Tra lusso e innovazione

In occasione del Salone del Mobile, Jimmy Choo ospita il brand spagnolo di design  3D Nagami e presenta due esclusive creazioni realizzate ad hoc per celebrare la Milano Design Week. Le creazioni fanno parte della collezione Liquid Gold di Nagami x Jimmy Choo e sono esposte al pubblico a partire da domenica 5 settembre presso la boutique in Via Sant’Andrea 1/A. Per il Salone del Mobile di Milano, Nagami ha collaborato con il marchio di fama mondiale Jimmy Choo per sviluppare questa collezione di mobili originale e lussuosa.

I designer e fondatori sono stati presenti in boutique dalle 11 alle 18 nella giornata di domenica per presentare le loro creazioni dal design 3D, sostenibili e realizzate con materiali plastici di recupero e l’aiuto di bracci robotici. Il marchio di lusso Jimmy Choo e l’innovativo marchio di design Nagami si sono uniti per presentare  una collezione di due esclusivi complementi di arredo al Salone del Mobile di Milano, fiera internazionale di arte, design e arredamento con espositori provenienti da ogni parte del mondo.

La collezione prevede un tavolino basso e una vetrina, interamente dorati e creati utilizzando la stampa 3D su larga scala. Questi elementi dimostrano come l’impiego della stampa 3D stia rivoluzionando il mondo dell’interior design.

La collezione

Nagami è un marchio spagnolo la cui mission è esplorare il futuro del design del  prodotto in quella che è la nuova Era Tecnologica. Fondato da Manuel Jiménez García, Ignacio Viguera Ochoa, Miguel Ángel Jiménez García, il team Nagami mira a trasformare la stampa 3D e le sue applicazioni di produzione robotica in prodotti di grande formato, con un alto livello di personalizzazione.

Attraverso il progetto, entrambe le società dimostrano il potenziale della ricerca e dell’innovazione nella progettazione e nello sviluppo di opere su larga scala. Per sviluppare l’assortimento Liquid Gold, Nagami ha utilizzato il suo know-how di stampa 3D basato su braccio robotico. 

Per quanto riguarda le forniture, è stata utilizzata quasi al 100%  plastica riciclata, dimostrando l’attenzione dell’azienda all’ambiente, oltre al significato dell’unione tra design, know-how e sostenibilità.

La caratteristica tonalità dorata dei mobili è un tributo all’estetica glamour di Jimmy Choo; si passa da una finitura stabile e lucida a una chiara ed eterea, creando così un ambiente continuamente abbagliante. La superficie del tavolino da caffè riflette il costante movimento e l’evoluzione della natura. Questa ispirazione si ritrova anche nella vetrina, costruita su due superfici a forma di liquido che sembrano plasmate dal vento.

Data  l’importanza di abbracciare nuove scienze applicate per creare prodotti innovativi, entrambi i brand hanno spinto i limiti della propria creatività in territori inesplorati in precedenza. La collezione unica Nagami x Jimmy Choo è esposta presso lo store Jimmy Choo di Milano, situato nel cuore del quadrilatero della moda.

di Virginia Scarano

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Rick Owens – Dialog with Emerging Italian Designers

Apertura in tandem con la Milano Design Week, Rick Owens è protagonista di questo Super Salone dal 5 al 10 settembre con un’exhibition allestita allo spazio CB32 di via Cesare Balbo, attraverso cui si assisterà a un dialogo tra le sue creazioni e quelle di alcuni designer emergenti italiani. 

Parlare di California senza citare Rick Owens sarebbe un vero scandalo. Visionario creative director dell’eponimo marchio (Rick Owens), ha sempre portato avanti anche un’altra passione, affiancandola a quella per la moda: l’architettura. Owens si rivela un uomo tutto da scoprire.

La continua ricerca fondata sull’esplorare un mondo, estremizzando, abissale e insidioso, dove il nero è il colore predominante, se non esclusivo, riesce, però a farne uscire il suo stile glunge, minimalista e architettonico, come si è potuto evincere dall’ultima collezione menswear SS 2022 presentata (per la quarta volta!) sulla spiaggia del Lido di Venezia. Una firma, la sua, stimata e apprezzata nel continente nonché fonte d’ispirazione per una new generation di designer che scalpitano per affermarsi e crearsi anch’essi “un nome”.

