Con Sophia by Eisenstaedt, TASCHEN firma un volume fotografico che celebra una delle più straordinarie icone del cinema mondiale attraverso lo sguardo di Alfred Eisenstaedt. Il libro racconta Sophia Loren in oltre cento immagini, molte delle quali inedite, restituendo un ritratto intimo e autentico che va oltre il mito, per entrare nella dimensione umana dell’attrice.

Un’amicizia trasformata in racconto visivo

Il progetto nasce da un rapporto di fiducia costruito nel tempo. Eisenstaedt segue Sophia Loren dagli inizi degli anni Sessanta fino agli anni Settanta, accompagnandola sui set cinematografici, nella vita familiare e nei momenti più privati. Come emerge dalle testimonianze raccolte nel volume, il fotografo diventa una presenza discreta, quasi invisibile, capace di cogliere la naturalezza dell’attrice senza mai interferire con la sua quotidianità.

Dai set al privato, senza filtri

Le immagini selezionate da TASCHEN attraversano i grandi set cinematografici, da Matrimonio all’italiana a La contessa di Hong Kong, ma si soffermano anche sulla dimensione domestica e familiare: Napoli, Roma, Parigi, New York. Loren appare sorridente, introspettiva, spontanea. Il volume mostra una donna consapevole della propria immagine pubblica, ma capace di abbandonare ogni posa davanti all’obiettivo di un amico.

L’estetica LIFE e il bianco e nero come linguaggio

La fotografia di Eisenstaedt, storico collaboratore di LIFE, costruisce un racconto basato su luce naturale, composizione immediata e forte intensità emotiva. Il bianco e nero domina il volume, enfatizzando gesti, sguardi e silenzi. Ogni scatto diventa un frammento di tempo sospeso, in cui il glamour convive con la semplicità.

Un libro come oggetto culturale

Curato con materiali provenienti dagli archivi LIFE e dai negativi originali, digitalizzati e restaurati, Sophia by Eisenstaedt si inserisce nella tradizione editoriale di TASCHEN come oggetto di collezione. Il volume non è solo una celebrazione di una diva, ma un documento storico che racconta il rapporto tra cinema, fotografia e cultura visiva del Novecento.

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Ferrari, un libro monumentale che diventa oggetto da collezione prima ancora che da lettura. Pino Allievi firma il volume più completo mai dedicato alla storia del Cavallino. Taschen ne fa un’opera curata, preziosa, pensata per celebrarne estetica e leggenda.

Un tributo totale al mito del Cavallino

Il nuovo volume Ferrari di Pino Allievi è molto più di un semplice libro: è un archivio visivo che ripercorre la nascita, l’ascesa e l’impatto globale della Casa di Maranello. Con centinaia di immagini provenienti dagli archivi Ferrari e da collezioni private, il volume attraversa quasi ottant’anni di storia, dalle origini del 1947 fino alle competizioni moderne. La forza dell’opera sta nella sua completezza, capace di restituire il fascino assoluto del marchio attraverso corse, modelli iconici e figure che lo hanno reso immortale.

Un viaggio tra corse, design e innovazione

Il libro racconta le auto che hanno definito un’epoca, ma anche l’evoluzione del pensiero Ferrari: estetica, ingegneria, coraggio tecnico. Ogni immagine è accompagnata da un contesto puntuale e narrativamente coinvolgente. Dal mondo delle monoposto alla linea stradale, il percorso mette in luce la continua tensione verso la perfezione, quella filosofia che ha sempre distinto Ferrari da qualsiasi altro costruttore. Allievi costruisce un racconto che unisce emozione e precisione, facendo emergere l’identità più autentica del brand.

L’eccellenza editoriale firmata Taschen

Taschen trasforma questo libro in un oggetto cult. Il formato XL, la copertina rossa con il Cavallino rampante in rilievo e la qualità dei materiali rendono il volume un pezzo da design. Esiste anche una Collector’s Edition numerata, con custodia in alluminio firmata da Marc Newson, destinata agli appassionati più esigenti. L’attenzione ai dettagli è maniacale, in perfetto dialogo con la stessa filosofia Ferrari: nessuna concessione al superfluo, solo eccellenza.

