miart 2022

Miart è una fiera in cui arte contemporanea, arte moderna e design in edizione limitata dialogano tra loro, proponendo a un ampio pubblico internazionale capolavori unici, dall’arte di inizio Novecento fino alle creazioni delle ultime generazioni.

Con le sue 151 gallerie provenienti da 20 Paesi, resta un appuntamento imprescindibile per il pubblico e i collezionisti italiani e internazionali alla ricerca di grandi capolavori del Novecento, delle ultime generazioni di artisti contemporanei e del design d’autore.

Con l’obiettivo di presentare una distribuzione degli spazi chiara e accessibile, per la prima volta le sezioni della fiera sono state divise in tre: Established, Decades ed Emergent.

ESTABLISHED

La sezione principale di miart ospiterà, per la prima volta insieme, gallerie che presentano i linguaggi della più stretta contemporaneità e gallerie che presentano opere realizzate nel corso del XX secolo, proponendo una selezione che spazia dai maestri dell’arte moderna alle produzioni nuove e recenti.  Il risultato è un mix coerente e ordinato che favorisce il dialogo tra gallerie e tra artisti, onorando la tradizione ma con uno sguardo sempre verso il futuro.

DECADE

A cura di Alberto Salvadori, Direttore, ICA, Milano; è la sezione che esplora la storia del XX secolo in una scansione per decenni. Ciascuno stand presenta – con una mostra monografica o tematica – un momento chiave che ha marcato il decennio in questione, in una successione dagli anni ’10 del secolo scorso agli anni ’10 del Duemila.

EMERGENT

A cura di Attilia Fattori Franchini, Curatrice Indipendente di Vienna; è la sezione riservata alle gallerie con un’attività espositiva focalizzata sulla promozione delle generazioni più recenti di galleristi e artisti.

Il principale obiettivo di questa edizione di miart è dare il via a una nuova fase caratterizzata dall’idea di movimento: il primo movimento di una nuova possibile sinfonia. Il riferimento alla musica classica non è casuale, ma è fonte di innumerevoli suggestioni, rappresentando il desiderio di un settore pronto ad allungare il passo, fare un salto in avanti, ma è anche un riferimento alla storia dell’arte e al susseguirsi nel tempo di movimenti che si sono intrecciati e che si influenzano reciprocamente. Lo stesso concetto fa da filo condutture dell’intero evento, ponendosi dunque al centro di una serie di iniziative e collaborazioni attivate da miart con partner e istituzioni appartenenti al mondo della musica, della danza e del teatro.

Miart si terrà dal 1 al 3 aprile presso Fieramilanocity. La fiera vuole essere un invito rivolto a galleristi, artisti, collezionisti e cittadini a muoversi insieme per l’obiettivo comune di realizzare una sinfonia possibile solo attraverso la collaborazione e la coesione tra saperi, gesti, mani, sguardi e, naturalmente, pubblico in sala.

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La mostra

Palazzo Reale inaugura a partire dal 23 febbraio fino al 5 giugno 2022 una mostra per celebrare l’immagine della donna nel Cinquecento nelle opere di Tiziano e di grandi celebri artisti suoi contemporanei quali Giorgione, Lotto, Palma il Vecchio, Veronese e Tintoretto. La mostra, il cui main partner è la Fondazione Bracco, è promossa e prodotta da Comune di Milano-cultura, Palazzo Reale e Skira Editore, curata da Sylvia Ferino e in collaborazione con il Kunsthistorisches Museum di Vienna.

L’esposizione – anticipa la curatrice – aspira a riflettere sul ruolo dominante della donna nella pittura veneziana del XVI secolo, un ruolo che non ha eguali nella storia della Repubblica o di altre aree della cultura europea del periodo. Le opere esposte sono circa un centinaio, di cui 47 dipinti, 16 di Tiziano, molti dei quali in prestito dal museo di Vienna. Oltre ai dipinti si aggiungono sculture, oggetti di arte applicata come gioielli, una creazione omaggio di Roberto Capucci a Isabella d’Este (1994), libri e grafica.

