È stato il film La Grazia ad aprire l’82ª Mostra del Cinema di Venezia, e già dalla prima proiezione si è capito che Paolo Sorrentino ha scelto di tornare a un cinema intimo, malinconico e profondamente morale. Al centro del racconto c’è Mariano De Santis, Presidente della Repubblica immaginario, vedovo, cattolico e giurista, giunto agli ultimi giorni del suo mandato. Un uomo che, dietro l’apparente rigore istituzionale, si rivela fragile, attraversato da dubbi e da una silenziosa nostalgia d’amore.

I dilemmi che deve affrontare – concedere o meno due richieste di grazia e firmare una legge sull’eutanasia – non sono solo questioni politiche, ma veri e propri nodi morali che lo costringono a misurarsi con la propria fede, con i ricordi della moglie scomparsa e con il rapporto complesso con la figlia Dorotea.

Il film si apre con un ritmo contemplativo, quasi ipnotico, per poi trasformarsi in un racconto che cresce progressivamente di intensità, fino a diventare un vero thriller dell’anima. Non c’è spazio per certezze granitiche o per la retorica del potere: la vera grandezza del protagonista sta nella sua capacità di dubitare, di accettare l’incertezza come unica forma autentica di responsabilità politica.

La regia alterna sobrietà e momenti visionari, creando un equilibrio tra l’austerità dei palazzi del potere e l’irruzione del surreale. Atmosfere sospese, immagini potenti e improvvisi squarci di ironia restituiscono la fragilità dell’uomo nascosta sotto la corazza istituzionale.

Ma La Grazia è anche un film sull’amore e sulla paternità. Mariano continua ad amare la moglie che non c’è più, cerca un punto di contatto con la figlia e, con intelligenza, capisce che a volte è necessario lasciarsi guidare dalle nuove generazioni, più capaci di interpretare il presente. È in questo equilibrio tra autorità e ascolto che il suo personaggio trova la sua nobiltà.

Toni Servillo regala un’interpretazione silenziosa e intensa, fatta di pause, sguardi e piccoli gesti, che rendono palpabile la solitudine del potere. Il suo Mariano De Santis non è un monumento, ma un uomo fragile e per questo straordinariamente vicino.

La Grazia diventa così un film sul peso delle scelte, sull’etica come fondamento invisibile della vita collettiva e sul valore del dubbio come gesto politico. Sorrentino firma un’opera elegante e commossa, che ribadisce una verità semplice eppure urgente: il vero dramma non è l’azione, ma il dilemma morale che ci costringe a guardare dentro di noi.

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Ambientato tra Napoli e Capri, “Parthenope” ci regala un viaggio straordinario nell’anima di due luoghi iconici, catturati magistralmente dalla regia di Sorrentino. Ogni fotogramma è una poesia visiva, in cui l’estetica raffinata e le atmosfere mozzafiato si fondono in un racconto che ammalia e conquista lo spettatore. Napoli, con la sua bellezza contrastante, diventa più di un semplice sfondo: è un personaggio vivo, che riflette le emozioni e le sfide dei protagonisti, mentre il cast stellare, composto da attori come Gary Oldman, Silvio Orlando, Luisa Ranieri e Stefania Sandrelli, regala interpretazioni intense che lasciano il segno.

Le musiche originali di Lele Marchitelli aggiungono profondità all’atmosfera, accompagnando perfettamente il viaggio emotivo che il film offre, un viaggio fatto di riflessioni sulla vita, sull’amore per Napoli e su quel desiderio di libertà che attraversa l’intera storia. La regia di Sorrentino, con il suo tocco inconfondibile, riesce a trasmettere emozioni complesse in modo delicato e potente allo stesso tempo, rendendo “Parthenope” un’esperienza cinematografica che coinvolge e cattura dal primo all’ultimo minuto.

Se sei alla ricerca di un film che ti trasporti in un mondo di sentimenti forti e paesaggi incantevoli, “Parthenope” è quello che fa per te. Non perdere l’occasione di vivere quest’esperienza, dal 24 ottobre al cinema, lasciati travolgere dall’arte di Sorrentino e scopri un racconto che ti rimarrà nel cuore.