Un’opera definitiva per appassionati e collezionisti

Il volume include un’appendice con tutte le vittorie Ferrari dal 1947, una cronologia che testimonia la grandezza sportiva della scuderia. Ma ciò che rende il libro imperdibile è la capacità di condensare storia, leggenda e bellezza in un’unica narrazione. È un’opera che parla a collezionisti, appassionati, designer e a chiunque riconosca in Ferrari un simbolo di pura emozione italiana.

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Genio, glamour e abiti magnifici: tre parole che racchiudono la magia di Valentino Garavani, il couturier che ha trasformato il sogno della moda italiana in una realtà senza tempo. Oggi un nuovo volume lo celebra con immagini, ricordi e testimonianze, offrendo un ritratto autentico e scintillante di colui che ha saputo vestire l’eleganza con un’aura di leggenda, conquistando dive, regine e il pubblico internazionale.

Un viaggio nell’universo di Valentino

Il libro si presenta come un autentico tuffo nel cuore pulsante della moda, un percorso che non si limita a ripercorrere le collezioni, ma invita a entrare nel laboratorio creativo del maestro. Bozzetti a matita, fotografie d’archivio, servizi di moda dalle riviste più prestigiose e immagini inedite costruiscono un mosaico che restituisce tutta la grandezza di Valentino. Ogni pagina è un invito a scoprire l’equilibrio perfetto tra rigore sartoriale e libertà artistica, tra il lusso assoluto e la capacità di intercettare i desideri delle donne di ogni epoca. È un viaggio sensoriale che parla di tessuti preziosi, di silhouette scolpite e di quella visione estetica che ha ridefinito il concetto stesso di eleganza.

Le icone che hanno scelto Valentino

Il fascino di Valentino è sempre stato legato anche alle donne che lo hanno scelto come custode della loro immagine pubblica. Jackie Kennedy affidò a lui il suo abito da sposa più iconico, Audrey Hepburn ne indossò le creazioni come fossero seconde pelle, Elizabeth Taylor lo consacrò come simbolo dell’opulenza più raffinata. Da allora, la sua moda non ha mai smesso di essere protagonista sul red carpet: da Gwyneth Paltrow a Jennifer Lopez, passando per decine di dive contemporanee, tutte hanno trovato nei suoi abiti la certezza di una bellezza intramontabile. La sua forza è stata proprio questa: rimanere fedele a se stesso, senza farsi sedurre dalle mode effimere, ma imponendo uno stile riconoscibile e assoluto, che ha trovato nel celebre “rosso Valentino” il suo sigillo inconfondibile.

Una carriera tra mito e modernità

Per quasi mezzo secolo, Valentino ha incarnato l’apice dell’alta moda italiana, dominando le passerelle con grazia e imponendo un’estetica che è diventata patrimonio culturale. Nonostante il ritiro nel 2008, il suo marchio non ha mai perso vigore: continua a evolversi, a conquistare nuovi mercati e a ispirare generazioni di designer. Il libro racconta anche questo, mostrando come il mito si sia trasformato in eredità, capace di attraversare i decenni senza incrinarsi. Valentino rimane così un simbolo di continuità, in un mondo della moda in costante trasformazione: un punto fermo che coniuga passato, presente e futuro in una narrativa senza interruzioni.

Gli autori dietro il tributo

Dietro questo volume si cela il lavoro di tre firme che conoscono la moda come pochi. Matt Tyrnauer, giornalista e corrispondente di Vanity Fair, porta il suo sguardo raffinato e narrativo; Suzy Menkes, tra le voci più influenti del fashion system, aggiunge la sua capacità critica e la sua autorevolezza internazionale; Armando Chitolina, art director e consulente d’immagine di maison come Moschino e Mila Schön, mette in campo un occhio estetico in grado di trasformare l’archivio in un’opera d’arte editoriale. Insieme hanno costruito un libro che non è solo una raccolta di immagini, ma una celebrazione totale di un uomo che ha reso l’Italia sinonimo di lusso ed eleganza. Un omaggio degno di Valentino: iconico, eterno e luminoso come un red carpet.

