Sabato alla London Fashion Week 2026, Chet Lo torna con una delle presentazioni più memorabili della stagione Autunno/Inverno 2026–2027. Lo trasforma la sfilata in un’esperienza immersiva ispirata ai vivaci night market di Hong Kong, unendo cultura popolare, comunità e memoria personale.

Ispirazione dai mercati notturni di Hong Kong

La collezione AW26 nasce da un’immersione sentita nei mercati notturni della città asiatica. Lo racconta di aver riscoperto quei luoghi attraverso gli occhi del partner, trasformando fascino cinematografico e sensazioni reali in un racconto visivo per la passerella. La pista si trasforma simbolicamente in un night market, evocando l’energia, la confusione visiva e i contrasti cromatici che caratterizzano questi luoghi iconici. 

Silhouette testurizzate e dettagli agili

La proposta di Lo è costruita attorno alle sue famose texture tridimensionali, in particolare maglieria a punte e pieghe studiate, trasformate in saldi statement dress, cardigan traforati e capispalla audaci. La palette spazia da toni inchiostro e rossi saturi a sfumature iridescenti, mentre i contrasti tra superfici lucide e materiche aggiungono profondità dinamica ai look. Pezzi come vesti spigolose, abiti semi-trasparenti con pannelli spiky e giacche strutturate conferiscono alla collezione un carattere forte ma sensuale. 

La passerella come esperienza comunitaria

Lo ha voluto rendere la sua sfilata un momento di celebrazione collettiva e inclusiva. Prima dell’inizio, gli ospiti potevano passeggiare tra diversi stand di artisti e creativi londinesi di origine asiatica, integrando la moda con artigianato, performance e dialogo creativo. Questo approccio sottolinea l’idea che la moda non sia solo estetica ma anche comunità, memoria e scambio culturale, un manifesto in cui lo show diventa spazio di connessione e supporto reciproco. 

Un ritorno significativo nel calendario LFW

Dopo una pausa dalla passerella ufficiale, il ritorno di Chet Lo alla London Fashion Week non è stato solo un momento di stile, ma una dichiarazione d’intenti: portare una narrazione personale e collettiva nella moda contemporanea, con radici culturali profonde e un’estetica sbalorditiva. La collezione AW26 evidenzia ancora una volta la capacità del designer di fondere heritage, sperimentazione e identità visiva in una visione coerente e potente. 

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Alla London Fashion Week Autunno/Inverno 2026, Julien Macdonald firma un ritorno spettacolare. La passerella si accende in cima a The Shard, trasformando lo skyline londinese in scenografia naturale. Un debutto che è dichiarazione di stile.

Un ritorno scenografico

Dopo alcune stagioni lontano dal calendario ufficiale, Macdonald sceglie un rientro ad alto impatto. La terrazza panoramica di The Shard diventa palcoscenico sospeso tra cielo e città, enfatizzando l’idea di moda come spettacolo. La scelta della location non è casuale: verticale, luminosa, iconica. Un contesto che amplifica l’estetica drammatica del designer e restituisce alla sua firma quella dimensione “wow” che lo ha sempre contraddistinto.

Silhouette scolpite e luce metallica

La collezione AW26 è una celebrazione del glamour senza compromessi. Abiti lunghi e sinuosi, silhouette scultoree e tagli cut-out costruiscono una femminilità audace. Sequins, cristalli e superfici metallizzate riflettono la luce della città notturna, creando un dialogo continuo tra materia e riflesso. Le trasparenze sono studiate, mai casuali: diventano strumenti di seduzione consapevole.

Red carpet attitude

Molti look sembrano nati per il red carpet. Il linguaggio è quello dell’eccesso controllato: drappeggi fluidi, spacchi profondi, dettagli scintillanti. Anche nella stagione autunno/inverno, Macdonald privilegia un guardaroba da sera potente, quasi performativo. È una donna che non teme l’attenzione, che abbraccia la teatralità e la trasforma in affermazione identitaria.