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Uno spettacolo che sa di realtà

Dal mondo dello spettacolo e della finzione teatrale si passa a una storia universale, che accomuna tutti gli individui. Lo spettacolo proposto è meraviglioso, ironico, leggero, mette in scena i paradossi della società contemporanea e fa riflettere sull’importanza dei sogni e sulle difficoltà di realizzarli. Il sogno diventa in quest’ottica il focus principale:  è considerato la forza motrice dell’individuo, il quale desidera che i propri sogni diventino realtà grazie a determinazione e sacrificio.

Scoditti, in qualche modo, rappresenta ogni individuo con i suoi pregi, i suoi difetti e soprattutto i suoi sogni nel cassetto, le sue passioni e ambizioni. Lo spettacolo è caratterizzato da stili differenti e linguaggi artistici che si intersecano perfettamente l’un l’altro trovando il loro equilibrio: tra questi, stand up, teatro di prosa, performance, cinema. La libertà nel seguire e realizzare i propri sogni e la grandezza che risiede in essi sono i concetti chiave per realizzare ogni desiderio.

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Un ritorno alla giovinezza

In Parthenope viene ripreso il percorso che racconta la giovinezza del regista, iniziato in È stata la mano di Dio. Una giovinezza molto particolare quella di Sorrentino, più sognata che vissuta: il regista non ha mai effettivamente sperimentato la libertà, gli amori superficiali, i flirt, le gioie, le sofferenze e la spensieratezza tipiche dell’età adolescenziale, e proprio per questo non può fare altro che sognarli, immaginarli.

Sullo sfondo, la bellissima città di Napoli, come protagonista, Parthenope, raffigurata da una donna che rispecchia tutte le figure femminili della società contemporanea. Una donna che percorre un viaggio verso la libertà e che affronta ostacoli, difficoltà e  pregiudizi. Il cast è composto da Celeste Dalla Porta, dai veterani Luisa Ranieri, Gary Oldman, Stefania Sandrelli e alcuni altri. Il film, in concorso per la Palma D’Oro al Festival di Cannes 2024, è una dedica a quella giovinezza mancata.

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Per una critica poetica

Parlare di Sorrentino oggi è un po’ come parlare di un mostro sacro. Dal magistrale successo raggiunto con La Grande Bellezza (2013), Sorrentino ha sigillato con il suo volto, il suo nome e il suo stile una poetica cinematografica che riesce a svelare più o meno spiccatamente le pieghe dell’esistenza umana. Il nuovo film di Paolo Sorrentino ci mette di fronte all’evoluzione del suo modo di fare cinema, portando in scena il ricordo, a volte grottesco e onirico, della sua giovinezza trascorsa a Napoli negli anni Ottanta. Sorrentino torna nella sua città natale per raccontare le sue origini, la sua famiglia, il lutto della tragedia vissuta, l’amore e la crescita.

In un film che vuole porsi come un racconto autobiografico, ma che sa essere molto altro, risulta difficile muovere un giudizio a riguardo, per l’impossibilità stessa di avere un giudizio nei confronti di una vita che non ci riguarda in prima persona. Così Sorrentino ci lascia nello stupore di un cinema che non si sforza di scegliere tra forma e sostanza, ma riesce nell’impresa di farle coesistere in simultanea, in uno slancio creativo che non si ferma di fronte a ciò che sembra chiedergli il pubblico, riuscendo ad annodare insieme il tragico e il comico, il paradossale, il grottesco e il profondo del reale. In questo senso, È stata la mano di Dio, è un film emotivo che impone diverse letture perché la molteplicità di livelli da cui è composto sfugge a un rigido etichettamento o ad un inquadramento riduzionista. Il cinema di Sorrentino sa essere al contempo intimo ed estroverso, soggettivo e collettivo.

Al centro e sullo sfondo del film c’è la città di Napoli, con la sua esplosività, la sua tradizione, i suoi colori e i suoi paesaggi inconfondibili. E c’è anche Maradona, figura mistica, quasi sacra per i napoletani, elemento chiave che utilizza il regista per mettere in scena la sua storia, da cui tutto parte e a cui tutto ritorna.