Valentino. A Grand Italian Epic; pubblicato da TASCHEN

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Un racconto per immagini tra energia, intimità e amicizia senza tempo

Tina Turner e Peter Lindbergh. Due nomi leggendari, due artisti visionari che hanno ridefinito i canoni della musica e della fotografia, e che in questo libro trovano un punto d’incontro straordinario. “What’s Love Got to Do With It” non è solo una raccolta di ritratti iconici della Queen of Rock ‘n’ Roll: è una dichiarazione d’amore verso una donna che ha saputo incantare il mondo con la sua voce, la sua grinta e la sua profonda umanità.

Ritratti di una diva, oltre la leggenda

Lindbergh, maestro assoluto del bianco e nero e della luce naturale, ha avuto il raro privilegio di osservare Tina Turner oltre le luci del palco. I suoi scatti non si limitano a immortalare una star: scavano nell’anima, restituendo il ritratto complesso di una donna potente, carismatica e allo stesso tempo riservata. La vediamo cantare, ballare, ridere, riflettere. Da Parigi alla spiaggia, dai set urbani ai momenti più intimi, Lindbergh la segue con il suo sguardo sensibile, creando immagini che sono quasi confessioni.

Una complicità creativa senza eguali

La loro era una vera e propria alleanza artistica. “Eravamo complici,” ricorda Tina Turner. “Era pronto a tutto, e lo ero anch’io! Insieme, creavamo magia.” E quella magia si sente in ogni scatto: nelle linee morbide, nei contrasti audaci, negli sguardi rubati e nelle pose teatrali. Lontano dagli stereotipi glamour, Tina emerge come figura viva e vibrante, umana e inarrestabile. Lindbergh ha saputo fermare nel tempo la sua energia, il suo carisma naturale, la sua essenza.

Un libro che è molto più di un album fotografico

Con una toccante introduzione firmata da Erwin Bach, marito di Tina Turner, il volume diventa anche un omaggio affettuoso alla loro amicizia e al rispetto reciproco che ha legato fotografo e musa. Una storia di fiducia, di libertà condivisa, di passione per l’arte. Le fotografie diventano così parte di un dialogo intimo tra due giganti che si sono riconosciuti e accompagnati nella loro ricerca espressiva.

Una testimonianza visiva di forza e bellezza senza tempo

“What’s Love Got to Do With It” è molto più di un tributo. È un viaggio nella luce e nell’ombra di una delle personalità più iconiche del XX secolo, attraverso lo sguardo inconfondibile di un fotografo che ha saputo cogliere l’anima dietro il personaggio. Un libro da sfogliare e risfogliare, per lasciarsi attraversare da quella stessa scintilla che univa Tina Turner e Peter Lindbergh: la libertà di essere se stessi.

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Tra corpi, oggetti e visioni, il nuovo libro “Photographs 1960–2024” celebra l’eleganza visiva di un maestro della fotografia contemporanea

Con il suo occhio sensibile e una Leica sempre al fianco, Ralph Gibson ha attraversato oltre sessant’anni di storia fotografica restando sempre fedele alla propria estetica: essenziale, contrastata, sensuale. Oggi quel lungo viaggio visivo si cristallizza in un volume straordinario, pubblicato da TASCHEN, che ne ripercorre l’intera carriera: Ralph Gibson. Photographs 1960–2024.

Un archivio d’autore tra luce e narrazione

Realizzato in stretta collaborazione con l’artista, il libro raccoglie il meglio di oltre sei decenni di scatti, dalle prime immagini a San Francisco e Hollywood negli anni ’60, passando per le strade di New York e approdando alle sue più recenti sperimentazioni. L’approccio di Gibson, pur attraversando diversi generi (tra nudi, ritratti, nature morte e racconti visivi) rimane inconfondibile: un’estetica costruita sul contrasto, sulla forma e sull’allusione, più che sulla descrizione.

