La prima grande mostra antologica in Europa dedicata a Yukinori Yanagi raccoglie alcune delle sue opere più iconiche dagli anni Novanta fino ai lavori più recenti, offrendo ai visitatori un viaggio attraverso le traiettorie imprevedibili dell’artista giapponese. Con un allestimento concepito per gli spazi ex industriali di HangarBicocca, Yanagi propone un’esperienza immersiva che riflette su nazionalismo, potere e paradossi delle società contemporanee.

Un artista tra confini e identità

Nato nel 1959 a Fukuoka, Yanagi è uno degli artisti giapponesi più influenti della scena contemporanea, nonostante viva e lavori in un relativo isolamento sull’isola di Momoshima. La sua ricerca artistica esplora le tensioni tra sovranità, globalizzazione e confini, attraverso installazioni di grande impatto visivo. Il suo linguaggio si nutre di simboli politici e culturali, che vengono decomposti e trasformati in forme dinamiche, capaci di mettere in discussione le strutture di potere e le certezze imposte dalla società.

Il ritorno in Italia dopo trent’anni

Yanagi torna in Italia con una grande mostra a distanza di oltre tre decenni dalla sua partecipazione alla 45ª Biennale di Venezia del 1993. In quell’occasione, presentò un’opera composta da 170 bandiere realizzate con sabbia colorata, progressivamente erose dal lavoro incessante di migliaia di formiche vive. Un’immagine potente che riassume la sua poetica: il potere e l’identità nazionale come costruzioni effimere, destinate a mutare e dissolversi.

Il mito di Icaro e la fragilità del progresso

Curata da Vicente Todolí con Fiammetta Griccioli, la mostra ICARUS prende il nome dal mito greco di Icaro e Dedalo, trasformandolo in una riflessione sulla fiducia cieca dell’umanità nella tecnologia. Il volo di Icaro, che si avvicina troppo al sole fino a precipitare, diventa metafora delle ambizioni e dei rischi legati al progresso scientifico, con un chiaro riferimento all’energia nucleare e alle sue implicazioni globali. La mostra si sviluppa come un continuo gioco di contrasti tra passato e presente, distruzione e rinascita, stabilità e trasformazione.

Un dialogo tra materia e significato

Yanagi utilizza spesso materiali legati al trasporto e alla circolazione globale – container, barili e altri oggetti industriali – per rappresentare i flussi economici e politici che connettono il mondo. La sua opera sfida le nozioni di confine e di appartenenza, suggerendo una visione fluida dell’identità. In ICARUS, queste tematiche emergono in tutta la loro forza, in un percorso espositivo che invita a ripensare le dinamiche del potere e i meccanismi della storia.

Una monografia per approfondire l’opera di Yanagi

In occasione della mostra, sarà pubblicata una monografia a cura di Marsilio Editori, che raccoglierà saggi di critici e studiosi internazionali come Mami Kataoka e Reiko Tomii, insieme a un dialogo tra l’artista e i curatori Vicente Todolí e Fiammetta Griccioli. Il volume esplorerà le principali tematiche del lavoro di Yanagi e documenterà i suoi progetti architettonici più ambiziosi dal 2008 a oggi, offrendo un approfondimento completo sul suo percorso artistico.

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Dal 6 febbraio al 20 luglio 2025, Pirelli HangarBicocca ospita “Improvisation in 10 Days”, la prima mostra personale in Italia di Tarek Atoui, artista e compositore elettroacustico noto a livello internazionale per il suo approccio sperimentale alla musica e al suono. A cura di Lucia Aspesi, il progetto espositivo trasforma lo spazio in un ambiente dinamico e in costante evoluzione, esplorando nuove modalità di ascolto e interazione.

Tarek Atoui e la sua ricerca sonora

Tarek Atoui, nato a Beirut nel 1980 e residente a Parigi, lavora da anni sulle possibilità espressive del suono, combinando performance, installazione e scultura. La sua ricerca parte dall’analisi delle proprietà acustiche di materiali come acqua, pietra, bronzo e aria, e si sviluppa in ambienti sonori immersivi che invitano il pubblico a un’esperienza sensoriale totale. Il suo metodo si basa su una costante sperimentazione che coinvolge musicisti, artigiani e comunità locali in un processo creativo aperto e collaborativo.

Un’esperienza in continua trasformazione

“Improvisation in 10 Days” si distingue per la sua natura fluida e in trasformazione. Atoui concepisce lo spazio espositivo come una partitura aperta, in cui suoni, strumenti e installazioni si modificano nel tempo. Per l’artista non esiste un inizio o una fine definiti: il suono si sviluppa attraverso un ciclo continuo di variazioni, generando nuove connessioni tra materiali, vibrazioni e corpi in ascolto. L’interazione con lo spazio e la partecipazione del pubblico diventano elementi fondamentali per la creazione dell’opera, che si manifesta come un organismo in costante mutamento.