Un percorso esperienziale

Il fulcro dell’esposizione è l’immagine femminile declinata attraverso un confronto tra gli approcci artistici di Tiziano e quelli dei pittori suoi contemporanei. Il pubblico è invitato a immergersi in un viaggio nel tempo nella Venezia del Cinquecento, dove l’immagine della donna assume un’importanza mai ricoperta prima nella storia della pittura. All’epoca, infatti, le donne, pur non godendo di un’attiva vita politica o finanziaria, rivestivano un ruolo chiave nella vita sociale, legato in particolare al cerimoniale pubblico e alla potente Repubblica marinara.

Quello che si preannuncia è, dunque, un percorso in cui trionfano la bellezza, l’eleganza e la sensualità della donna, in cui la figura femminile viene idealizzata nei contorni dei volti della marchesa di Mantova Isabella d’Este o si carica di una bellezza allegorica sacra, eterea, come quella della Vergine col Bambino. I volti e gli sguardi delle donne dei dipinti esposti finiscono col travolgere lo spettatore, incantato dalla forza espressiva della personalità dei soggetti raffigurati.

La mostra è visitabile dal 23 febbraio al 5 giugno al Palazzo Reale di Milano.

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Il Mudec (Museo delle Culture di Milano) inaugura oggi 1 Ottobre 2019 la stagione autunnale, con il progetto Oriente MUDEC. Un viaggio nel cuore del Giapponismo attraverso materiale storico, artistico ed etnografico, testimone degli scambi reciproci tra Europa e Giappone a partire dal XIX secolo.

Mudec: due mostre, un unico obiettivo

Impressioni d’oriente. Arte e collezionismo tra Europa e Giappone, costituita da 170 opere tra dipinti, stampe, oggetti d’arredo e sculture. Una raccolta curata da Fleming Friborg, docente di storia dell’arte all’Università di Copenaghen, e Paola Zatti, conservatore della Galleria d’Arte Moderna di Milano. Sostenuti dal Comune di Milano-Cultura e da 24ORE Cultura-Gruppo 24 ORE, sarà aperta dal 1 ottobre 2019 al 2 febbraio 2020. Come lo sarà l’esposizione Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri (1585-1890), che segue alla precedentemente citata. Una collezione permanente che rivela i due momenti salienti del contatto tra i due mondi: la nascita delle ambascerie giapponesi e il primo museo giapponese in Lombardia.

I costumi di Madama Butterfly

Il percorso si estende lungo tutti gli spazi espositivi della sinuosa struttura del museo. Prima di accedere alle aule dedicate all’esposizione, è possibile ammirare una sezione dedicata all’anniversario dei 60 anni di Madama Butterfly alla Scala di Milano. Fu tra il 1901 e il 1903 che la tragedia giapponese prese vita grazie a Giacomo Puccini, diventando un mito della storia della lirica italiana. Con la gentile concessione del Teatro alla Scala, in mostra alcuni dei costumi di scena dipinti a mano e indossati da coloro che hanno interpretato Cio Cio San.

La relazione tra l’arte europea e quella giapponese

È tra il 1860 e il 1900 che la cultura occidentale viene profondamente affascinata dal Giappone, influenzandone le arti e i maggiori artisti italiani ed europei del periodo. Con una video installazione, appena entrati, insieme ad altre durante il percorso, viene messa in risalto la grande differenza tra i due mondi.
Uno schermo diviso a metà riprende scene di vita quotidiana che sembrano di epoche lontanissime, ma che poi appariranno più vicine che mai alla vista delle opere di Nittis, Rodin, Van Gogh, Toulouse-Lautrec. Opere nel segno del Giapponismo, termine col quale si intende l’interesse europeo verso tutto quello che era giapponese e non solo. Considerando questa terra come guida alla bellezza, o sogno di orizzonti inesplorati.
Ma come arrivò in Europa la scoperta di questa cultura? Con le Esposizioni Universali che ebbero luogo in quegli anni, diventando vetrine del colonialismo globale. Da lì il Simbolismo dell’Arts and Craft del periodo Liberty, caratterizzato dall’armonia di uomo e natura nelle arti applicate. Le nuove tecniche di artisti come Monet, Rodin, Cézanne e Van Gogh che a loro volta influenzarono il gruppo di giovani artisti chiamato Shirakaba. Creando un importante import/export artistico.
Anche in Italia il Giapponismo non lasciò indifferenti gli artisti o figure come Enrico Cernuschi, viaggiatore amante dell’arte che istituì un museo a suo nome. Il museo Cernuschi è attualmente tra i musei più importanti in Francia dedicato all’Asia Orientale. Persino a Palermo, con l’artista Vincenzo Ragusa e la moglie Tama Kiyohara, che cambiò il suo nome in Eleonora Ragusa. Lo scultore palermitano, insegnante di una scuola tecnica di Belle Arti a Tokyo, aprì a Palermo una scuola di acquerello, disegno, ricamo e laccatura.
Un’esperienza visiva ampliata al senso olfattivo grazie al partner Magna Pars Milano e il suo Laboratorio LabSolue Perfume Laboratory. Oud, Sandalo e Patchouli insieme a Gardenia, Gelsomino, Osmanto, Mandorlo, Nespolo e Ciliegio riecheggiano negli spazi comuni e possono essere acquistati al bookshop.

Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri

Il bookshop stavolta non indica la fine del percorso, bensì un nuovo ingresso, un tuffo nel passato, più precisamente tra il 1585 e il 1615. Quando il Giappone attraversò il suo periodo cristiano grazie alla Compagnia di Gesù e Alessandro Valignano, che portò in Italia i giapponesi convertiti al cristianesimo. Testimonianze di quel periodo le opere in esposizione dalle fattezze occidentali ma con tecniche giapponesi. Fu in seguito alle persecuzioni verso i cristiani che il Giappone assunse la politica di isolamento, e l’unico importatore divenne l’Olanda.
Riaperti i contatti con il mondo, nel 1853 grazie alle navi nere statunitensi, in Italia aprirono molti musei privati di arte giapponese. È questa la collezione esposta in Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri. Esemplari di porcellane Imari in rosso blu e oro, portantine riccamente decorate e armature di Samurai della collezione Giovanni Battista Lucini Passalacqua. Fu così che ricominciò un fiorente periodo per questa lunga relazione tra Europa, nonché Italia, e Giappone, di cui il Mudec è grande ambasciatore.
Informazioni utili:
MUDEC – Museo delle Culture di Milano (Via Tortona, 56)
01/10/2019 – 02/02/2020
Orari:
Lunedì 14.30 – 19.30
Martedì – mercoledì – venerdì – domenica 9.30 – 19.30
Giovedì e sabato 9.30 – 22.30
La biglietteria chiude un’ora prima dell’ultimo ingresso
 
di Pamela Romano

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Roy Lichtenstein sbarca al MUDEC di Milano con una mostra di circa 100 opere tra stampe, sculture e arazzi. Un’esposizione che dal 1° Maggio all’8 Settembre ci racconterà la vita artistica del grande maestro americano della Pop Art. L’arte di Lichtenstein ha sempre affascinato il mondo: dalla pubblicità, alla fotografia, al design e alla moda.

Roy Lichtenstein. Multiple visions

La mostra è curata da Gianni Mercurio, studioso dell’artista da oltre vent’anni, e promossa dal comune di Milano-cultura e da 24ORE Cultura – Gruppo 24 ore. Pensando a Lichtenstein ci balza subito alla mente tutto il mondo della Pop Art e degli anni ’50 americani. Roy Lichtenstein possiede infatti la capacità di reinterpretare in chiave pop oggetti, paesaggi e avvenimenti storici attraverso la sua passione per la grafica. Per tutta la sua carriera si dedica allo studio delle varie tecniche di stampa, utilizzando modalità e materiali diversi e innovativi. La sua idea di arte parte dalla creazione di un’idea originale, che sia lo studio o il bozzetto, per arrivare alla copia moltiplicata.