Ogni fotografia è un frammento di mondo, ma anche un invito a guardare oltre. Gibson non racconta solo ciò che vede: suggerisce ciò che potremmo sentire. L’ombra non è un’assenza di luce, ma una presenza carica di significato.

Dalla camera oscura alla pagina: la forma di un capolavoro

Le 552 pagine del volume, stampate con la consueta cura editoriale di TASCHEN, restituiscono un percorso visivo coerente e avvolgente. Non una semplice antologia, ma un flusso denso, meditato, quasi musicale. Le immagini, selezionate con attenzione, dialogano tra loro, sfumando i confini tra generi e decenni, tra privato e pubblico, tra il concreto e l’astratto.

Non manca la cura per i dettagli: il libro è rilegato in grande formato, per valorizzare appieno la profondità dei neri, la morbidezza delle luci e il rigore delle composizioni. Un oggetto pensato per durare, come le immagini che custodisce.

Un’edizione per collezionisti e sognatori

Per i veri appassionati, il volume è disponibile anche in una preziosa Art Edition, limitata a soli 100 esemplari. Ogni copia è firmata e numerata, e accompagnata da una stampa originale in gelatina d’argento, Untitled, Elba, 1980, un’immagine iconica che racchiude tutto lo spirito sospeso e poetico del lavoro di Gibson.

Una lezione di eleganza visiva

Ralph Gibson. Photographs 1960–2024 non è solo una retrospettiva, ma una dichiarazione di intenti: quella di un artista che ha sempre rifiutato la superficialità, scegliendo invece il linguaggio silenzioso, eppure potentissimo, dell’intuizione visiva. Questo libro è un invito a rallentare, a guardare meglio, a riscoprire l’infinito che si cela nel dettaglio. A vedere, davvero.

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Il mito dell’invincibilità si incrinava sotto il peso della guerra in Iraq, del crollo della bolla dotcom e dell’eco-ansia che si faceva mainstream — basti pensare al successo inatteso della Toyota Prius. Ma mentre il mondo vacillava, la pubblicità trovava nuovi modi per riflettere, sedurre e sognare.

Oggi tutto questo viene raccontato nell’imperdibile volume “All-American Ads of the 2000s”, edito da Taschen: una raccolta visiva e narrativa che riporta alla luce un decennio di creatività esplosiva, innovazione tecnologica e cambiamenti culturali profondi. Dieci capitoli tematici — dal food alla moda, dall’intrattenimento ai viaggi — svelano l’anima pubblicitaria di una nazione alle prese con nuove consapevolezze e fragilità.

Sullo sfondo, l’ascesa dei geek e della tecnologia. Gli eroi di quegli anni portavano occhiali e hoodie: erano gli innovatori della Silicon Valley, mentre iPod e iPhone cambiavano per sempre il nostro rapporto con la musica e con il mondo. MySpace e Facebook facevano muovere i primi passi al web sociale, aprendo alle aziende una nuova frontiera di dialogo con i consumatori.

Anche la TV non fu da meno. È il periodo d’oro delle serie cult come Mad Men, Breaking Bad e I Soprano, mentre Netflix comincia la sua rivoluzione, passando dai DVD spediti per posta allo streaming. In contemporanea, la cultura pop abbracciava il glamour effimero dei reality show e delle celebrity-brand, dove nomi come Madonna, Paris Hilton e Michael Jordan si trasformavano in marchi viventi, stampati su profumi, sneaker e whiskey.

Nel frattempo, la pubblicità registrava — e guidava — queste trasformazioni. Nascevano nuovi miti, mentre il marketing cominciava a parlare di esperienze, personalizzazione ed etica. È in questo decennio che emergono marchi come Lululemon e Whole Foods, simboli di una nuova attenzione al benessere, fisico e spirituale.

