Al Teatro alla Scala, va in scena Götterdämmerung, l’ultimo capitolo del monumentale ciclo Der Ring des Nibelungen di Richard Wagner. Conosciuta in italiano come Il crepuscolo degli dei, l’opera rappresenta la conclusione epica di una saga che attraversa mito, potere e destino, portando in scena la fine di un mondo e la possibilità di una rinascita.

La fine degli dei come racconto universale

La trama segue il tragico destino di Siegfried e Brünnhilde, travolti da tradimenti, inganni e dalla maledizione dell’anello. Wagner costruisce una narrazione in cui la caduta degli dei diventa metafora della fine di ogni ordine fondato sulla brama di potere. Il racconto mitologico assume così un valore universale, parlando di responsabilità, sacrificio e trasformazione, temi che restano attuali anche per il pubblico contemporaneo.

Una partitura monumentale

Dal punto di vista musicale, Götterdämmerung è una delle opere più imponenti mai scritte. L’orchestra ha un ruolo centrale, con una scrittura densa e visionaria che utilizza in modo magistrale il sistema dei leitmotiv. Ogni tema musicale richiama personaggi, idee e simboli, accompagnando lo spettatore lungo un percorso emotivo complesso. Il finale di Brünnhilde, intenso e catartico, è considerato uno dei vertici assoluti della storia dell’opera.

La Scala e la tradizione wagneriana

La messa in scena alla Scala si inserisce in una lunga tradizione di interpretazioni wagneriane di altissimo livello. Il teatro milanese affronta Götterdämmerung con rigore musicale e attenzione drammaturgica, valorizzando la profondità dell’opera e la sua complessità scenica. Orchestra, coro e solisti sono chiamati a una prova di resistenza e precisione, rendendo ogni rappresentazione un evento di grande rilievo culturale.

Un’esperienza totale

Assistere a Götterdämmerung alla Scala significa vivere un’esperienza immersiva che va oltre lo spettacolo musicale. L’opera richiede tempo, ascolto e concentrazione, ma ripaga con una potenza emotiva rara. È un viaggio che attraversa la fine e la rinascita, lasciando allo spettatore una riflessione profonda sul senso del potere e sul destino dell’umanità.

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La collaborazione tra il Maestro Riccardo Chailly e il Teatro alla Scala

Le opere di Giuseppe Verdi, dai titoli giovanili fino a Aida e Don Carlo, la scoperta delle versioni originali di titoli pucciniani, sono solo alcuni dei percorsi approfonditi dal Maestro in un rapporto sempre più stretto con l’Orchestra e il Coro scaligeri. Tra questi filoni, anche il repertorio russo: con Una Lady Macbeth del distretto di Mcensk Chailly corona un percorso iniziato nel lontano 199.

Il rapporto di Riccardo Chailly con la produzione operistica di Šostakovič risale a più di cinquant’anni fa; da una parte, la profonda tecnica compositiva di uno Šostakovič appena ventiquattrenne che realizza un’orchestrazione di rara fattura, dall’altra, una conoscenza capillare del patrimonio delle melodie popolari russe, fattore determinante per lo strabiliante successo riscosso nel periodo precedente alla sua censura, che porta questo titolo a essere rappresentato quasi duecento volte tra Leningrado e Mosca nell’arco di un anno e mezzo.

La regia

Vasily Barkhatov segna con questa regia il suo debutto scaligero. Quello tra direzione musicale e regia è stato in questo caso un lavoro capillare e profondo nella partitura, iniziato da molto tempo.  Ne deriva una regia concentrata sul personaggio di Katerina Izmajlova, in una drammaturgia che si sviluppa lungo i suoi ricordi e le sue confessioni, una donna che, lottando per la sua identità, compie un gesto efferato. 