Nel corso della sua carriera, Rick Owens ha impiegato le energie anche nella creazione di forme, archetipi e materiali che hanno portato a nuove forme di mobili e pezzi d’arredo. La sua musa numero uno, Michèle Lamy, nonché sua moglie, ci tiene a sottolineare quanto la propensione del couturier per i mobili brutalisti sia seconda soltanto alle sue collezioni di moda. 

Gli arredi dello stilista sono in passato già stati celebrati dalla Triennale, che gli aveva dedicato la retrospettiva “Rick Owens. Subhuman inhuman superhuman”. In quest’occasione lo spazio CB32 si prepara ad accogliere dei mobili in una fase evolutiva, per comprendere pezzi più grandi con un’inclinazione architettonica, ma anche oggetti di dimensioni ridotte, che vantano lo stesso spirito dei più grandi e permettono la conservazione di quell’innata raffinatezza originale. 

“My forniture is my couture. I’m using rare materials and artisans with specialized skills to create unique, one-of-a-kind objects”

Le parole di Owens non lasciano scampo; quando il couturier afferma che i suoi mobili sono la sua couture e grazie all’attenzione verso materiali pregiati e una realizzazione meticolosa si raggiunge un risultato unico, è impossibile non arrendersi all’idea che siamo davanti a influencer a tutto tondo, per usare un eufemismo attuale. 

I mobili che compongono gli arredi hanno come denominatore comune l’essere minimal e contemporanei, moderni e misteriosi. Le finiture variano così come le trame, si passa dall’oro al nero, e nel mettere in evidenza quella vena brutalista tanto amata da Owens, presentano accostamenti materici liberi; è facile scorgere del cemento e compensato grezzo affiancato al cristallo di rocca o al raffinato marmo di Carrara. Ma questo è Rick Owens. 

How Rick Owens’s forniture inspired other designers?

Le collezioni del couturier sono rappresentate dalla Galleria Philia di New York, curatrice durante la Milano Design Week del vernissage in cui sono presentati i pezzi di design dell’acclamato Owens, insieme ai lavori dei più talentuosi giovani designer italiani, con l’obiettivo di instaurare un dialogo tra i due mondi.

Uno dei due fondatori della Galleria Philia, Ygael Attali, ha fatto presente come gran parte dei designer contemporanei tra i 20 e i 35 anni siano stati ispirati da Rick Owens. Attali, inoltre, è fortemente convinto che le linee più morbide, le cromie più chiare e la giocosità del design contemporaneo italiano siano il bilanciamento perfetto per uno stile di forte impatto come quello firmato da Owens, che forse agli occhi dei visitatori apparirà con un tocco di infantilità che piace. 

I designer emergenti 

A Milano, nello spazio dedicato a Rick Owens, tra i partecipanti italiani emergenti ci sono Augusta Bottoni, il duo comasco Draga & Aurel, l’architetto Pietro Franceschini, dAM Atelier, Samuel Costantini, Cara & Davide, Morghen Studio e Lorenzo Bini. 

I pezzi dei designer emergenti sono stati creati in risposta a oggetti ben noti di Owens, tra cui un tavolo con le corna della sua serie Evolution e la sedia geometrica Alchemy. Nella mostra, suddivisa in piccoli gruppi, si può osservare il lampadario Ophelia di Owens, composto da ovali neri intrecciati, sospeso al centro dello spazio, affiancato da un oggetto in ottone del duo di Design Morghen, illuminato con strisce led strette e dalla forma che ricorda un ramo di un albero.

E ancora, un vaso di bronzo e un portacandele del couturier vengono abbinati al tavolo minimal in acciaio inossidabile realizzato su misura, presentato da dAM Atelier. Altri ciotole, vasi caratterizzati da basi triangolari e forme tondeggianti sono posti su un coffee table in marmo firmato dall’architetto milanese Lorenzo Bini e sui piedistalli in onice di Pietro Franceschini, le cui venature nere si abbinano alla palette di colori degli oggetti per la casa. 