Glamour come dichiarazione

Con questa sfilata, Julien Macdonald riafferma il proprio DNA creativo. In un panorama spesso orientato al minimalismo, la sua proposta è un manifesto di massimalismo elegante. Il ritorno alla London Fashion Week non è solo presenza in calendario, ma riaffermazione di una visione precisa: la moda come spettacolo, come energia, come pura espressione luminosa.

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Durante la London Fashion Week Autunno/Inverno 2026, il brand Mithridate, sotto la guida creativa di Daniel W. Fletcher, ha presentato una collezione pronta-to-wear che intreccia riferimenti culturali, sartorialità ricercata e narrazione poetica. Un approccio che riflette le radici e l’evoluzione del marchio.

Radici culturali e simboli naturali

La collezione è stata presentata nel contesto della LFW con un’estetica fortemente connessa al simbolismo naturale: la glicine, con i suoi fiori pendenti e la sua storia millenaria, è diventata motivo centrale della narrativa visiva e delle stampe. Questo richiamo all’antica pianta, originaria da Guangzhou e presente anche nel tessuto culturale europeo, ha offerto una metafora suggestiva della crescita e della continuità creativa. 

Una passerella di quotidiano e fantasia

Le silhouette proposte mescolano elementi di vita reale con dettagli poetici. Si sono visti cappotti sartoriali, maglieria compatta e abiti essenziali affiancati a dettagli evocativi come charms ispirati alla pesca fluviale, stampe floreali e motivi che ricordano la natura lungo il Tamigi. I look sono stati presentati con coerenza concettuale e un equilibrio tra forma e funzione, suggerendo un guardaroba pensato per una femminilità moderna ma con riferimenti nostalgici. 

Il gioco del contrasto e dell’artigianalità

Mithridate ha costruito i suoi capi giocando con contrasti forti: tessuti strutturati in accostamento a lavorazioni più morbide, trame classiche rivisitate in chiave contemporanea e dettagli che trasformano ogni elemento in un punto di stile distintivo. Il risultato è una collezione che appare al tempo stesso sartoriale e personale, capace di raccontare un’estetica che va oltre la semplice funzionalità per avvicinarsi a una riflessione culturale e identitaria. 

Un ponte tra Oriente e Occidente

La visione di Fletcher per Mithridate continua a esplorare l’incontro tra influenze asiatiche e sensibilità occidentali. In passerella, l’equilibrio tra stampa, silhouette e simbolismo suggerisce una narrazione che travalica i confini geografici, ponendo l’accento sull’idea di destino creativo come forza che unisce culture e tempi. È un mondo dove il vestire non è solo estetica, ma dialogo tra storie e significati. 

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Sabato, alla London Fashion Week Autunno/Inverno 2026, il brand Keburia guidato dalla designer Ria Keburia ha portato in passerella una collezione intensa e teatrale. Un racconto visivo dove eleganza storica e spirito ribelle si incontrano.

Un set narrativo tra storia e ribellione

La sfilata si è sviluppata come una vera scena teatrale, trasformando la passerella in un universo drammatico. Keburia continua a esplorare un linguaggio visivo potente, dove il romanticismo si contamina con accenti grunge e riferimenti rock. L’atmosfera era immersiva, quasi cinematografica, con un’estetica che dialoga tra passato e presente. Il risultato è un equilibrio sofisticato tra nostalgia reinterpretata e provocazione contemporanea.

Silhouette audaci e dettagli inaspettati

La collezione Autunno/Inverno 2026–2027 si distingue per silhouette esagerate e costruzioni strutturate. Giacche d’ispirazione napoleonica, pantaloni a vita bassa con stampe botaniche, velluti profondi e inserti in pizzo creano un contrasto tra rigore e sensualità. Le texture, ricche e materiche, aggiungono tridimensionalità ai capi, mentre dettagli sorprendenti interrompono la linearità delle forme. Ogni look appare come un personaggio, parte di una narrazione più ampia.