«Maradona mi ha insegnato ciò che dico nel film, cioè che la perseveranza è la piattaforma necessaria per coltivare il talento, però lui nel mio immaginario è una figura religiosa. Non è facile apprendere dalle figure religiose, sono degli unicum, gli insegnamenti si prendono più da persone che pensi di poter imitare. Maradona non era imitabile, ecco».
(Paolo Sorrentino)

Un altro punto chiave del film è la famiglia e il rapporto del protagonista (Fabietto, interpretato da Filippo Scotti) con essa. La famiglia è il nucleo degli affetti. Rappresenta le radici che ci permettono dal basso di crescere verso l’altro. Così vengono narrate tutte quelle dinamiche familiari che ci marchiano inevitabilmente. Viene raccontato il rapporto con il fratello, con la zia (interpretata da Luisa Ranieri), con i genitori (Teresa Saponangelo e Toni Servillo) a cui il protagonista è legato da un affetto viscerale, troppo spesso dato per scontato.

Un’ulteriore chiave di volta è rappresentata dall’incontro che Fabietto ha con il regista Antonio Capuano, a seguito della tragica perdita dei suoi genitori. Il dialogo con lui è esemplificativo non solo di qualcosa che è stato importante nella vita di Sorrentino, in quanto uomo e regista, ma mette in luce anche il limite che la vita stessa ci impone ad un certo punto del nostro cammino. Proprio quando Fabietto è solo, spaesato e incapace di comprendere il senso delle ingiustizie che la vita gli ha riservato, il regista Antonio Capuano gli grida «non ti disunire!». Una frase semplice, ma che nasconde uno scrigno di letture. «Non ti disunire» è un invito ad affrontare la vita senza paura di aggredirla, attraversarla, ascoltarla e sfidarla; è un incoraggiamento, un monito da se stessi e per se stessi, per ricordarci di rimanere sempre fedeli a ciò che siamo, a dove veniamo, a chi vogliamo essere. È un modo per dirci di non abbandonare mai l’essenza che compone la nostra anima, di non cedere al dolore, alle avversità, a chi ci vuole diversi, a chi non ci capisce.

Tra scene intense e paradossali, inquadrature d’autore e tra le strade di una Napoli unica, È stata la mano di Dio è un film che nella sua delicata compostezza svela un Sorrentino diverso, attento a puntare i riflettori sull’interno più che sull’esterno, per uno sguardo interiore e introverso facendo luce sulle sue zone d’ombra e mettendo in scena una realtà che interroga la vita, e ne cerca la verità.

«Chissà se, nell’aldilà, è consentito andare al cinema. Così mia madre potrebbe vedere la lettera che le ho scritto, attraverso questo film. La lettera che sosta tutti i giorni nell’anima dei figli diventati grandi. Dove scriviamo, col pensiero e con le parole che non abbiamo detto, quella meraviglia che è stata o non è stata, ma che sempre rimarrà nella nostra vita sentimentale, l’idea di meraviglioso».
(Paolo Sorrentino)

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Sorrentino convince con il suo film più personale 

Esistono due tipi di persone al mondo: chi ama follemente i film di Sorrentino e chi, invece, li detesta. Che voi facciate parte della prima o della seconda categoria in questo caso non fa distinzione, perché È stata la mano di Dio vi sorprenderà.

Nei suoi film precedenti Sorrentino raccontava di suggestioni, costruendo magnifici racconti che si aprivano a simbolismi interpretabili a seconda della soggettività dello spettatore. La memoria e i ricordi erano il vero motore dell’azione con cui descriveva esistenze senili svuotate di ogni prospettiva futura e, spesso, arenate sui propri rimpianti e rimorsi.

Qui, invece, ad essere protagonista è un giovane ragazzo che dovrebbe essere proiettato verso un brillante avvenire ma che, a causa di tragici eventi, si trova disorientato e privato di qualsiasi ardore. 