Un’opera che parla ancora molto al presente e porta in scena, ad esempio, l’attuale tema della libertà sessuale, una delle conquiste della Rivoluzione Russa, che, come si diceva al tempo, avrebbe dovuto garantire che la possibilità di soddisfare i propri istinti dovesse essere semplice come “bere un bicchier d’acqua” quando si ha sete. Ma è nel 1934, anno di pubblicazione dell’opera, che l’Unione Sovietica introduce il divieto di aborto, cerca di assumere contromisure significative contro il divorzio e mette al bando l’omosessualità. Come ci ricorda Franco Pulcini, tra gli altri, “il successo dell’opera coincide con l’abolizione di tale libertà”, e rappresenta in qualche modo un riscatto di queste libertà perdute.

Del resto, Šostakovič ambienta la vicenda nel mondo provinciale del distretto di Mcensk, una società rurale, arretrata e patriarcale, che fa sì che il testo sia connotato da un linguaggio esplicito e prosaico, atto a rappresentare una società fortemente patriarcale in cui la considerazione della donna è estremamente arretrata, e che il compositore mette in scena per condannarla.

L’opera

Il compositore, autore anche del libretto tratto dal romanzo di Nikolaj Leskov, aveva immaginato l’opera come prima anta di un trittico che avrebbe descritto la condizione della donna in diverse epoche della storia russa. La vicenda, ambientata nella campagna russa negli anni 1860 (la servitù della gleba è abolita nel 1861), vede protagonista la giovane Katerina Izmajlova che, sposata contro la sua volontà a un giovane possidente imbelle e soggetta alle angherie anche sessuali del suocero, è attratta dal garzone Sergej, sfacciato e brutale. Quando il suocero li scopre e frusta Sergej, Katerina lo avvelena con una zuppa di funghi. Al ritorno del marito, Katerina e Sergej si liberano anche di lui e si sposano, ma durante la cerimonia un servo scopre il cadavere del primo marito nascosto in cantina. Katerina e Sergej (che nel racconto di Leskov uccidono anche un nipote per sottrargli l’eredità) sono condannati ai lavori forzati. Durante il viaggio Sergej preferisce a Katerina una ragazza più giovane: Katerina la uccide trascinandola con sé nelle acque ghiacciate del fiume.    

Dopo la doppia prima, il 22 gennaio 1934 a Leningrado e due giorni dopo a Mosca, l’opera gode di un clamoroso succès de scandale, sia per la spietata critica sociale sia per l’inedito realismo nella rappresentazione della sessualità. Šostakovič abbandona la vena satirica astratta e surreale della sua prima opera, Il naso, per rifarsi alla ruvida aderenza al vero di Musorgskij, e il pubblico risponde entusiasta: duecento rappresentazioni in due anni tra Leningrado e Mosca.

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Un cast d’eccezione e arie immortali

Nel film, le grandi arie dell’opera si intrecciano a una narrazione cinematografica unica. Protagonisti della storia sono i giovani e talentuosi cantanti Valentino Buzza e Mariam Battistelli nei ruoli di Orfeo ed Euridice, affiancati da una leggenda dell’opera come Erwin Schrott, che interpreta Plutone. Il cast include anche stelle del cinema internazionale, tra cui Vincent Cassel, Fanny Ardant, Caterina Murino, Rossy de Palma e Angela Finocchiaro. La direzione d’orchestra è affidata a Plácido Domingo e Fabio Biondi, mentre i costumi portano la firma di Dolce & Gabbana e Mariana Fracasso.

Una visione moderna del mito di Orfeo

“THE OPERA!” reinterpreta il mito di Orfeo con una sensibilità contemporanea, trasportando lo spettatore in un viaggio attraverso mondi onirici e surreali. La trama si sviluppa a partire dal tragico sparo che separa Orfeo dalla sua amata Euridice nel giorno delle nozze, conducendo il protagonista in una corsa contro il tempo per salvarla dagli inferi. Ambientazioni visionarie, come una Parigi sommersa e l’hotel Hades, fanno da sfondo a questo viaggio metafisico. Le arie celebri di Puccini, Händel, Verdi e molti altri si alternano a sonorità elettroniche, creando una colonna sonora che abbraccia passato e presente.