Il percorso

Il percorso della mostra è suddiviso nei temi e nelle diverse interpretazioni che l’artista dà ai vari soggetti e oggetti che rappresenta, da qui la scelta del termine “Visions”.
Ispirato a grandi artisti quali Picasso, Klee e Ernst, Roy Lichtenstein si addentra inizialmente in un mondo un po’ favolistico ed ironico. Ripropone così la realtà dei nativi americani e dei cow-boy, arrivando a rappresentare decorazioni, simboli e segni inventati ripresi dagli indiani d’America. Con l’inizio del consumismo, Roy Lichtenstein inizia a riprodurre oggetti, che diventano i protagonisti della Pop Art. Oggetti-non-oggetti come per la serie “Mirrors”, oppure oggetti-colore come quelli della serie “Still life”, dove appunto il colore assume un’importanza enorme.
Sicuramente la parte più famosa del suo repertorio artistico è l’action comics. Stampe che rappresentano guerra, azione e figure maschili contrapposte al sentimentalismo femminile di immagini statiche di donne. Immagini molto d’impatto e caratterizzate da un importante utilizzo del colore, che distoglie l’attenzione dal soggetto o dall’azione rappresentata. La mostra prosegue con la rappresentazione della donna: dalla casalinga felice a quella più emancipata e forte, nata con i primi movimenti femministi.
Con le ultime rappresentazioni di fumetti figurativi, Roy Lichtenstein si dedica per un periodo alla raffigurazione di paesaggi. Periodo in cui il repertorio cromatico dell’artista si amplia ed evolve moltissimo. Gli elementi dei paesaggi vengono raffigurati con una composizione di “Ben-Day dots”, che gli consente di raggiungere il punto più alto dei suoi studi e della sua ricerca. Infine troviamo il periodo più astratto dell’artista, in cui si dedica al tema della pennellata e arriva a realizzarla in modo tangibile con sculture in legno e bronzo.
Una mostra ben strutturata e interessantissima, che mostrerà una completa visione del repertorio artistico di uno dei più grandi maestri della Pop Art.
 
di Valeria Dalle Carbonare

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Arnaldo Pomodoro, la Fondazione

La Fondazione Arnaldo Pomodoro, palcoscenico del panorama artistico contemporaneo, presenta artisti under 40 rinnovando la scultura come pratica artistica e disciplina linguistica. La Fondazione ha scelto di destinare i propri spazi alla segnalazione di figure rilevanti all’interno del panorama artistico contemporaneo, riprendendo a organizzare cicli annuali di Project Room, iniziativa nata nel 2010. Ogni anno un diverso guest curator è incaricato di individuare temi e artisti – preferibilmente scultori under 40 – a cui viene richiesto di realizzare un intervento che coinvolga l’intero spazio espositivo.
Il primo appuntamento artistico è con Sophia Al-Maria e la sua opera “Mirror Cookie” a cura di Cloé Perrone, che propone altre due giovani artiste internazionali, Caroline Mesquita e Rebecca Ackroyd. Sono tutti talenti che utilizzano come espressione artistica la scultura all’interno di una pratica multidisciplinare, espandendone così la definizione stessa. La scultura, non essendo trattata come risultato ma come processo, diventa nel loro lavoro uno strumento per costruire ambienti in cui il visitatore è costretto a interfacciarsi con progetti che trattano fenomeni socio-culturali quali la misoginia, l’apocalisse e l’identità nazionale.

Sophia Al-Maria x Project Room

La Fondazione Arnaldo Pomodoro inaugura il 2019 con nuove mostre alla project room sotto la guida della guest curator Cloé Perrone. Per rinnovarsi, il comitato scientifico della Fondazione Arnaldo Pomodoro ha commissionato a tre figure internazionali under 40 lo spazio espositivo. La Project Room numero 10 è dedicata all’opera “Mirror Cookie” di Sophia Al-Maria.
Dal 14 marzo al 31 maggio 2019 l’artista qataro-americana porta alla Fondazione Arnaldo Pomodoro un’installazione composta da un video proiettato su uno schermo appoggiato su un boudoir, immerso in una stanza circondata da specchi. L’installazione “Mirror Cookie” raccoglie una serie dei cookies dell’attrice Bai Ling, riorganizzati in un monologo sconnesso che richiama la “tecnica dello specchio”, una pratica di rafforzamento dell’autostima. Un’improvvisazione appassionata consegnata alla macchina da presa, come se la “quarta parete” da abbattere fosse il proprio riflesso.
 
di Eleonora Pretta

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È il Perù il protagonista di quest’anno del progetto “Milano città mondo” curato da MUDEC e Ufficio Reti e Cooperazione Culturale del Comune di Milano. In particolare sarà la comunità peruviana al centro dell’attenzione, la più grande, proveniente dall’America, a risiedere a Milano. Apre così dal 16 Marzo al 14 Luglio 2019, la mostra interamente dedicata alle contaminazioni e ai rapporti tra i due paesi: Italia e Perù.

