritorno da un viaggio scopre che tutto ciò che credeva saldo e sicuro nella sua casa si è crepato: le certezze di sempre si disgregano, svelando tensioni e insoddisfazioni che ribollivano in silenzio.

Attraverso gli occhi dei quattro fratelli, la narrazione ci mostra il coraggio che serve per vivere le relazioni più intime, dove la vulnerabilità è al centro di ogni gesto d’amore e di rabbia. Il dramma svela con delicatezza e potenza le aspettative di genitori e figli, il peso delle speranze e la forza delle delusioni, in una rappresentazione autentica e cruda dei legami più profondi. La coproduzione con i Teatri Stabili di Torino, Bolzano e Veneto rende omaggio a una storia universale: quella delle sfide quotidiane del vivere insieme, dove il solo atto di amare richiede a volte più coraggio di quanto si creda.

Se sei pronto a immergerti in un racconto che scava nel cuore della famiglia, “Cose che so essere vere” è un viaggio che non puoi perdere. Ogni spettacolo si apre come una finestra sul lato invisibile dei nostri affetti, lasciandoti, alla chiusura del sipario, con la sensazione di aver capito un po’ di più su cosa vuol dire amare e comprendere gli altri e sé stessi.

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Dal 8 al 20 ottobre 2024, la Sala Grande del Teatro Franco Parenti di Milano ospita “Ciarlatani”, una commedia brillante di Pablo Remón che esplora con ironia e lucidità il lato oscuro del mondo del teatro e del cinema.

Una riflessione sul successo e sul fallimento

“Ciarlatani” è un’opera teatrale che invita a riflettere sulle frustrazioni, le ambizioni e le contraddizioni degli artisti, tutti, a loro modo, intrappolati in un sistema che premia più l’apparenza che il talento genuino. Il testo di Remón, tradotto da Davide Carnevali, è diviso in dieci capitoli e offre uno spunto per esplorare il confine labile tra finzione e realtà. La trama, volutamente priva di una vera e propria struttura lineare, ruota attorno alla storia di due personaggi principali: Anna Velasco, un’attrice che lotta per affermarsi, e Diego Fontana, un regista di successo che si trova a fare i conti con una crisi personale e professionale.

Un cast straordinario e una messa in scena originale

Interpretato da un cast d’eccezione, con Silvio Orlando nel ruolo di Diego Fontana, il teatro milanese ospita anche Francesca Botti, Francesco Brandi e Blu Yoshimi, che, con grande abilità, interpretano decine di personaggi, portando il pubblico a vivere un’esperienza che sfida le convenzioni del teatro tradizionale. La regia di Remón mescola elementi teatrali e cinematografici, dando vita a una messa in scena che sa sorprendere, spingendo il pubblico a riflettere sul paradosso del successo nel mondo artistico. La performance non è solo uno spettacolo visivo, ma un atto di dissacrazione ironica delle dinamiche che governano il cinema e il teatro.

Un’ironia senza pietà sul mondo dello spettacolo

In “Ciarlatani”, il recitare diventa una forma di fuga, un’alibi per vivere vite alternative e talvolta una sorta di terapia. Remón non si limita a fare una satira sul mondo dello spettacolo, ma porta in scena un tema universale: il bisogno di interpretare ruoli, di essere qualcuno, anche quando non si è certi di chi si è veramente. Lo spettacolo, che si sviluppa senza un intervallo in 1 ora e 50 minuti, sfida la nozione di “successo” e “fallimento”, mettendo in discussione le aspettative che la società ripone negli individui, specialmente nel mondo della cultura e delle arti.

Un viaggio attraverso il mondo dell’intrattenimento

Con una scenografia curata da Roberto Crea, le luci di Luigi Biondi e i costumi di Ornella e Marina Campanale, “Ciarlatani” si configura come una riflessione articolata e affascinante sul mondo del teatro e del cinema. Il tutto avviene con il sorriso sulle labbra, ma con un’ironia impietosa che scuote lo spettatore, costringendolo a confrontarsi con le proprie ambizioni e illusioni. La performance è imperdibile per tutti coloro che vogliono esplorare i complessi meccanismi che si nascondono dietro l’industria dell’intrattenimento.

Un’opera da non perdere

“Ciarlatani” si presenta quindi come uno spettacolo imperdibile per il pubblico del Teatro Franco Parenti, che avrà l’opportunità di ridere delle contraddizioni del mondo del cinema e del teatro, senza mai dimenticare che, dietro le luci e il glamour, c’è sempre una grande quantità di dolore, sacrificio e ricerca di identità.

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