L’innovazione tecnica al servizio della narrazione

Il film è stato girato quasi interamente in un set virtuale presso i Prodea Led Studios di Torino, una tecnologia che ha permesso di sviluppare scenografie spettacolari ispirate a De Chirico, Nervi e Mollino. Questi elementi visivi si combinano con la narrazione fluida e i simbolismi profondi del film, offrendo un’esperienza unica nel suo genere.

Un’opera-musical per tutti

“THE OPERA!” non è solo un omaggio alla tradizione lirica italiana, ma una reinterpretazione che mira a coinvolgere un pubblico più ampio. Con la sua struttura innovativa che fonde opera e musical, il film si rivolge sia agli appassionati di lirica che a chi si avvicina per la prima volta a questo mondo. Una storia senza tempo che parla di amore, perdita e speranza, rendendo il mito di Orfeo ed Euridice attuale e universale.

Non perdete l’occasione di assistere a questa straordinaria anteprima al Teatro alla Scala, un evento che promette di essere indimenticabile. I biglietti sono già disponibili sul sito ufficiale del teatro.

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Il Teatro alla Scala si prepara a sorprendere il pubblico non solo con l’inaugurazione della stagione, ma anche con una straordinaria esposizione che mette in luce la genesi di uno dei capolavori di Giuseppe Verdi.

Dal 4 dicembre al 2 gennaio infatti, il Museo Teatrale alla Scala ospiterà per la prima volta alcune pagine della stesura preliminare del libretto della Forza del destino del 1861, recentemente riscoperta. Questo manoscritto, frutto della collaborazione tra Francesco Maria Piave e Giuseppe Verdi nell’estate del 1861 a Busseto, rappresenta un documento unico e affascinante.

L’inaugurazione della stagione scaligera con La forza del destino non è solo un evento musicale, ma una celebrazione della cultura e della storia operistica italiana. L’esposizione del manoscritto, accompagnata da un rigoroso lavoro di conservazione e divulgazione, sottolinea ancora una volta l’importanza di preservare e valorizzare il nostro straordinario patrimonio.

Un manoscritto immortale

La stesura include appunti e varianti di rilievo: annotazioni di Verdi nelle scene chiave dell’opera, sostanziali modifiche al testo del celebre Rataplan e numerosi interventi sulla parte del protagonista Alvaro. Le carte, arricchite da dettagli come filigrane e numerazioni d’epoca, raccontano non solo l’opera in sé, ma anche il rapporto tra Verdi e Piave, segnato da intensi scambi creativi e una passione travolgente per l’arte, la scrittura e la musica. 

Passato e presente

Il manoscritto è stato digitalizzato con uno scanner planetario Metis Gamma nei laboratori dell’Università Cattolica del Sacro Cuore, per garantire una riproduzione ad altissima definizione: questo lavoro rappresenta il primo passo verso una pubblicazione anastatica, prevista per il 2025, che renderà il documento consultabile anche agli studiosi e agli appassionati di tutto il mondo.

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La stagione autunnale del Teatro alla Scala di Milano si è aperta con un’esplosione di energia e leggerezza grazie a Il Cappello di Paglia di Firenze, opera di Nino Rota che ha debuttato il 4 settembre. La produzione, affidata ai giovani talenti dell’Accademia del Teatro alla Scala, ha portato sul palco una rivisitazione vivace e moderna di un classico del repertorio operistico italiano, capace di coniugare la tradizione del vaudeville con un approccio contemporaneo.

Un vaudeville riscoperto

Composta nel 1945, ma rappresentata per la prima volta nel 1955, l’opera è una commedia brillante in quattro atti ispirata all’omonima farsa di Eugène Labiche. La trama segue le disavventure di Fadinard, un giovane gentiluomo che, nel giorno del suo matrimonio, si imbarca in una corsa frenetica per recuperare un cappello di paglia distrutto dal suo cavallo. Questo pretesto narrativo dà il via a una serie di malintesi e situazioni comiche che si intrecciano in una vera e propria girandola di equivoci.