Italiani a Lima, Peruviani a Milano

La mostra apre con una presentazione dei legami tra i due paesi. Legami storici, culturali ed economici che hanno accompagnato e unito l’Italia e il Perù fino ai giorni nostri. I rapporti tra i due paesi partono dal 1500 arrivando al culmine verso la fine del XIX secolo, quando si contano 10.000 italiani in Perù. Verso la fine del ‘900, il Perù entra in una fase instabile e molti iniziano ad emigrare in tutto il mondo e anche in Italia. Per questa parte di esposizione vi saranno moltissime opere provenienti dalla Civica Raccolta Stampe A. Bertarelli, che rappresentano gli scambi culturali tra i due paesi.

La prima sezione è dedicata ad Antonello Gerbi, un Italiano in Perù

Gerbi è uno storico ed economista che con la Seconda Guerra Mondiali, in quanto ebreo, si vede obbligato a scappare. Trascorse 10 anni a Lima, in cui svolse importanti ricerche e si appassionò alla cultura peruviana tanto da diventarne un grande esperto conoscitore. Riconosciuto e apprezzato in tutto il Perù, conduce studi anche in Europa nelle più importanti città. Le sue opere, ricerche, attività e qualsiasi tipo di materiale sono quindi gentilmente concessi dalla famiglia Gerbi per questa stupenda ed interessantissima mostra.

La seconda sezione è dedicata a Jorge Eielson, un Peruviano in Italia

Jorge Eielson è un artista, scrittore e poeta peruviano che, alla ricerca di ispirazione e spinto dalla curiosità, parte per l’Europa. Dopo aver vissuto e girato tra le più importanti città europee e americane, decide di stabilirsi definitivamente a Milano. La sua arte rappresenta paesaggi naturali molto ispirati al suo paese d’origine, come le serie “Paesaggi infiniti della costa del Perù” e “Nodi”. Le sue opere sono molto personali, connesse ai ricordi d’infanzia e alla sua emotività.

La terza sezione è dedicata alle “storie in movimento”

L’ultima sezione racconta attraverso video-interviste la comunità peruviana a Milano, che è per numero la quarta comunità più grande in città. Vi saranno presentati i vari spostamenti, i legami familiari, le religioni, la continuità della loro cultura natale. Un interessante profilo attuale della comunità peruviana nella nostra città.
Il progetto Milano Città Mondo #04 Perù è stato inaugurato il 31 Gennaio con il Console generale del Perù, Augusto Salamanca. Ha un programma vastissimo ed interessantissimo, con mostre, conferenze, manifestazioni ed eventi. Alla scoperta del fantastico mondo peruviano che arricchisce la nostra Milano.
 
di Valeria Dalle Carbonare

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Nel meraviglioso mondo della natura, un “safari” nel cuore di Milano

Dal 13 marzo al 14 luglio nel cuore di Milano, a Palazzo Reale, e precisamente nella Sala delle Cariatidi, sarà possibile compiere uno straordinario viaggio “nel meraviglioso mondo della natura: una favola tra arte, mito e scienza”, organizzato in occasione dei cinquecento anni dalla morte di Leonardo da Vinci.
Si tratta di una mostra, o meglio, un’esperienza visiva e visionaria tra arte, storia, botanica e natura promossa da Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e 24 ORE Cultura-Gruppo 24 ORE, alla cui realizzazione hanno collaborato tantissime organizzazioni e istituzioni meneghine quali, per citarne solo alcune, il Museo di Storia Naturale, la GAM, il Civico Acquario e la Biblioteca Ambrosiana.