La trama

Sullo sfondo di una lussureggiante Napoli degli anni Ottanta, Fabietto Schisa (interpretato dall’esordiente Filippo Scotti) è un diciassettenne che vive la propria adolescenza con analitico distacco ma precoce maturità intellettuale. Immerso in un’atmosfera frenetica e vivace, tra l’affetto dei suoi cari e la febbrile attesa dell’arrivo di Diego Armando Maradona nella squadra di calcio locale, vedrà la sua vita venire sconvolta da un grave incidente.

Perché merita di essere visto

È stata la mano di Dio risulta coinvolgente ed emozionante grazie a una scrittura registica impeccabile e a un cast magistrale che ha fatto la differenza, oltre Filippo Scotti, anche Toni Servillo (ormai al sesto film con il regista), Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Massimiliano Gallo e Betti Pedrazzi. Ottima anche la fotografia firmata da Daria D’Antonio.

In conclusione: forse non è del tutto corretto affermare che È stata la mano di Dio sia un capolavoro, ma probabilmente è un film che si avvicina di molto all’eccellenza. La pellicola prodotta da Netflix sarà disponibile il prossimo 15 dicembre su piattaforma, e noi di Gilt magazine vi assicuriamo che non ne rimarrete delusi.

di Emanuela Bruschi

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A Cannes ha vinto la commedia romantica amante dell’imprevedibile

Quest’anno a incoronare i migliori interpreti di un’edizione simbolo della riscoperta della cinematografia al Festival di Cannes, insieme al super ospite Spike Lee, é toccato a Mati Diop, Mylène Farmer, Maggie Gyllenhaal, Jessica Hausner, Melanie Laurent, Tahar Rahim, Song Kang-ho e Kleber Mendonça.

L’edizione da poco conclusasi ha regalato sorrisi, soprattutto per una gaffe da parte di Spike Lee che rimarrà impressa nelle menti degli affezionati alla Croisette. All’inizio della cerimonia infatti, il goliardico Lee ha rivelato, senza neanche pensarci troppo, il nome del vincitore dell’ambita Palma d’Oro: Titane di Julia Ducourneau. 

Titane di Julia Ducourneau: una donna vince con un film rivoluzionario e trasgressivo 

Il film é stato il più controverso del concorso, non tanto per il fatto di essere un thriller/horror, quanto per la perdita, ad un certo punto, dell’aspetto narrativo.

Le altissime aspettative sono state smontate dal momento in cui i protagonisti hanno iniziato ad agire senza una logica, facendo perdere la correlazione tra identità di corpo, genere e sesso, attraverso la perversa relazione della protagonista Alexia con il titanio del titolo.

Nonostante le forti critiche, la pellicola ha vinto per il suo essere cruda e al contempo originale; Titane rappresenta il mondo oggi, la difficoltà che si prova nel sentirsi inadeguati e il convivere con un corpo che talvolta é il “mostro” di ciascun essere umano.

Soddisfazioni per il tricolore 

L’edizione 2021 del Festival di Cannes si è rivelata fortunata per il Bel Paese, vedendo consegnare la Palma d’Onore a Marco Bellocchio per il documentario “Marx puó aspettare”.

Il momento della consegna è stato preceduto da un emozionante speechless tenuto da Paolo Sorrentino, che ha elogiato le abilità e la profondità del “giovane” Bellocchio, ritrovando nella sua persona tutte le caratteristiche che un regista dovrebbe possedere: appartato, discreto, lontano anni luce dall’egocentrismo e curioso dell’altro.

Il cinema di questo promettente regista affascina proprio perché ad incuriosire e rendere grandi i suoi film c’è una sotterranea inquietudine tutta da scoprire. 

