Nel cuore pulsante di Napoli, tra cortili rumorosi e quartieri dimenticati, nasce una battaglia silenziosa. La Preside, la nuova serie diretta da Luca Miniero, è un inno al coraggio e alla rinascita, un racconto potente su chi sceglie di credere nella scuola come unica via di riscatto. Protagonista assoluta è Luisa Ranieri, magnetica e intensa, nei panni di Eugenia, una donna pronta a sfidare tutto, la criminalità, l’indifferenza, la paura, pur di restituire dignità e futuro ai suoi ragazzi.

Eugenia, la forza di un ideale

Eugenia non è una preside come le altre. A quarantasette anni, con un entusiasmo contagioso e un sorriso che cela la stanchezza del mondo, arriva all’Istituto Ortese, una scuola dimenticata nel cuore della città. Dove molti vedono un fallimento, lei vede un’occasione. La sua missione non è solo educativa, ma profondamente umana: insegnare ai ragazzi a immaginare un domani diverso, anche quando tutto intorno sembra condannarli. “Quando le cose sono così brutte, è facile immaginarsele più belle”: è la sua filosofia, semplice ma rivoluzionaria.

Napoli, teatro di contrasti e umanità

Miniero filma una Napoli che vibra di contraddizioni: bellissima e ferita, dura e poetica. Ogni corridoio dell’Ortese diventa un microcosmo di vite sospese, di sogni che tentano di sopravvivere tra assenze, povertà e speranze. La regia alterna momenti di grande realismo a sequenze di pura emozione, restituendo alla città la sua voce autentica, quella che sa unire dolore e vitalità in un’unica, irresistibile melodia. La scuola diventa così una metafora del Paese intero: un luogo fragile ma ancora capace di generare futuro.

Luisa Ranieri, intensità e grazia

Con La Preside, Luisa Ranieri conferma la sua potenza interpretativa. Il suo volto racconta più di mille parole: la determinazione di una donna che non vuole arrendersi, la dolcezza di chi sa ascoltare, la forza di chi continua a credere nei sogni altrui. Accanto a lei, Alessandro Tedeschi e Ludovica Nasti danno vita a personaggi veri, imperfetti, capaci di emozionare senza retorica. È un racconto corale che restituisce dignità e luce a chi troppo spesso resta invisibile.

Una lezione di coraggio e speranza

La Preside non è solo una fiction, ma un messaggio universale: la scuola come arma di libertà, la cultura come forma di resistenza. In un tempo in cui educare sembra un atto rivoluzionario, Eugenia ci ricorda che cambiare il mondo inizia da un’aula, da uno sguardo, da un gesto di fiducia. Una serie che emoziona, scuote e ispira, riportando al centro ciò che conta davvero: la possibilità, sempre, di rinascere.

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Per una critica poetica

Parlare di Sorrentino oggi è un po’ come parlare di un mostro sacro. Dal magistrale successo raggiunto con La Grande Bellezza (2013), Sorrentino ha sigillato con il suo volto, il suo nome e il suo stile una poetica cinematografica che riesce a svelare più o meno spiccatamente le pieghe dell’esistenza umana. Il nuovo film di Paolo Sorrentino ci mette di fronte all’evoluzione del suo modo di fare cinema, portando in scena il ricordo, a volte grottesco e onirico, della sua giovinezza trascorsa a Napoli negli anni Ottanta. Sorrentino torna nella sua città natale per raccontare le sue origini, la sua famiglia, il lutto della tragedia vissuta, l’amore e la crescita.

In un film che vuole porsi come un racconto autobiografico, ma che sa essere molto altro, risulta difficile muovere un giudizio a riguardo, per l’impossibilità stessa di avere un giudizio nei confronti di una vita che non ci riguarda in prima persona. Così Sorrentino ci lascia nello stupore di un cinema che non si sforza di scegliere tra forma e sostanza, ma riesce nell’impresa di farle coesistere in simultanea, in uno slancio creativo che non si ferma di fronte a ciò che sembra chiedergli il pubblico, riuscendo ad annodare insieme il tragico e il comico, il paradossale, il grottesco e il profondo del reale. In questo senso, È stata la mano di Dio, è un film emotivo che impone diverse letture perché la molteplicità di livelli da cui è composto sfugge a un rigido etichettamento o ad un inquadramento riduzionista. Il cinema di Sorrentino sa essere al contempo intimo ed estroverso, soggettivo e collettivo.

Al centro e sullo sfondo del film c’è la città di Napoli, con la sua esplosività, la sua tradizione, i suoi colori e i suoi paesaggi inconfondibili. E c’è anche Maradona, figura mistica, quasi sacra per i napoletani, elemento chiave che utilizza il regista per mettere in scena la sua storia, da cui tutto parte e a cui tutto ritorna.