Una regia fresca e innovativa

La regia di Mario Acampa, noto per la sua capacità di coinvolgere il pubblico più giovane, ha saputo dare nuova vita a un’opera raramente rappresentata, senza tradire lo spirito originale del testo. Le scenografie di Riccardo Sgaramella e i costumi di Chiara Amaltea Ciarelli hanno reso omaggio al periodo storico in cui è ambientata la vicenda, pur introducendo elementi stilistici che strizzano l’occhio alla modernità.

Una direzione orchestrale di alto livello

Sotto la guida esperta di Donato Renzetti, l’Orchestra dell’Accademia ha saputo esaltare le qualità della partitura di Rota, una composizione che alterna momenti di raffinata melodia a passaggi ritmicamente più incisivi, in un continuo gioco tra il serio e il faceto. Il risultato è stato un’esecuzione brillante, capace di mantenere il ritmo sostenuto richiesto da una commedia degli equivoci.

Giovani talenti in crescita

Il cast, composto dagli allievi dell’Accademia, ha ricevuto ampi consensi per l’energia e la freschezza con cui ha interpretato i ruoli principali. In particolare, Andrea Tanzillo e Pierluigi D’Aloia, che si sono alternati nel ruolo di Fadinard, hanno saputo incarnare con verve e precisione il protagonista della storia, mantenendo alta l’attenzione del pubblico per tutta la durata dello spettacolo.

Il Cappello di Paglia di Firenze ha segnato un inizio di stagione perfettamente riuscito per il Teatro alla Scala. Con la sua combinazione di tradizione e innovazione, l’opera ha offerto al pubblico un’esperienza divertente e raffinata, confermando la vitalità e la rilevanza del repertorio operistico italiano anche per le nuove generazioni.

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Una storia che si rinnova 

Davide Livermore è alla regia del nuovo allestimento suggestivo dell’opera Don Pasquale, portata in scena per la prima volta nel lontano 1843. L’opera si ispira al cinema italiano degli anni ’50, e a fare da sfondo c’è una Roma borghese, antica, affascinante ed elegante. 

In questo capolavoro artistico nonché teatrale spiccano sicuramente la figura di Norina, che vola su Roma a bordo di una Giulietta, l’entrata trionfale a Cinecittà, la disperazione e la malinconia di Ernesto alla stazione: tutti episodi che definiscono la trama di Don Pasquale.

Il cast è formato da grandi nomi tra cui Ambrogio Maestri e Mattia Olivieri, nei panni di Don Pasquale e Malatesta; ad accompagnarli sul palco Andrea Carroll nel ruolo di Norina, Lawrence Brownlee come Ernesto, Andrea Porta come Notaro. Tutti i personaggi vengono studiati e rappresentati nella loro profondità, complessità ed essenza.

A rendere il tutto ancora più straordinario, il sottofondo musicale dell’orchestra Evelino Pidò, la scenografia dello stesso Livermore e di Giò Forma, i costumi di Gianluca Falaschi e infine, a elettrizzare l’atmosfera dall’inizio alla fine, le luci di Nicolas Bovey.

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Dal 16 aprile al 5 maggio il celebre teatro meneghino ospita la storica rappresentazione di Pietro Mascagni sotto l’affidabile direzione di Giampaolo Bisanti e un cast che vanta nomi del calibro di Elina Garanca, nei panni della giovane contadina Santuzza; Irina Lungu, come Nedda; Brian Jagde nelle vesti di Turiddu; Fabio Sartori e Amartuvshin Enkhbat, rispettivamente Canio e Tonio/Alfio.

La trama

L’opera di Mascagni è tratta dall’omonima novella verghiana della raccolta Vita dei campi. La vicenda è caratterizzata da comportamenti e rituali tipici del mondo cavalleresco, ambientati però in un ambiente rustico e rurale nel cuore di un piccolo paese siciliano.