Tra cultura pop e sartorialità

Keburia gioca con i codici della tradizione sartoriale, contaminandoli con suggestioni pop e underground. L’uso del colore e dei tessuti crea un dialogo tra classicismo e spirito urbano. La colonna sonora, intensa e dominata da chitarre distorte, ha amplificato il mood rock della collezione, trasformando la sfilata in un’esperienza quasi performativa.

Una voce distintiva nel panorama londinese

Con questa presentazione, Ria Keburia conferma il proprio ruolo come una delle voci più riconoscibili e indipendenti della scena londinese. La collezione AW26 non è soltanto una proposta di stile, ma una dichiarazione identitaria: un invito a interpretare la moda come spazio di espressione libera, emotiva e personale.

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Un ballo immaginario, un palcoscenico storico e una collezione che trasforma la tradizione in ribellione: il 21 settembre 2025, alla London Fashion Week, Simone Rocha porta in passerella la sua Spring/Summer 2026 e ribalta i codici della femminilità, raccontando l’attimo fragile e potente in cui una giovane donna affronta il confine tra adolescenza e vita adulta.

Il debutto che diventa narrazione

Nella cornice solenne di Mansion House, residenza ufficiale del Lord Mayor di Londra, la stilista irlandese ha scelto di presentare la sua nuova collezione intitolata Disgruntled Debutante. Un titolo che già svela l’anima del progetto: una debuttante che non accetta in silenzio le regole imposte, ma le mette in discussione con ironia e disincanto. Lo spazio, intriso di storia e potere istituzionale, ha fatto da contrappunto perfetto a una sfilata che parla di transizione, riti sociali e tensioni interiori, trasformando l’abito in un manifesto di identità.

Silhouette sospese tra infanzia e adultezza

La passerella ha visto sfilare gonne ampie, corpetti decorati e volumi teatrali, ma sempre contaminati da dettagli dissonanti: trasparenze plastiche, pieghe rigide, fiocchi giganti e accessori che sembravano rubati a un gioco infantile. L’immaginario del ballo di debutto è stato decostruito con tocchi di modernità e fragilità, alternando delicatezza a forza, romanticismo a irriverenza. La palette cromatica ha accostato bianchi e rosa cipria a lampi di verde smeraldo e accenti lime, creando un equilibrio perfetto tra sogno e inquietudine.

Beauty come dichiarazione di stile

Il make-up, firmato da Thomas de Kluyver, ha trasformato le modelle in vere e proprie tele viventi: labbra ultra-glossy, decalcomanie floreali e dettagli glitterati hanno reso il trucco un accessorio narrativo, capace di esprimere le contraddizioni emotive del tema. Le pettinature, volutamente imperfette, hanno accentuato la sensazione di un’apparenza formale incrinata da piccole ribellioni. Era chiaro che Rocha non voleva mostrare la “deb” impeccabile, ma una figura viva, in bilico tra emozione e pressione sociale.

La rivoluzione romantica di Simone Rocha

Il momento clou della collezione è stato la presentazione della collaborazione Simone Rocha x Crocs: la Ballerina Platform, in nero e oyster, che ha portato in passerella un’inaspettata commistione tra ironia pop e tradizione couture. Un gesto che sintetizza il messaggio della stilista: la moda non è mai statica, ma un linguaggio che mescola mondi lontani per parlare al presente. Con SS26, Rocha ha firmato una collezione che è allo stesso tempo poesia e protesta, lasciando al pubblico una riflessione potente: la femminilità non è un ruolo da recitare, ma un territorio da esplorare con coraggio.

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Richard Quinn ha presentato la sua collezione Spring/Summer 2026 in una serata che profuma di opera, dramma e pura teatralità. Il 20 settembre 2025, nel suggestivo spazio di Smith Square Hall, il designer ha trasformato la passerella in un anfiteatro di emozioni, dove ogni abito, ogni piega e ogni decorazione diventano parte di un grande spettacolo. La bellezza diventa rituale, la moda diventa memoria: Quinn conferma di essere non solo un creatore, ma un narratore di sogni.