«Maradona mi ha insegnato ciò che dico nel film, cioè che la perseveranza è la piattaforma necessaria per coltivare il talento, però lui nel mio immaginario è una figura religiosa. Non è facile apprendere dalle figure religiose, sono degli unicum, gli insegnamenti si prendono più da persone che pensi di poter imitare. Maradona non era imitabile, ecco».
(Paolo Sorrentino)

Un altro punto chiave del film è la famiglia e il rapporto del protagonista (Fabietto, interpretato da Filippo Scotti) con essa. La famiglia è il nucleo degli affetti. Rappresenta le radici che ci permettono dal basso di crescere verso l’altro. Così vengono narrate tutte quelle dinamiche familiari che ci marchiano inevitabilmente. Viene raccontato il rapporto con il fratello, con la zia (interpretata da Luisa Ranieri), con i genitori (Teresa Saponangelo e Toni Servillo) a cui il protagonista è legato da un affetto viscerale, troppo spesso dato per scontato.

Un’ulteriore chiave di volta è rappresentata dall’incontro che Fabietto ha con il regista Antonio Capuano, a seguito della tragica perdita dei suoi genitori. Il dialogo con lui è esemplificativo non solo di qualcosa che è stato importante nella vita di Sorrentino, in quanto uomo e regista, ma mette in luce anche il limite che la vita stessa ci impone ad un certo punto del nostro cammino. Proprio quando Fabietto è solo, spaesato e incapace di comprendere il senso delle ingiustizie che la vita gli ha riservato, il regista Antonio Capuano gli grida «non ti disunire!». Una frase semplice, ma che nasconde uno scrigno di letture. «Non ti disunire» è un invito ad affrontare la vita senza paura di aggredirla, attraversarla, ascoltarla e sfidarla; è un incoraggiamento, un monito da se stessi e per se stessi, per ricordarci di rimanere sempre fedeli a ciò che siamo, a dove veniamo, a chi vogliamo essere. È un modo per dirci di non abbandonare mai l’essenza che compone la nostra anima, di non cedere al dolore, alle avversità, a chi ci vuole diversi, a chi non ci capisce.

Tra scene intense e paradossali, inquadrature d’autore e tra le strade di una Napoli unica, È stata la mano di Dio è un film che nella sua delicata compostezza svela un Sorrentino diverso, attento a puntare i riflettori sull’interno più che sull’esterno, per uno sguardo interiore e introverso facendo luce sulle sue zone d’ombra e mettendo in scena una realtà che interroga la vita, e ne cerca la verità.

«Chissà se, nell’aldilà, è consentito andare al cinema. Così mia madre potrebbe vedere la lettera che le ho scritto, attraverso questo film. La lettera che sosta tutti i giorni nell’anima dei figli diventati grandi. Dove scriviamo, col pensiero e con le parole che non abbiamo detto, quella meraviglia che è stata o non è stata, ma che sempre rimarrà nella nostra vita sentimentale, l’idea di meraviglioso».
(Paolo Sorrentino)

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The deep blue sea al Teatro Manzoni: Luca Zingaretti e Luisa Ranieri

Il regista Luca Zingaretti (il commissario Montalbano, per gli amici) dirige sua moglie, la splendida Luisa Ranieri, in The deep blue sea di Rattigan, in scena al Teatro Manzoni fino al 26 febbraio 2020. Il dramma, considerato il grande capolavoro di Sir Terence Rattigan (che si definiva “un outsider, un omosessuale inquieto dell’upper middle class”) parla di passione, disillusione, di inquietudine, di matrimoni finiti e amori appena sbocciati, sullo scenario dell’Inghilterra borghese del Dopoguerra.

Una donna persa nelle tenebre delle proprie passioni, può ritrovare se stessa?

The deep blue sea racconta il giorno in cui la protagonista Hester Collyer, uno dei personaggi femminili più potenti di tutta la drammaturgia contemporanea, tenta di togliersi la vita inalando del gas. La donna si era trasferita da poco in uno squallido appartamento di periferia con il suo nuovo amante Freddie, dopo aver lasciato il marito, un facoltoso giudice dell’Alta Corte. La relazione con il giovane Freddie, ex pilota della RAF, nata sotto il segno di una focosa passione, si era immediatamente raffreddata a causa della situazione economica disastrosa dell’uomo e del suo alcolismo. Dopo il tentato suicidio della protagonista, il Dr. Miller, un misterioso inquilino, le darà una profonda lezione di speranza, e l’incontro tra queste due anime ferite, simili per aver troppo amato e troppo sofferto, ritroveranno, forse, l’uno nell’altro, la speranza di vivere.

Luisa Ranieri “regina” del palcoscenico

La regia di Zingaretti, pulitissima e stilisticamente molto elegante, lascia spazio alla “regina” della scena, Luisa Ranieri, e agli altri talentuosi membri del cast, Maddalena Amorini, Giovanni Anzaldo, Alessia Giuliani, Flavio Furno, Aldo Ottobrino, Luciano Scarpa, di esprimere tutta la loro bravura. Grazie alle scene e ai costumi di due professionisti come Carmelo Giammello e Chiara Ferrantini, la storia di Hester, ambientata nel 1952, sembra avere ancora molto da dire a noi abitanti del nuovo millennio che ancora non riusciamo ancora a comprendere la forza, salvifica e distruttrice, dell’amore.

di Alessandra Baio

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