I premi 

Palme d’Or

TITANE di Julia Ducournau

Grand Prix ex Aequo

GHAHREMAN (UN HÉROS / A HERO) di Asghar Farhadi

HYTTI N°6 (Compartment n°6 / Compartiment N°6) di Juho Kuosmanen

Miglior regia

Leos Carax per Annette

Migliore Attrice

Renate Reinve con VERDENS VERSTE MENNESKE (Julie (en 12 Chapitres) (The Worst person in the World)

Premio della giuria ex aequo

HA’BERECH (Le Genou de’Ahed / Ahead knee) di Nadav Lapid 

MEMORIA di Apichatpong  Weerasethakul

Migliore attore

Caleb Landry Jones in NITRAM di Justin Kurzel

Palma d’oro al Miglior Cortometraggio

TIAN XIA WU YA (Tous les Corbeaux du Monde / All the Crows in the World) di Tang Yi

Un Certain Regard

Un Certain Regard Prize

RAZZHIMAYA KULAKI (UNCLENCHING THE FISTS) diretto da Kira Kovalenko

Jury Prize

GROSSE FREIHEIT (GREAT FREEDOM) di Sebastian Meise

Ensemble Prize

BONNE MÈRE (GOOD MOTHER) di Hafsia Herzi

Courage Prize

LA CIVIL di Teodora Ana Mihai

Prize of Originality

LAMB di Valdimar Jóhannsson

Special Mention

NOCHE DE FUEGO (PRAYERS FOR THE STOLEN) di Tatiana Huezo

I premi indipendenti 

Il primo premio che la giuria ha consegnato, come di consueto ogni anno, é stato l’indipendente Palm Dog 2021, andato a Dora, Rosie e Snowbear, i tre Spaniel di Tilda Swinton, l’attrice scozzese che simpaticamente ha subito indossato il collare rosso. Il film che gli ha consentito di ricevere il premio è stato “The souvenir Part II” di Joanna Hogg. A seguire, l’assegnazione dell’Oeil d’Or 2021 per il miglior documentario è andata all’indiano Payal Kapadia con “A night of knowing Nothing”. 

di Agnese Pasquinelli

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La 76° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica organizzata dalla Biennale di Venezia si tinge, ancora una volta, di rosso Campari con un programma ricco di appuntamenti

“Campari e il grande schermo, una storia senza tempo che si rinnova di anno in anno”, è così che l’azienda leader mondiale di spritz ci introduce alla sua seconda esperienza consecutiva a Venezia. Un sodalizio, quello tra Campari e il cinema, che trova la massima espressione nelle svariate collaborazioni con registi e attori di fama internazionale, attraverso campagne pubblicitarie che hanno scritto la storia del brand. Anche per questa edizione del Festival del Cinema di Venezia, Campari, in qualità di Main Sponsor, organizzerà eventi, talk e conferenze stampa in pieno stile Red Passion. 

Festival di Venezia 2019: un calendario di eventi firmato Campari

Dal 28 agosto al 7 settembre, di fronte al Palazzo del Cinema, la Campari Lounge (una struttura di 200 metri distribuita su due piani) ospiterà svariate iniziative. A partire da venerdì 30 agosto, alle ore 17:00 ci sarà un momento dedicato alla stampa con Greta Scarano (attrice di Smetto quando voglio e Suburra) che successivamente, verso le 23:00, quando le luci del Festival si spegneranno, regalerà a Venezia la sua personale interpretazione di un monologo incentrato sulla dedizione verso un lavoro speciale come quello dell’attore.

A seguire, sabato 31 agosto, presso la Vanity Fair Stage, situata al piano superiore della Campari Lounge, si svolgeranno due incontri: il primo (alle ore 12:00) vedrà come protagonista Sarah Felberbaum, mentre alle ore 15:00 sarà la volta di un talk con Anna Foglietta. Nella stessa giornata, dalle 18:00 verranno presentati una serie di cortometraggi realizzati dai giovani talenti del laboratorio didattico del Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. Un progetto, questo, nato dalla collaborazione con Campari Lab, che ha come ispirazione la cosiddetta “Red Hour”. Presenzierà all’evento Alessandro Borghi, che in qualità di padrino premierà il cortometraggio vincitore.

Molteplici eventi si susseguiranno nella giornata di domenica 1° settembre: a partire dalle ore 12:00 un incontro con la stampa di uno dei più noti volti del grande schermo, Micaela Ramazzotti. Nel pomeriggio, ore 16:30, nella Sala Grande del Palazzo del Cinema si svolgerà la cerimonia di consegna del premio Campari Passion For Film Award. Questo prestigioso riconoscimento, nato dalla partnership tra Campari e la Direzione Artistica del Festival, pone come obiettivo la valorizzazione del contributo dei più stretti collaboratori dei registi. Il Premio quest’anno è stato attribuito al direttore della fotografia Luca Bigazzi, per il suo lavoro alla seconda stagione di The New Pope di Paolo Sorrentino. Successivamente alla consegna del Campari Passion For Film Award, avrà luogo in anteprima mondiale la proiezione degli episodi 2 e 7 della serie tv.