Teatro, romance e glamour operistico

La scenografia è da fiaba: bouquest di ortensie rosa e bianche alte come colonne, lampadari di cristallo che pendono come pendule di luce, un’orchestra dal vivo e un coro che avvolge l’ambiente creando tensione e magia. Il pubblico attende tra pareti solenni, un sottofondo di attesa vibrante che esplode nel momento in cui Naomi Campbell appare in passerella, aprendo lo show con un abito di velluto nero dalla collarina ampia in raso bianco e un camelia gigante al petto. È come se si aprisse il sipario di un rito antico, dove glamour, memoria e spettacolo si intrecciano.

Silhouette grandiose e dettagli preziosi

Quinn non tradisce le sue cifre stilistiche: abiti principeschi, bouffant drammatici, fiocchi enormi, tessuti riccamente decorati. Ma c’è un’evoluzione evidente: una maggiore attenzione alla raffinatezza dei tagli, alla proporzione, ai drappeggi studiati. Colori scuri, nero, rosso profondo, dominano l’inizio, ma la palette si alleggerisce con tonalità cipria, azzurro pastello e lilla, soprattutto nelle gonne svolazzanti o nei capi in chiffon stampato. Rose, camelie e fiocchi diventano leitmotiv visivi: un filo rosso che lega creazioni opulente con la delicatezza romantica.

Romanticismo moderno che parla al presente

Non è solo nostalgia per epoche di couture classica: alla base della collezione c’è la volontà di riportare quel romanticismo in una chiave contemporanea. I volumi sontuosi convivono con tagli che lasciano respirare il corpo, le trasparenze dialogano con armature leggere, mentre il trucco teatrale trova equilibrio con dettagli minimali che conferiscono al tutto leggerezza. È un romanticismo che non si nasconde dietro la decorazione fine a sé stessa, ma ambisce a toccare corde intime, far vibrare sensazioni e risvegliare desideri di bellezza.

Un manifesto estetico che lascia il segno

Alla fine dello show, resta l’impressione di aver assistito non solo a una collezione, ma a un’esperienza estetica completa. Richard Quinn conferma il suo ruolo di maestro del glamour operistico, ma anche di designer capace di evolversi: raffinando la teatralità senza rinunciare all’impatto, bilanciando il superlativo con la proporzione, la ricchezza con l’armonia. SS26 è la prova che il romanticismo, se ben costruito e sentito, può ritornare potente e contemporaneo, non come revival, ma come visione.

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Il 20 settembre 2025, nell’ambito della London Fashion Week SS26, Patrick McDowell ha trasformato la passerella in un racconto di moda consapevole e raffinata. Il giovane designer britannico ha saputo fondere etica ed estetica in un’unica visione, offrendo al pubblico un’esperienza che è molto più di una semplice sfilata: un viaggio nel futuro del lusso, dove bellezza e sostenibilità camminano insieme con forza e naturalezza.

Moda circolare e lusso consapevole

La filosofia di McDowell parte dall’idea che i capi debbano durare e trasformarsi con chi li indossa. Nella SS26 questo concetto prende forma attraverso materiali pregiati e un design pensato per vivere oltre il tempo della stagione. Ogni abito è costruito con attenzione sartoriale e visione innovativa, raccontando una moda che non si consuma, ma evolve. È lusso vero, fatto di valore, di cura e di responsabilità, che innalza la sostenibilità al livello più alto dell’eleganza.

Contrasti che diventano armonia

In passerella le silhouette giocano con opposti che si attraggono: tailoring deciso e linee fluide, rigore geometrico e drappeggi delicati, austerità spezzata da dettagli luminosi e glamour. La collezione esplora la dualità tra forza e fragilità, restituendo un’immagine contemporanea e libera da etichette. La donna e l’uomo di McDowell non sono stereotipi, ma individui autentici che esprimono se stessi con potenza e sensibilità, indossando abiti che diventano estensioni della propria personalità.