Il Ciclo di Orfeo: un gioiello dell’arte italiana e molto altro

L’originale progetto espositivo, curato da Giovanni Agosti, Jacopo Stoppa (storici dell’arte e docenti all’Università degli Studi di Milano) e dalla scenografa Margherita Palli, ruota attorno ad un’originalissima e poco conosciuta opera d’arte da anni conservata nella “sala del Grechetto” di palazzo Sormani: il Ciclo di Orfeo, una serie di grandi tele commissionate da Alessandro Visconti negli anni ’70 del ‘600 che raffigurano più di 200 specie di animali, autoctoni e non, reali o immaginari, dipinti a grandezza naturale.
A questo unicum nella storia dell’arte italiana faranno da cornice più di 130 esemplari tra mammiferi, rettili, uccelli e pesci che, assieme alla scenografia e alle luci (a cura di Pasquale Mari) realizzate appositamente per l’occasione, permetteranno allo spettatore di vivere un “safari” nel centro di Milano, vivendo un’esperienza ultrasensoriale unica e irripetibile.
Ad accompagnare le 23 tele allestite secondo l’antico assetto e la verosimile sequenza originaria con cui si doveva presentare per Palazzo Visconti ci saranno: opere figurative che hanno ispirato gli allestimenti, due punte di diamante della natura morta lombarda, la Canestra di frutta del Caravaggio e il Piatto metallico con pesche di Giovanni Ambrogio Figino, oltre ad un codice tardo gotico lombardo, l’Historia plantarum della Biblioteca Casanatense di Roma, con illustrazioni di piante e animali.
Durante tutto il periodo dell’esposizione vi sarà una raccolta fondi finalizzata al restauro del capolavoro seicentesco, e l’intervento di pulitura e consolidamento è già inserito tra quelli finanziabili dal MiBAC grazie all’Art Bonus.
ORARI:
Lunedì: 14.30–19.30; Martedì, mercoledì, venerdì e domenica: 9.30-19.30; Giovedì e sabato: 9.30-22.30
di Alessandra Baio

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Ingres, pittore rivoluzionario e contraddittorio, in mostra a Palazzo Reale

Dal 12 Marzo il Palazzo Reale di Milano apre le porte al pittore della Borghesia del 1800: Jean Auguste Dominique Ingres.

“Con il magnifico ritratto di Monsieur Bertin, Ingres mostra di essere l’unico uomo in Francia capace di far ritratti” (Charles Baudelaire).

Un attenzione maniacale, oltre quattromila fogli pervenuti sino ai giorni nostri, disegni a matita, acquerelli, la tela come fine ultimo: queste le caratteristiche di Ingres, pittore eccelso del 1800, le cui influenze neoclassiche e tipicamente rinascimentali furono gli strumenti allo scopo di raggiungere quel Bello Ideale promosso da Winckelmann.

L’artista

Influenzato dalla tradizione rinascimentale italiana e, in particolare, fiorentina, ponendo attenzione e restituendo valore al disegno, inteso come matrice primigenia dell’opera pittorica, Ingres arriva a Milano, con un’esposizione di circa 150 opere.
Amante della musica e della pittura di Raffaello, Ingres rappresenta parte integrante di un incrocio di storie che videro protagoniste l’Europa e l’Italia. Il pittore delle odalische, con la sua modernità, mostrò immediatamente un talento straordinario per il disegno. Nato nel 1780 a sud della Francia, nel 1797 è a Parigi, nella cerchia di David, fino ad arrivare a Roma nel 1806, per approfondire gli studi e la sua passione per Raffaello. Affezionato all’Italia deciderà poi di restarvi fino al 1824, per tornare più avanti a dirigere Villa Medici.
Testimone della “paradossale modernità del Neoclassicismo” (Marc Fumaroli) e delle sue tensioni e contraddizioni, in quella dualità solare e tenebrosa, la mostra di Ingres viene strutturata in diverse sezioni, per accompagnare i visitatori in un percorso dotato di senso e continuità e volto a far risaltare ogni sfaccettatura di un pittore tanto grandioso, quanto complesso.

La mostra

Realista e manierista al contempo, Ingres affascina tanto per le sue esagerazioni espressive quanto per il suo gusto del vero.
Nella prima parte dell’esposizione viene evidenziata l’invenzione di un nuovo linguaggio figurativo tra Ancien Régime e Rivoluzione Francese, che vide protagonista la cerchia di David, di cui Ingres fece parte a Parigi: un lessico di cori virili dotati di forza ed energia. Nella seconda parte il ritratto inizia ad acquistare una certa rilevanza. “L’uomo nuovo”, protagonista del tempo, cittadino esemplare e devoto ai suoi compatrioti, ne è il protagonista.
Nelle successive sezioni, l’Italia diviene protagonista, con alcuni famosi ritratti tra cui quelli di Appiani. Una sala è riservata alla figura di Giovanni Battista Sommariva, a partire dal ritratto di Pierre Paul Prud’hon e dalla Tersicore di Canova. Il percorso espositivo giunge così al solenne e magnifico ritratto di Napoleone in costume sacro.
Infine, ritratti maschili, Veneri ed Odalische accompagnano il visitatore al termine della mostra, che costituisce un percorso singolare e sorprendente, atto a raccontare un artista “inclassificabile”, erede di Raffaello e precursore di Picasso, maestro di “forma e di non-forma”, un rivoluzionario.
 