Rick Owens – Dialog with Emerging Italian Designers sottolinea l’importanza del dialogo, che per essere interessante deve avere due punti di vista differenti, mai troppo simili tra loro, altrimenti risulterebbe piatto. Attali, nel rappresentare l’influenza mondiale di Rick Owens, vuole omaggiare le qualità uniche del design italiano, e poterlo fare durante un’edizione così importante della Milano Design Week rappresenta un onore per ambedue le parti, dando valore anche all’etimologia della parola Philia, ovvero la “più alta forma d’amore” in greco. 

di Agnese Pasquinelli

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Quest’anno, a Milano, la tradizione viene sfidata a favore della novità. La fiera di design più famosa al mondo, la Milano Design Week, sperata e attesa da più di un anno, anima la città meneghina con un grande ritorno un po’ fuori tempo, a settembre anziché nel classico mese di aprile. Le restrizioni e il blocco portato dalla pandemia hanno obbligato il Fuori Salone a prendersi una pausa ad aprile 2021, in attesa di un periodo più adatto. Ora che il momento è arrivato, i vari design districts sono così carichi di idee che l’evento è stato rinominato SuperSalone. 

Curata ufficialmente dall’architetto Stefano Boeri e dalla neoeletta presidentessa Maria Porro, la Milano Design Week avrà diversi focus. L’innovazione è sicuramente un punto saliente dopo la rivoluzione che le vite di tutti hanno dovuto subire a causa del Coronavirus. Smart working e distanziamento sociale hanno inevitabilmente cambiato il modo in cui l’architettura concepisce e costruisce lo spazio comune. “La flessibilità è in assoluto la parola chiave dell’anno, tutto cambia ed evolve così velocemente da non lasciare punti di riferimento. Le aziende, come i progettisti, devono saper cogliere questo momento proponendo soluzioni coerenti” dichiara Paola Casati di Studiolabo.

Simbolo del cambiamento sarà il graffito di EricsOne al Brera Design District. Il muro, su cui ad oggi si legge a caratteri cubitali “Comig Soon”, svelerà l’artistico dipinto di strada il 4 settembre, all’apertura del Salone. In collaborazione con Saucony, EricsOne si ispira alla nuova normalità, al ritorno alle piccole cose, con mascherine e a distanza, ma liberi. 

Tutto super 

Il SuperSalone 2021 non poteva essere tale senza il Superstudio Più. Il district al numero 27 di via Tortona inaugura il Superdesign 2021 September Special Edition, che propone un nuovo design rivoluzionario all’insegna del cambiamento, della sostenibilità, dell’inclusività e dell’interconnessione, scaturita dal dopo-pandemia. L’esposizione avrà proprio il nome di r/evolution, con grandi installazioni scenografiche più affini a una mostra d’arte che a una fiera. Una grande novità di questa Design Week sarà l’apertura del Superstudio Maxi, fratello del Superstudio, in via Moncucco 35, che ospiterà un’ attesissima mostra-evento da aggiungere al calendario già stracolmo del Salone.

Il Superdesign Show si divide in diverse aree, ciascuna con un curatore dedicato. Giulio Cappellini si occupa di CULT&MUST, un “museo” contemporaneo volto a osannare la storicità dei pezzi classici di design, mentre SUPERCAMPUS è la sezione proiettata al futuro, al ridimensionamento degli spazi e della mentalità dopo il Covid. DISCOVERING apre la porta ai giovani designer, sia in termini di età che di innovazione, mentre DONNE&DESIGN, a cura di Silvana Annicchiarico, si preoccupa di dare il giusto riconoscimento alle donne nel design e nell’architettura.

Alpha District per le donne e tanto altro

L’architetta Annicchiarico non è la sola a pensare un progetto solo per le donne. L’inclusività è una delle altre parole chiave del FuoriSalone, e il neonato Alpha District in zona Portello ha dedicato una sezione proprio al tema femminile. Hysteria, progetto promosso da The Zen Agency e Magic America, si propone di usare humor e leggerezza come filtro per veicolare i propri messaggi, dando vita a una collezione di sex toys tutta particolare. In realtà l’intento è ben più serio, volto alla riflessione sulla condizione femminile, sulla violenza e sul concetto di piacere ancora vissuto come tabù. 

Ma il distretto di Portello si occuperà anche dell’universo dei bambini con il progetto Out Door, del food con Larmandino e in Piazza Gino Valle si potrà fare un salto nel passato con le Cattedrali, dei pop-up espositivi. Le mini architetture ispirate alle piazze italiane di Giorgio De Chirico ospiteranno al loro interno designer diversi, come Gumdesign, Antonio Aricò e MONDOMIO. 

Un Salone Green

Tema saliente di tutta la Milano Design Week 2021 sarà la sostenibilità, riorganizzare le nostre vite e i nostri spazi in maniera un po’ più consapevole per l’ambiente. Il cambiamento climatico ha sensibilizzato moltissimo l’arte e il design, che si è ridimensionato adottando materiali e soluzioni più green. Dal 4 al 12 settembre il Greener Bar di Heineken sarà il primo bar completamente sostenibile nello storico Palazzo Serbelloni. 