Estetica visionaria e linguaggio culturale

Non è solo moda, ma un linguaggio che dialoga con l’arte, la società e il tempo in cui viviamo. Ogni look porta con sé un messaggio di inclusione e consapevolezza, in cui il glamour non è mai fine a sé stesso, ma diventa strumento per comunicare. Le scenografie essenziali hanno lasciato spazio ai capi, capaci di parlare da soli e di conquistare con la loro forza silenziosa. McDowell ha dimostrato che la bellezza autentica non ha bisogno di eccessi: basta la coerenza di una visione chiara e coraggiosa.

Una consacrazione internazionale

Con questa collezione Patrick McDowell firma la sua consacrazione, confermandosi come una delle voci più autorevoli della nuova moda britannica. La SS26 non è soltanto un traguardo, ma un punto di partenza per una carriera che guarda lontano, fondata sull’idea che il futuro del lusso sia inclusivo, sostenibile e profondamente umano. Londra ha applaudito con convinzione un designer capace di ridisegnare le regole e di trasformare la passerella in un manifesto di stile e di cambiamento.

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Il 19 settembre 2025, all’interno della London Fashion Week, Noon By Noor ha svelato la sua collezione Spring/Summer 2026 nella prestigiosa cornice di Somerset House. Il marchio fondato dalle cugine Shaikha Noor Al Khalifa e Shaikha Haya Al Khalifa ha portato in passerella una visione che unisce sartorialità impeccabile e femminilità discreta, interpretando la moda come un equilibrio armonico tra rigore e leggerezza. È stata una sfilata che ha confermato il carattere internazionale del brand e la sua capacità di parlare a un pubblico cosmopolita, attento ai dettagli e alla ricerca di un’eleganza senza tempo.

Femminilità che incontra il tailoring

La collezione si distingue per la sua capacità di giocare sui contrasti: blazer maschili e pantaloni ampi convivono con bluse delicate e dettagli femminili che addolciscono le linee. Le silhouette sono fluide, ampie, pensate per accompagnare i movimenti, senza perdere in raffinatezza. Noon By Noor ha saputo costruire una narrazione in cui il tailoring non opprime, ma libera, trasformando la struttura in uno strumento di espressione. Ogni capo racconta l’idea di una donna che sa essere forte e vulnerabile, sofisticata e naturale allo stesso tempo.

Tessuti e lavorazioni di pregio

Un altro tratto distintivo della collezione è la cura dei materiali: tessuti leggeri e impalpabili si alternano a texture più strutturate, creando un dialogo tra leggerezza e solidità. Il knitwear fine si combina con tessuti jacquard, mentre giochi di layering e dettagli volutamente sfrangiati conferiscono un senso di movimento e profondità. È una moda che si percepisce anche con lo sguardo, fatta per essere non solo indossata, ma anche vissuta. Ogni scelta materica diventa un segno di identità, un modo per raccontare attraverso il tatto e la forma la visione contemporanea del brand.

Una palette cromatica sofisticata

La passerella è stata dominata da tonalità neutre e naturali: bianco latte, beige, sabbia e avorio hanno creato un’atmosfera rilassata, punteggiata da accenti più intensi che spezzavano la continuità cromatica con eleganza. Questo minimalismo cromatico non è mai apparso piatto, ma al contrario ha dato forza ai tagli e alle silhouette, esaltando il lavoro sulle forme. È come se la tavolozza scelta avesse il compito di incorniciare i dettagli sartoriali, permettendo allo spettatore di concentrarsi sulla costruzione e sull’armonia complessiva dei look.

Un linguaggio sobrio ma potente

Noon By Noor ha confermato ancora una volta la sua filosofia: la moda non ha bisogno di eccessi per essere memorabile. Lo show è stato essenziale, privo di scenografie urlate, ma ogni capo ha saputo parlare da solo, con sobrietà e forza allo stesso tempo. È un linguaggio che invita a guardare con attenzione, a cogliere la bellezza nei dettagli, a leggere l’eleganza come un’esperienza quotidiana piuttosto che come ostentazione. La collezione Spring/Summer 2026 ha così consolidato l’identità del brand come punto di riferimento per chi cerca uno stile raffinato, contemporaneo e intriso di una femminilità naturale e discreta.