“All-American Ads of the 2000s” è più di una semplice raccolta di inserti pubblicitari: è una lente per osservare un’America in transizione, dove la pubblicità smetteva di vendere soltanto prodotti per iniziare a vendere sogni, valori, identità. Un libro che racconta non solo le campagne più iconiche di quegli anni, ma anche le peggiori — perché ogni rivoluzione passa anche per gli errori.

Un’opera da collezione per appassionati di comunicazione, design e cultura contemporanea. Un viaggio nel tempo in cui le immagini raccontavano tutto ciò che siamo (stati) e ciò che pensavamo di voler diventare.

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Tra il 1936 e il 1972, il mondo ha vissuto l’età d’oro di una delle riviste fotografiche settimanali più popolari al mondo: LIFE. Questo periodo di massimo splendore coincise con i decenni più glamour di Hollywood, creando un connubio perfetto tra la magia del cinema e l’arte della fotografia. 

LIFE riuscì a catturare con maestria i momenti più iconici di quel tempo, immortalando “più stelle di quante ce ne siano in cielo”, come recitava un famoso slogan di Hollywood. La rivista presentava centinaia di immagini accuratamente ricercate e curate dai vasti archivi di LIFE, offrendo ai lettori uno sguardo intimo su location cinematografiche, notti degli Oscar, case delle star, feste affascinanti e molto altro. Per quasi 45 anni, LIFE ha documentato non solo i volti e i luoghi di Hollywood, ma anche lo spirito dell’epoca, lasciando un’impronta indelebile nella storia dell’intrattenimento.

In questo contesto, Taschen, celebre editore di libri d’arte e di cultura visiva, ha rappresentato una risorsa inestimabile per esplorare la storia dell’intrattenimento. Con la pubblicazione del set in due volumi intitolato Life. Hollywood, Taschen celebra le grandi stelle del passato e rende omaggio alla rivista che ha saputo plasmare La Mecca del cinema. Grandi nomi come Walt Disney, Judy Garland, Paul Newman e tanti altri sono documentati in questi due preziosi volumi.

Circa 600 pagine di un vero e proprio tesoro di immagini provenienti dagli archivi di LIFE, arricchito dai saggi scritti da Justin Humphreys, che forniscono un contesto essenziale su ogni soggetto e sulle circostanze in cui è stato immortalato. Ogni pagina di Life. Hollywood è un viaggio nel tempo, che celebra la straordinaria capacità di LIFE di raccontare le storie delle star e del mondo di Hollywood con una potenza visiva senza pari.

Life. Hollywood rappresenta un’opera imperdibile per chiunque sia appassionato di cinema, fotografia e storia della cultura popolare.

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Il libro e la vita di Gisele Bündchen

The Rise and Rise è una testimonianza fotografica che intende celebrare la carriera di “The body” dalla fine degli anni ’90 alle sue campagne più recenti, con le fotografie di artisti del calibro di Steven Maisel, David Lachapelle, Peter Lindbergh e Corinne Day.

Nata in Brasile nel 1980, Gisele cominciò a lavorare come modella dall’età di 18 anni, debuttando sulla passerella dello show di Alexander McQueen per la sfilata Primavera/Estate del 1998.

Da quel momento in poi la sua vita non fu più la stessa ed ebbe inizio l’ascesa della sua carriera durata più di 20 anni. Gisele è apparsa su più di 1000 copertine in tutto il mondo, in circa 450 sfilate e in campagne multinazionali per i più importanti marchi di moda. Con oltre 300 fotografie, questo libro pubblicato da Taschen, curato e diretto da Giovanni Bianco, celebra tutti i successi e i traguardi di Gisele.

La collezione di immagini mozzafiato è accompagnata da un’introduzione di Steven Maisel e omaggi degli amici più stretti di Gisele, familiari e leader della moda, che fanno luce su come e perché è diventata una delle più grandi modelle di tutti i tempi.

Gisele sta donando tutto il ricavato del libro in beneficenza.