La Pasqua porta con sé un dramma di passioni e tradimenti. Turiddu, tornato dopo un lungo periodo di assenza, scopre che la sua amata Lola è ora sposata con Alfio, il carrettiere. Per scacciare l’ombra del suo amore per Lola, si avvicina a Santuzza, ma il fuoco della passione per la prima brucia più forte che mai. Santuzza, ferita dalla gelosia, tenta di raggiungere Turiddu, ma viene respinta con disprezzo. Umiliata, rivela a Alfio l’infedeltà di sua moglie, innescando una catena di eventi tragici. Tra festeggiamenti e tensioni, Turiddu affronta Alfio in un duello disperato, cercando di proteggere Santuzza. Ma la tragedia è inevitabile, e il paese si trova a piangere la perdita di Turiddu, vittima delle sue stesse passioni.  

L’opera verrà rappresentata insieme a Pagliacci di Ruggero Leoncavallo, mantenendo quello che oramai è uno dei dittici più famosi dell’ambiente teatrale; le due rappresentazioni hanno una durata complessiva di 3 ore e 5 minuti, intervallo incluso.

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Una storia di potere, conflitti e vicissitudini

Un’opera tormentata, complessa, non sempre di facile interpretazione, un melodramma in un prologo e tre atti. La vicenda è intricata, confusa, complicata nella lettura; una trama sicuramente affascinante ma apprezzabile da veri intenditori poiché complessa da seguire dall’inizio alla fine, a causa di intrecci, salti temporali, pseudonimi utilizzati dai personaggi. Una storia che si ispira a quella reale: la verità di ciò che è stato e ciò che c’è stato viene fortificata, ripresa ed enfatizzata per creare l’opera. 

L’ambientazione è nella Genova del ‘300, dove le lotte tra guelfi e ghibellini sono all’ordine del giorno; non a caso, il potere e la lotta per ottenerlo sono il fulcro della vicenda. Gli episodi reali, ripresi dal contesto storico di riferimento, vengono in qualche modo intensificati per rendere il tutto ancora più drammatico e scenografico. Simon Boccanegra riprende una storia passata, ma che si adatta perfettamente anche al presente e fa riflettere sugli eventi attuali e sull’importanza di avere un’Italia unità, indipendente, sotto la guida di un leader degno.

Il cast di Simon Boccanegra

Un focus sui ruoli dei diversi personaggi interpreti: Simone Boccanegra, il protagonista, è un ex corsaro che viene poi eletto doge; Amelia è la figlia illegittima di Boccanegra; Fiesco è l’ex capo dei patrizi; poi ancora, Gabriele è patrizio e amante di Amelia; Paolo il capo dei plebei e Pietro, infine, il leader dei plebei nonché assistente di Paolo. 

Tra i nomi di spicco dei protagonisti della nuova rivisitazione dell’opera Verdiana, Luca Salsi nei panni di Simon, il protagonista; ad affiancarlo, Eleonora Buratto, Charles Castronovo e Min Anger. 

La musica è di Lorenzo Viotti, direttore dell’Opera di Amsterdam, e Daniele Abbado è il regista. Un’opera indimenticabile, unica nel suo genere, che fa fede all’originale e viene riempita da colpi di scena in grado di travolgere lo spettatore nella vicenda.

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Numerose le iniziative per celebrarla

Il 2 dicembre 1923 nasceva a New York Maria Anna Cecilia Sofia Kalos, una bambina di origine greca che sarebbe diventata una delle più celebri soprano al mondo, la Divina Callas, come è stata consacrata nel mito. E quest’anno Maria Callas avrebbe, quindi, compiuto cent’anni; e un personaggio tanto amato non poteva che meritare una degna celebrazione in tutto lo Stivale.

A Torino, ad esempio, l’Università, tra gli eventi del festival permanente UniVerso ha inserito una serie di iniziative, tra cui il convegno internazionale “Maria Callas at 100: Opera, Celebrity, Myth” a cura della prorettore Giulia Carluccio, di Massimo Fusillo, Stefania Rimini ed Emanuele Senici, dal 17 al 20 dicembre al Teatro Regio. Al cinema Massimo, poi, è in programma dall’8 dicembre una rassegna con film sia dedicati alla soprano che interpretati dalla stessa, come “Medea” di Pier Paolo Pasolini.