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Il 19 settembre 2025, alla London Fashion Week, Paul Costelloe ha presentato la sua nuova collezione Spring/Summer 2026 trasformando la passerella in un viaggio emozionale che fonde nostalgia e modernità. Un omaggio alle atmosfere anni ’60 reinterpretate con uno stile fresco, sofisticato e sorprendentemente attuale. Tra tessuti leggeri, linee essenziali e dettagli couture, il designer irlandese ha dato vita a un racconto che celebra la femminilità, ma con uno sguardo ironico e contemporaneo.

Un ritorno agli anni ’60 con spirito contemporaneo

La nuova collezione di Paul Costelloe è un vero e proprio viaggio nel tempo che porta in passerella lo spirito libero e rivoluzionario degli anni ’60. Le silhouette svasate e i tagli mini richiamano immediatamente quell’epoca di cambiamento e di emancipazione femminile, ma vengono rivisitati con dettagli moderni e proporzioni raffinate. Ogni capo sembra dialogare con il passato senza mai cadere nella nostalgia, perché la mano del designer riesce a trasportare le suggestioni di un decennio iconico in una dimensione attuale e sofisticata. I riferimenti vintage diventano spunti per un racconto che parla di contemporaneità, rendendo la collezione accessibile e desiderabile per una donna di oggi che vuole sentirsi elegante senza rinunciare alla propria libertà.

Il fascino delle “bambole spezzate”

Tra i leitmotiv della collezione, il tema delle “broken dolls” ha catturato l’attenzione del pubblico e della critica. Costelloe utilizza questa immagine evocativa per riflettere sul contrasto tra fragilità e forza, traducendolo in forme e colori che oscillano tra leggerezza e rigore. Abiti che all’apparenza sembrano rigidi si aprono in movimenti fluidi, tinte delicate vengono improvvisamente interrotte da sfumature più cupe, come a voler mostrare le crepe di un’anima che si ricompone. Non è solo moda, ma un messaggio: la perfezione assoluta non esiste e la bellezza autentica nasce proprio dalle imperfezioni. Con questa scelta estetica, il designer trasforma la passerella in un racconto poetico e potente, che invita a celebrare la diversità e l’unicità.

Tessuti preziosi e palette sofisticata

La cura dei dettagli emerge con forza nella scelta dei tessuti, che diventano protagonisti della collezione. Sete impalpabili, cotoni strutturati e jacquard luminosi danno vita a capi che esaltano la tradizione sartoriale, ma con una leggerezza che guarda al futuro. La palette cromatica è un gioco raffinato di contrasti: bianco latte, cipria e azzurro polvere evocano dolcezza e delicatezza, mentre i rossi intensi e i neri decisi spezzano la continuità, regalando dinamismo e carattere. Ogni tessuto scivola sulla pelle come un abbraccio di eleganza, ogni tonalità sembra scelta per raccontare emozioni. Il risultato è una collezione che non si limita a vestire, ma a comunicare uno stile di vita fatto di equilibrio, sofisticazione e forza interiore.

Una sfilata che racconta Londra

La passerella di Paul Costelloe non è solo un evento di moda, ma anche un tributo vibrante a Londra, città che da sempre ispira il suo lavoro. La capitale britannica, con il suo mix di tradizione e modernità, è rispecchiata negli abiti: da un lato la classicità delle linee sartoriali, dall’altro l’audacia di dettagli contemporanei che richiamano lo spirito cosmopolita della metropoli. Ogni outfit sembra portare con sé un frammento della città, dalle atmosfere eleganti dei quartieri storici alle vibrazioni frenetiche delle nuove generazioni creative. Con questa sfilata, Costelloe riafferma il suo ruolo centrale alla London Fashion Week e conferma la capacità della moda di farsi linguaggio universale, capace di raccontare non solo estetica ma anche identità culturale e sociale.

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Dal 12 al 14 giugno in edizione phygital

Dal 12 al 14 giugno la settimana della moda londinese farà da capofila alla presentazione delle novità estive del prossimo anno. Le collezioni uomo e donna daranno spettacolo prevalentemente online sul sito, a cui si affiancherà qualche evento in presenza nel rispetto delle misure anti-covid. 