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La Taschen pubblica 3 volumi sull’Arte Decorativa. Un viaggio attraverso gli anni Cinquanta, Sessanta e Settanta per apprezzare materiali, stili e diversi design trends.

Prima di tutto, chi sono gli editori?

Colonia, 1980: nella città tedesca apre un piccolo negozietto di fumetti. Oggi la Taschen è una delle più importanti e rinomate case editrici di libri d’arte. Questi tre volumi di design riportano alla memoria la rivista Decorative Art, The Studio Yearbook pubblicata dal 1906 al 1980. Oggi, i suoi numeri sono rari tra i collezionisti e conservano tutte le tendenze di architettura e arredamento.

Gli editori dei tre volumi della Taschen sono Charlotte e Peter Fiell, a cui si devono più di sessanta libri sul design. Firme di fama internazionale, i due autori sono anche lettori appassionati, curatori di esposizioni e consulenti per musei e collezioni private.

Decorative Art 50s: il boom decorativo del Dopoguerra

Lattice, plastica e consumismo sfrenato. Ecco di cos’è fatto il design degli anni Cinquanta. È il momento di ricostruire il futuro sulle macerie delle guerre e nell’aria c’è solo voglia di rinascita. Una visione idealistica insieme a un raro ottimismo modellano le periferie e i centri delle città, ma anche mobili e oggetti di metallo. 

Le ricerche su tecnologie e costruzioni condotte durante la guerra, hanno regalato scoperte che segneranno le vite di milioni di persone per sempre. Una tra tutte, la popolarizzazione della plastica. La ricostruzione post-bellica porta con sé anche un boom di case. E se il design europeo ha un’inventiva straordinaria, quello americano si caratterizza per una visione idealizzata del futuro.

Tra queste pagine soffia un vento di modernità, con i lavori dei modernisti Charles Eames e George Nelson, Hans Wegner e Gio Ponti.

Decorative Art 60s: Hippie o Pop? 

Dai colori divertenti del Pop agli eccessi provocatori dell’era hippie. Qui sono racchiusi i segreti del memorabile design degli anni Sessanta. Si sfogliano interni colorati, lampade e tessuti eccentrici che confermano l’esplosione di creatività propria di un decennio di cambiamenti sociali, sessuali e politici senza precedenti. 

La liberazione è nell’aria. Gli uomini stanno andando sulla luna. E il cielo è forse l’unico limite alla creatività. Nei primi anni del decennio si ostina una rivalità tra oggetti artigianali e manifattura industriale. Ma la sfida non vede né vinti né vincitori, e le iconografie etnica e pop trovano un equilibrio sul podio dell’estetica. 

Libertà, di scelta e di espressione, è questa la parola chiave dei giovani consumatori che sfoggiano i diversi lifestyle attraverso capolavori di design. Tra gli altri, le celebri sedie di Panton, gli oggetti colorati di Sottsass, la Pop-Art di Paolozzi, i vetri di Sarpaneva e il design industriale di Lomazzi.

Decorative Art 70s: guardare al futuro 

Questo volume illumina l’estetica futurista e sperimentale degli anni ’70. Dopo i rivoluzionari Sessanta, il mondo del design e dell’architettura diventa un vortice di idee. 

Un’era effervescente fatta di scuole e movimenti opposti. Menti futuristiche creano progetti visionari, e se alcuni rimangono possibili solo sulla carta, altri non dimenticano la funzionalità. Ma c’è anche chi, invece, recupera il design industriale e lo traduce nel quotidiano. Insomma, non ci sono regole (o quasi).

Tra le pagine: i capolavori di Afra e Tobia Scarpa, l’estro di Luigi Colani e il design industriale di Achille Castiglioni. Ma riconosciamo anche l’avanguardia metabolista di Kisho Kurokawa, l’architettura high-tech di Norman Foster e i riferimenti di le Corbusier nei lavori di Richard Meier. Tre volumi. Tre decenni. E una storia incredibile.

Decorative Art 50s (Midi-Format) – TASCHEN Books

di Camilla Mantovani

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