Nella stessa giornata Campari organizzerà un aperitivo per il Filming Italy Best Movie Award, che ospiterà un parterre de rois di attori italiani e internazionali, tra cui l’attrice Isabelle Hupper. Il famoso marchio di aperitivo anche quest’anno sarà presente alla festa più esclusiva della Mostra del Cinema: il Party di Ciak, fissato per lunedì 2 settembre e organizzato nella lussuosa cornice della Terrazza della Biennale.

Ferzan Ozpetek sbarca a Venezia in compagnia della sua musa

Martedì 3 settembre sbarcherà a Venezia il regista Ferzan Ozpetek, accompagnato dalla sua musa Kasia Smutniak. Il regista e l’attrice saranno ospiti dalle ore 16:00 nella Campari Lounge, e intorno alle 21:00 presenteranno il cortometraggio “Venetika”, nato come opera d’arte per il Padiglione Venezia alla Biennale Arte 2019 e trasformato ora in un’opera cinematografica all’interno della quale Venezia è simboleggiata da una donna immersa nell’acqua, interpretata, appunto, dall’attrice polacca.

Per questa speciale proiezione Campari ha realizzato in Laguna un “Floating Cinema”, ossia una piattaforma galleggiante che ospiterà ben 50 sedute, la prima nella storia del Festival. Gli invitati non saranno gli unici a poter beneficiare di questa installazione. Infatti, ci sarà la possibilità di godere dell’opera cinematografica di Ozpetek direttamente dalla propria imbarcazione. Il penultimo giorno della Mostra, venerdì 6 settembre, vedrà la splendida Catrinel Marlon interpretare il Red Passion Campari sul tappeto rosso. Sempre venerdì in serata, avrà luogo un secret party con una serie di sale sensoriali e atmosfere che richiameranno le intriganti feste della Serenissima.

Inoltre, per tutta la durata della Mostra Cinematografica, Campari ospiterà nella Palazzina Red Passion, sul Canal Grande, deejays di fama internazionale, creando un connubio vincente tra musica e cinema che permetterà agli amanti della notte di stare svegli fino all’alba.

di Emanuela Bruschi

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Nessun premio per Paolo Sorrentino in gara con This Must Be The Place, tra i favoriti per la Palme d’Oro, e per Habemus Papam di Moretti, per cui ci si aspettava la Palma di miglior attore per Michel Piccoli. Vince la Palma d’Oro di questa 64esima edizione il film The Tree of Life di Terrence Malic, con Brad Pitt, Sean Penn e Jessica Chastain. Un film quasi mistico, impossibile da descrivere a parole, una riflessione che indaga il senso dell’esistenza. Premio per la migliore regia al danese Nicolas Winding Refn per il film Drive, mentre la miglior performance d’attore è quella di Jean Dujardin per The Artist. Prix d’interpretation féminin alla miglior attrice Kirsten Dunst per Melancholia, la pellicola del regista Lars Von Trier bandito dalla giuria per le sue affermazioni su Hitler. Fortunatamente l’attrice non ha risentito delle polemiche, ed è stata premiata per la splendida interpretazione che probabilmente tocca il punto più alto della sua carriera. Riconoscimento speciale all’attrice e regista francese Maiwenn con il film Polisse, in cui ha avuto una piccola parte anche Riccardo Scamarcio. Per il Gran Prix, un ex aequo ai film Il ragazzo con la Bicicletta e One Upon in Anatolia. Delusione per gli italiani, unica consolazione il premio della Giuria Ecumenica per Sorrentino e le parole d’ammirazione di De Niro che ha definito il suo lavoro “molto interessante” e l’interpretazione di Piccoli “eccezionale”.

Ilaria Forastieri

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