di Sara Pacella

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Magnetico, singolare, innovativo. Questi gli attributi che meglio descrivono il pittore che per primo seppe sintetizzare il Rinascimento italiano con le altre tendenze europee. Ci riferiamo ad Antonello da Messina, le cui 19 affascinanti opere sono esposte in mostra al Palazzo Reale di Milano sino al 2 Giugno 2019.

Una celebrazione tripartita

La mostra, prodotta da MondoMostre Skira, è declinata in tre parti, tutte accomunate dalla volontà di celebrare l’artista e le sue origini. La prima parte è dedicata alla vita di Antonello visto come “maestro”, la seconda è incentrata sulla Pala di San Cristoforo come testo capitale per la storia dell’arte italiana e sulla tela di Roberto Venturi, un vero e proprio omaggio al pittore. La terza parte è infine dedicata al rapporto di Antonello da Messina con la sua città natale e a ciò che rimane delle testimonianze sulla sua vita.

Alle origini dell’innovazione

La mostra è un’occasione unica per apprezzare appieno l’estro del pittore. Egli fu infatti capace di rappresentare i suoi soggetti con una maestria tale da fargli guadagnare la fama di più grande ritrattista del ‘400. Antonello da Messina si contraddistingue inoltre per essere stato il primo italiano a dipingere ad olio e per il suo stile all’avanguardia, in cui si ritrovano caratteristiche di più correnti. In primo luogo, ad esempio, il modo in cui gioca con la luce proviene dalla pittura fiamminga. Questa viene usata come elemento unificante, in grado di mettere in risalto soggetto e paesaggio allo stesso tempo. Secondariamente, l’arte fiamminga ha trasmesso all’artista la tendenza di fare ritratti di tre quarti, in netto contrasto con la tradizione italiana dell’epoca. Antonello da Messina divenne famoso e molto richiesto nelle coorti italiane; si narra infatti che una sua visita nel capoluogo lombardo fosse attesa fin dai tempi degli Sforza.

Opere iconiche con una guida d’eccellenza

L’essenza dello stile di Antonello da Messina è ben visibile attraverso le opere presenti nella prima sezione della mostra: “L’Annunciata”, sintesi dell’arte di Antonello, che proviene dal Palazzo Abatellis di Palermo; “il Ritratto d’Uomo” caratterizzato dall’enigmatico sorriso, prestato dalla Fondazione Culturale Mandralisca di Cefalù; “San Girolamo nello studio”, con i suoi particolarissimi colori e giochi di luce; e ancora, il famoso “Madonna col Bambino”, inviato dagli Uffizi. Infine, il singolare “Ecce Homo” nelle sue quattro differenti versioni. Durante il percorso, il visitatore è guidato alla scoperta della vita e delle opere di Antonello da Messina dallo storico Giovan Battista Cavalcaselle. Saranno i suoi disegni, taccuini, fogli e bozzetti ad accompagnare il pubblico alla scoperta dell’artista siciliano.

Una mostra frutto di grandi collaborazioni

L’esposizione è stata realizzata grazie alla preziosa collaborazione tra il comune di Milano-cultura, i musei più importanti d’Italia e del mondo che custodiscono le opere dell’artista, e la Regione Sicilia. MondoMostre Skira è invece l’editore che ha pubblicato uno speciale catalogo completo di tutte le opere del pittore. Questa partecipazione ha reso possibile ciò che è stato considerato l’evento culturale più rilevante nel panorama nazionale e internazionale del 2019.
Lo stesso livello di introspezione utilizzato da Antonello da Messina nello studio dei suoi soggetti è stato applicato nella presentazione dell’autore stesso. Per conoscere da vicino il pittore, dunque, e vivere un’esperienza artistica senza eguali, una visita a Palazzo Reale è vivamente consigliata.
 
di Gloria Lo Bue

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