Le opere in mostra

La mostra presenta tre principali nuclei di lavori che sintetizzano la ricerca di Atoui. WITHIN (2013-in corso) è una serie nata da un workshop con una comunità di persone sorde, in cui l’artista esplora il suono in una dimensione tattile e visiva, ridefinendo il concetto stesso di ascolto. Opere come Organ Within e le installazioni Wind House trasformano lo spazio in un ambiente in cui il suono diventa una vibrazione percepibile dal corpo.

Waters’ Witness (2020-23) nasce invece da una ricerca condotta nei porti di città come Atene, Beirut e Singapore, in cui Atoui ha registrato suoni ambientali e subacquei per restituire un paesaggio acustico stratificato, esposto attraverso materiali come marmi provenienti dai cantieri di restauro dell’Acropoli.

Infine, The Rain (2023-in corso) è un progetto dedicato al suono della pioggia, realizzato con materiali naturali come bronzo, corde e legno, ispirandosi alle tecniche artigianali coreane per la creazione di strumenti che amplificano il legame tra suono e materia.

Un viaggio tra musica, spazio e percezione

Attraverso queste opere, Atoui continua la sua esplorazione delle potenzialità del suono e delle sue modalità di propagazione nello spazio, concependo l’ascolto come un’esperienza che coinvolge l’intero corpo e non solo l’udito. Il progetto espositivo di Pirelli HangarBicocca si configura quindi come un vero e proprio laboratorio di sperimentazione, in cui ogni elemento è in relazione con gli altri e ogni visita offre un’esperienza sempre nuova. 

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L’Hangar Bicocca di Milano ospita una delle retrospettive più significative dedicate a Jean Tinguely, il grande scultore svizzero e maestro dell’arte cinetica. La mostra, aperta fino al 2 febbraio 2025, è organizzata in collaborazione con il Museum Tinguely di Basilea e parte del programma tinguely100. Curata da Camille Morineau, Lucia Pesapane e Vicente Todolì con Fiammetta Griccioli, la mostra presenta circa 40 opere che occupano i 5.000 metri quadrati dello spazio espositivo, offrendo al pubblico un’esperienza immersiva fatta di movimento, suono e innovazione tecnologica.

L’arte in movimento: il cuore della mostra

Jean Tinguely è noto per la sua rivoluzionaria visione dell’arte, che si discosta dalla tradizionale staticità delle sculture. Le sue opere meccaniche, realizzate con oggetti di scarto, ingranaggi e materiali industriali, sono vere e proprie macchine che si muovono, emettono suoni e interagiscono con lo spettatore. La mostra, che si sviluppa come una coreografia visiva e sonora, include opere come Méta-Matic No.10 (1959-2024), una macchina che crea disegni astratti grazie a un piccolo motore, e Ballet des pauvres (1961), dove oggetti domestici vengono mossi da fili motorizzati. Le opere di Tinguely vanno oltre il concetto di scultura tradizionale, trasformandosi in performance artistiche che mettono in evidenza il concetto di “arte in movimento”.

Opere monumentali e interattive

Una delle caratteristiche più affascinanti della retrospettiva è l’inserimento di opere monumentali che trovano un’armonia naturale con l’ampio spazio industriale di Hangar Bicocca. Tra le più imponenti spiccano Cercle et carré-éclatés (1981) e Méta-Maxi (1986), in cui l’uso di ruote, motori e cinghie dà vita a composizioni sonore che coinvolgono i visitatori in un’esperienza sensoriale unica. Oltre a queste, la mostra offre l’opportunità di interagire con le opere stesse. Per esempio, Maschinenbar (1960-85) permette ai visitatori di attivare direttamente l’opera premendo un pulsante. In questo modo, il pubblico non è solo spettatore, ma parte integrante dell’esperienza artistica.

Jean Tinguely: un pioniere dell’arte cinetica

Nato a Friburgo nel 1925, Jean Tinguely è stato uno dei maggiori esponenti dell’arte cinetica, un movimento che esplora il concetto di movimento e cambiamento come parte integrante dell’opera d’arte. Le sue sculture non sono mai statiche e sempre in trasformazione, liberando la macchina dalla “tirannia dell’utilità”. Il suo lavoro ha spinto i confini della scultura tradizionale, creando macchine che, pur nella loro caoticità, esprimono poesia, umorismo e riflessioni filosofiche sul ruolo della tecnologia nella vita quotidiana. La retrospettiva milanese, con il suo focus sul movimento e sull’interazione, mette in luce l’approccio radicale e sperimentale di Tinguely, che concepiva l’arte come un processo continuo e mai definitivo.