Ambiente, persone, comunità & artigianato

Il British Fashion Council ha annunciato le date e le modalità in cui si svolgeranno questo giugno entrambe le collezioni maschili e femminili Primavera/Estate 2022. Nel rispetto delle misure anti-covid previste dal governo, gli eventi saranno prettamente digitali e fruibili sul sito. Tra questi, l’evento online del 10 giugno Institute of Positive Fashion Forum (Ipf Forum), che darà letteralmente voce ai protagonisti del Fashion System. Una serie di talk e discussioni di gruppo porranno l’accento sulle parole chiave legate alla moda ecosostenibile: ambiente, persone, comunità & artigianato. Tra i partecipanti, i CEO di importanti marchi come Marco Gobbetti di Burberry, Emmanuel Gintzburger di Alexander McQueen e  Nicolaj Reffstrup di Ganni. E ancora, Virgil Abloh e il fondatore di Parley for the Oceans, Cyrill Gutsch.

La mattina del 12 giugno Clearpay, partner della Fashion Week londinese, inaugurerà l’inizio delle presentazioni con la performance “Everything Is Temporary” di Sakeema Peng Crook. E lo stesso giorno inizierà la serie di appuntamenti con il DiscoveryLab, che insieme a Tony & Guy dà spazio ai nuovi talenti. Tra questi Maxime, Chloe Baines, Shek Leung e Djokic. In calendario sono anche molti i nomi di stilisti emergenti. Sabato 12 giugno sarà l’occasione di Bethany Williams, Staxx, Lyph, Qasimi e Reuben Selby con uno show in presenza. Il giorno dopo è invece la volta, tra gli altri, di Preen by Thornton Bregazzi e Dilara Findikoglu. A chiudere il cerchio lunedì 14 ci pensano Published By, Ahluwalia, Per Götteson, Robyn Lynch, Jordanluca, Nicholas Daley e Ben Sherman per Team GB.

Auroboros e gli indumenti digitali

Uno degli aspetti più interessanti di questa London Fashion Week è la presenza di Auroboros tra i marchi in calendario. É infatti la prima volta che un marchio di abbigliamento digitale viene presentato durante un evento di moda ufficiale. Ultimamente sono infatti tanti i brand che si rivolgono alla tecnologia per creare qualcosa di innovativo e che si avvicini al pubblico dei più giovani.

Tra gli avatar di Sunnei e Balenciaga e i videogiochi di Gucci, il mondo del gaming è sempre più correlato a quello della moda. Ma oltre al divertimento entra in gioco anche una maggiore funzionalità ed ecosostenibilità data dall’innovazione 2.0. Per esempio Prada, in collaborazione con Farfetch, ha dato avvio a una serie di sperimentazioni per introdurre dei camerini virtuali per il pubblico di Snapchat. 

L’idea di Auroboros nasce dalla genialità di un duo creativo formatosi in ambito artistico londinese. Paula Sello ha infatti studiato moda alla University of the Arts London e sociologia alla University of London Goldsmiths. Alissa Aulbekova invece ha frequentato la celebre Central Saint Martins di Londra nell’ambito del design. E proprio questo background artistico, associato a una formazione autodidatta, le ha portate a elaborare il marchio di moda digitale che debutterà il 12 giugno.

Un debutto che prevedrà il coinvolgimento di modelli fisici che indosseranno tuttavia 14 articoli virtuali. E il pubblico, oltre che spettatore, potrà testare di persona la tecnologia Snapchat messa in campo dal marchio. Sarà sufficiente inviare una propria foto ad Auroboros, che modellerà l’item richiesto rispedendo la foto modificata al mittente, pronta per essere pubblicata sul web. 

Tra ecosostenibilità, stilisti emergenti e moda intangibile questa London Fashion Week ci offrirà una piccola finestra sulla moda del futuro. Stay tunedl!

di Greta Masè

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