Il distretto EustachiORA unisce design, vino e sostenibilità in un progetto in partenza il 6 settembre che vede come protagonisti tutti i locali della via, i quali ospiteranno una degustazione itinerante. Ogni bar offrirà ottimi vini dall’azienda friulana DePuppi, insieme a diverse installazioni di designer selezionati che divulgheranno idee eco-friendly su un uso più coscienzioso della plastica. 

Design culinario

Ultimo focus del SuperSalone è la cucina, l’arte più amata dal popolo italiano, nonché ciò che ci rende famosi in tutto il mondo. Antonio Marras aprirà il Temporary Bistrot & Restaurant insieme alla famiglia Rana. La collaborazione, che avviene ormai da tre anni, si installerà nello showroom NonostanteMarras il 6 settembre e, fino a venerdì 10, darà l’opportunità ai suoi ospiti di gustare un pasto dal menù dello chef Giuseppe D’Aquino nella sensazionale location firmata dal noto designer. 

di Annastella Versace

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Aprile a Milano non è più lo stesso per il secondo anno consecutivo, senza la sua Milano Design Week e il Fuorisalone. Si fa digital anche questa sessantesima edizione, che dal 12 al 18 aprile darà la possibilità alle aziende aderenti di poter presentare i propri prodotti. Nell’attesa di uno straordinario Salone del Mobile dal 4 al 10 settembre, segnato in via preventiva per allora. Come la moda anche il design ha dovuto, e potuto, reinventare le proprie strategie di comunicazione, rendendo anche noi fruitori più partecipi e costantemente aggiornati.

Il nuovo design alla moda

Ma oltre la comunicazione come rispondono il design e la moda alle nuove esigenze dovute all’era che stiamo vivendo? Uno degli esempi più banali è l’utilizzo di quei DPI che fanno parte oggi della nostra quotidianità, partendo dalla mascherina e del gel igienizzante. Vi starete chiedendo: cosa c’entrano con la moda e il design? Dietro a questi nuovi mai più senza si sono evoluti degli studi e dei concept che prima non sarebbero stati valutati.

Dalla mascherina, oltre alla forma stessa che è design, l’unione di comodità, utilizzo e stile non si potrebbe definire altrimenti, è derivato anche l’astuccio per contenerla. Lo stesso vale per il gel o spray igienizzante, che può vantare astucci firmati Fendi. Corpo e tappo in pelle di vitello con dettagli in metallo per agganciarlo alla borsa, non più solo per la sua reperibilità ma anche per vezzo. Pronto per unirsi ai colleghi accessori arrivati sul mercato in precedenza, come il porta AirPods, insieme alle altre microbag a impreziosire le It bags del momento.

Le Forme dell’abitare e del vestire

Mentre la moda si fa in due proponendo alle sue Fashion Week comodità e/o voglia di uscire e di libertà, Fuorisalone.it proporrà “Le Forme dell’Abitare”. Tema cruciale del momento, la propria casa; rivalutata, riadattata o cambiata del tutto, dona nuovi spunti di riflessione. Riflessioni affrontate dagli stilisti che, ampliando sempre di più il concetto di lifestyle, vogliono imporre il proprio stile anche nelle nostre case. Ritornando ai micro accessori come non citare Jacquemus, il Re delle Chiquito bags, ha realizzato una collezione di 5 pezzi di home decor, Jacquemus X Daphne Leon. Tra questi, la Chiquito adagiata su un piatto in ceramica insieme ad altri elementi e alimenti che richiamano il sud della Francia, tanto amato dal giovane designer. 

Ceramiche e non solo, sono presenti nella linea Homewear firmata Off-White. Dopo il successo nel 2019, con i tappeti andati a ruba, frutto della collaborazione con il colosso svedese IKEA, ha allargato la famiglia degli oggetti per la casa. Le ceramiche si presentano concettuali, dalle forme primitive, nel bianco, nero e marmo. Non mancano i buchi, simbolo della memeficazione della moda secondo Virgil Abloh, che diventano divertenti e allo stesso tempo utili sul posacenere per appoggiare la sigaretta.

È così che tra l’abitare e il vestire la linea di confine si assottiglia sempre di più, con sempre nuove combinazioni da scoprire.

di Pamela Romano

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