Un’esperienza coinvolgente e interattiva

La mostra non è solo un’esposizione di sculture meccaniche, ma un invito a esplorare il concetto di performance e interattività nell’arte. Le opere sono attivate seguendo coreografie prestabilite che durano venti minuti e offrono diverse modalità di partecipazione per il pubblico. Méta-Matic No.10 (1959), ad esempio, permette ai visitatori di acquistare un gettone per attivare l’opera e creare un disegno su carta. Inoltre, Rotozaza No.2 (1967) viene attivata dai mediatori museali in orari specifici, rendendo l’esperienza ancora più dinamica e coinvolgente. Ogni opera, quindi, è un invito a entrare in contatto con l’arte, trasformando l’esposizione in un evento di pura interazione.

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Simbologie che mettono in discussione il sistema 

Dopo dieci anni di assenza, Maurizio Cattelan torna a esporre a Milano con la personale Breath Ghosts Blind negli spazi di Pirelli Hangar Bicocca. Fra i volti più noti dell’arte contemporanea, Cattelan da sempre lavora su temi che coinvolgono la collettività, spingendo verso una riflessione e un dialogo comuni. Questioni sociali, politiche, umane, che arrivano a toccare domande esistenziali sulla vita e la morte. 

È così che Breath Ghosts Blind nasce come una mostra di sole tre opere che vogliono raccontare i tre momenti principali in cui è scandita la vita umana. L’esposizione segue uno storytelling ascendente che porta lo spettatore, man mano che si addentra negli spazi dell’Hangar Bicocca, ad alzare sempre di più lo sguardo.

A cura di Roberta Tenconi e Vicente Todolí, il racconto segue una suddivisione drammaturgica in tre atti, come una pièce teatrale. La ripetizione del numero tre eleva l’interpretazione a un universo simbolico, riecheggiato anche nelle opere che prendono la forma di simbologie riconosciute e condivise, che Cattelan utilizza come capro espiatorio per mettere in discussione il sistema di valori attuali.

La mostra: il percorso e le opere

I tre ambienti in cui si sviluppa la mostra sono la Piazza, le Navate e il Cubo, ciascuno dedicato a una sola, eloquente opera. Per questo il viaggio del visitatore risulta come una lenta processione negli enormi e bui spazi dell’Hangar. 

Apre il percorso Breath (2021), una scultura marmorea che rappresenta un uomo accovacciato a terra in posizione fetale. Di fronte a lui c’è un cane, posto allo stesso modo. Per la prima volta la figura animale e quella umana sono accostate in un’opera di Cattelan, che proprio sul loro confronto vuole riflettere. Il titolo “Breath” indica ciò che essi condividono, il respiro, che è anche il primo segno inconscio di vita.

La buia Navata dell’Hangar è di per sé uno spazio inquietante da attraversare, specialmente ora, con la presenza di Ghosts (2021). Opera nata dalla riproposizione dell’installazione di Cattelan per la Biennale di Venezia del 1997 nel Padiglione Italia, Ghosts è un insieme di centinaia di sagome di piccioni poste sul carroponte lungo tutte le navate dell’Hangar. L’artista gioca qui su un capovolgimento della percezione da parte dello spettatore, che rimane disorientato dal ribaltamento spaziale interno-esterno. 

Si arriva infine al Cubo, dove inevitabilmente bisogna alzare lo sguardo per osservare la monumentale installazione che è Blind (2021). Forse l’opera concettualmente più immediata, Blind è un memoriale dell’iconografia destabilizzante. Riflette sulla storia e sulla morte, appropriandosi dell’immaginario della serie di eventi fatidici dell’11 settembre 2001. Partendo da un evento drammatico, Maurizio Cattelan riflette sulla violenza della storia più recente e vicina a lui, trasformando un momento tragico in terreno di incontro. 

Dalle parole del curatore

Come rimarca anche Vincente Todolí, Direttore Artistico di Pirelli Hangar Bicocca e co-curatore della mostra: “Il lavoro di Maurizio Cattelan trasforma una storia o un sentimento in un’esperienza visiva e spaziale. Per la mostra in Pirelli Hangar Bicocca l’artista ha tramutato l’intera architettura del museo in una dimensione psicologica: in sintonia con la sequenza e la natura dei tre ambienti espositivi – la Piazza, le Navate, il Cubo – le opere si presentano come i capitoli di un film o gli atti di una pièce teatrale, divenendo un unicum”. 

L’esperienza immersiva che offre “Breath Ghosts Blind” attraversa gli aspetti più emozionali e significativi dell’esistenza umana, restituendoli tramite sentimenti opposti come il dolore e l’amore. La mostra è visitabile fino al 20 febbraio 2022.

di Chiara Pellini

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