A Milano, tra le iniziative del palinsesto “Callas 100” c’è la mostra “Fantasmagoria Callas” nelle sale del Museo del Teatro alla Scala, visitabile fino al 30 aprile 2024. E le Gallerie d’Italia di Intesa Sanpaolo ospitano la mostra “Maria Callas. Ritratti dall’Archivio Publifoto Intesa Sanpaolo”, curata da Aldo Grasso. Altre iniziative, grandi e piccole, anche a Venezia, Biella, Genova, Roma e in molte altre città italiane.

Un nuovo biopic

Si intitola “Maria” il nuovo film su Maria Callas di Pablo Larraín, con Angelina Jolie nei panni della Divina. Si tratta del terzo biopic dedicato a una grande figura femminile per il regista cileno, dopo “Jackie” (2016) su Jackie Kennedy e “Spencer” (2021) sulla vita di Lady Diana.

E quindi dopo Natalie Portman e Kristen Stewart, accanto a Larraín vediamo una nuova attrice di talento, Angelina Jolie, di cui sono uscite solo poche foto che la ritraggono nel ruolo di Maria Callas. L’attrice ha girato a fine novembre alcune scene alla Scala di Milano.

La pellicola è attualmente in produzione e non si hanno tante informazioni a riguardo, tranne che si concentrerà sui suoi ultimi giorni di vita, vissuti a Parigi, dove si è spenta nel 1977 per un arresto cardiaco. Una morte costellata di pettegolezzi e misteri, sopraggiunta in un periodo molto buio della sua esistenza, dopo importanti lutti e una condizione fisica sempre più aggravata.

Un’altra incredibile occasione per celebrare una figura artisticamente immensa e, allo stesso tempo, fragile e delusa dall’amore; lei, la Divina Callas, o più semplicemente, Maria.

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Un’opera complessa, bensì affascinante

La vicenda si svolge nella Spagna di Filippo II, e dipinge un affresco che raffigura da una parte amore, amicizia e libertà, dall’altra il senso di potere, supremazia estrema e solitudine. I personaggi, spesso solitari, vivono un intreccio di tradimenti, sospetti e delusioni. Il regista di questa edizione è Lluis Pasqual, i costumi sono di Franca Squarciapino e le scene di Daniel Blanco; il direttore è Riccardo Chailly. Il cast davvero eccezionale, è composto da Michele Pertusi, nei panni di Filippo II, Francesco Meli è Don Carlo, Anna Netrebko è Elisabetta di Valois, Elina Garanca la principessa di Eboli e Luca Salsi Rodrigo, il marchese di posa. 

La tematica del potere assoluto

Dopo Macbeth di Verdi nel 2021 e Boris Godunov nel 2022, con Don Carlo quest’oggi si riflette nuovamente sulle logiche di chi detiene il potere assoluto: esso disintegra, annulla la felicità individuale di chi detiene il potere ma anche degli oppressi; degli oppressori e dei vinti.

Questa produzione di Don Carlo rispecchia le due facce di una medaglia composta da dramma storico da una parte, e manifesto romantico dall’altra: i temi proposti sono la libertà del sentimento, la relazione tra padri e figli, e la liberazione dei popoli oppressi. A fare da sfondo, il conflitto tra potere spirituale e quello temporale.

L’abbigliamento dei personaggi interpreti riprende quello di un tempo, ma lo alleggerisce nei materiali per donare una libertà di movimento e una certa vitalità romantica. I personaggi sono sì collocati nella loro epoca, presentando però caratteristiche, comportamenti ed emozioni anche attuali. Questo senso di potere supremo è intrinseco nel colore nero, il più utilizzato nella scenografia; non a caso, nel ‘500 i velluti e broccati neri erano stoffe di grande pregio, che solo gli uomini davvero potenti potevano permettersi.

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