Un anniversario importante

Avviene quest’anno la ricorrenza dei 100 anni dalla morte del musicista originario di Lucca, e Opera Meets New Media ci racconta la sua storia con tanto di abbozzi inediti riguardanti la sua opera maestra: la Turandot. Si apre così una mostra multimediale basata sulla transizione e mediazione tra la lirica e la comunicazione dell’epoca. Quest’evento, peraltro, è stato realizzato a Berlino, e adesso sta facendo il giro dell’Europa con tappa obbligatoria proprio a Milano, nel cuore della musica. L’esibizione sarà dunque possibile visitarla a partire dal 24 ottobre fino al 12 gennaio del prossimo anno. 

Il Novecento

Si parla di un secolo che ha vissuto trasformazioni culturali e musicali significative, grazie proprio all’ingresso di quella tecnologia che sarà destinata a trasformare la vita delle persone, fino ad arrivare all’utilizzo che ne facciamo al giorno d’oggi. Una tra queste è proprio il grammofono, inventato da Berliner nel 1887 (su base del brevetto del fonografo, famoso in tutto il mondo grazie ad Edison) e destinato a rivoluzionare l’ascolto della musica (ma non solo) nelle case delle persone. L’opera entra a far parte della vita quotidiana e ci si inizia ad appassionare e a coltivare l’hobby della musica classica. In questo panorama, peraltro, Puccini incarna un nuovo mito, quello di una leggenda vivente capace di trasformare il suono in melodia, ed ecco che viene sacralizzato come icona musicale durante i suoi anni di attività.

La mostra 

All’inizio compare un modello digitale del musicista ritratto all’età di 42 anni, per poi essere seguito da sezioni dedicate al suo lavoro che esaltano le scenografie della Turandot, opera sfortunatamente rimasta incompiuta dall’artista. Non manca anche una carrellata di immagini fotorealistiche, queste realizzate con una tecnica tridimensionale che fa apparire le figure in un movimento continuo agli occhi dello spettatore. In questo modo, si parte dalla prospettiva artistica del secolo scorso fino a giungere ad un taglio più fresco e contemporaneo, in maniera tale che anche i più giovani possano appassionarsi e riconoscersi nelle forme di espressione presentate.

La nuova mostra si evince essere informativa a 360 gradi circa il personaggio e il repertorio musicale del compositore. Non mancheranno, infatti, gli aggiornamenti e le novità riguardanti l’evento per chi dovesse essere interessato ad approfondire la sua esperienza in merito.

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Venerdì 4 ottobre, alle ore 11.30, presso la sede di Amici del Loggione della Scala di Milano, si terrà la conferenza stampa di presentazione della Tosca di Giacomo Puccini, che andrà in scena domenica 6 ottobre alle 17:00 al Teatro Lirico Giorgio Gaber di Milano. Questa versione sperimentale dell’opera è una produzione del progetto InOpera Factory e Liric-Up! di Giorni Dispari Teatro Aps di Varese, realizzata in collaborazione con Fondazione Milano Europa, la Scuola Civica di Musica C. Abbado, il Comune di Milano e con il sostegno di Openjobmetis S.p.a., agenzia per il lavoro attiva da oltre vent’anni.

La Tosca proposta da Giorni Dispari Teatro è un’opera alternativa, fortemente incentrata sul tema ecologico: la protagonista, simbolicamente plastificata, sembra destinata a soffocare nella plastica, rappresentando un mondo distorto e distopico che riflette le problematiche contemporanee. Dopo 124 anni dalla prima rappresentazione al Teatro Costanzi di Roma, l’opera di Puccini diventa portavoce della coscienza ambientale, attraverso scenografie e costumi interamente realizzati con plastica e materiali riciclati.

Non solo l’inquinamento del pianeta è al centro dell’interpretazione, ma anche il degrado e la perdita di valori della società odierna. Serena Nardi, regista e direttrice artistica del progetto InOpera Factory, spiega: «Viviamo in una plastificazione totale della nostra vita, non solo dell’ambiente che abitiamo, e la plastificazione sta diventando anche uno status interiore dell’individuo. I rapporti personali sono incolori e inodori come la plastica e avvengono sempre di più attraverso strumenti di plastica come smartphone, computer e tv, che ci stanno assuefacendo alla plastificazione dei contenuti sin dalla loro nascita».

Questo progetto segna il ritorno dell’opera al Teatro Lirico di Milano, progettato da Giuseppe Piermarini e costruito insieme alla Scala per creare una rete teatrale cittadina. Dopo aver ospitato molte prime importanti, come La bohème e L’elisir d’amore, e dopo decenni di assenza del genere, il teatro torna ora a proporre l’opera lirica, con la Tosca che rappresenta il primo evento lirico dalla riapertura del teatro nel 2021. Fa parte del Progetto LiricOpera, che continuerà con altre programmazioni.

La parte musicale dell’opera è affidata all’Orchestra Sinfonica Menotti, diretta dal maestro Riccardo Bianchi, mentre il Coro KorMalta e il Coro CEM Fondazione Milano sono diretti dal maestro Francesco Grigolo. Alla regia, scenografia, costumi e luci troviamo la stessa Serena Nardi, che dirige un cast di interpreti di alto livello: Renata Campanella, Diego Cavazzin, Nicola Ziccardi, Massimiliano Catellani, Albert Buttigieg, Imanol Laura e Agata Geremia. 

Con Tosca, il Teatro Lirico Giorgio Gaber si conferma luogo di sperimentazione culturale e artistica, capace di unire la tradizione del melodramma italiano con una riflessione critica sul presente, invitando il pubblico a guardare al futuro con maggiore consapevolezza.

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Un disprezzo che si trasforma in ammirazione

Lo spettacolo è in scena dal 22 al 26 maggio 2024 al Teatro Strehler di Milano. Al centro della narrazione, un dandy molto raffinato, elegante, che inizialmente non sembra apprezzare più di tanto la musica dell’artista Puccini. Un giorno, inaspettatamente, si innamora di una donna che riesce ad allontanare questo pregiudizio e che col tempo riesce a farlo appassionare alle note musicali del grande musicista. Il dandy si ricrede, mette da parte il suo snobismo e inizia ad apprezzare questa melodia che lo travolge, lo incanta e gli spiega l’essenza dell’amore. 

Si assiste a una vera e propria metamorfosi, a un conflitto e a un contrasto interiore che culmina nella commozione. L’interpretazione di Toni Servillo viene resa ancora più straordinaria dall’Orchestra Sinfonica di Milano. Il pubblico può assistere a un vero e proprio viaggio musicale sulle intramontabili note di Puccini.

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Un baule misterioso, una collezione preziosa, un’opera lirica che ha fatto la storia. Tutto questo e molto di più è racchiuso nella mostra Turandot e l’Oriente fantastico di Puccini, Chini, Caramba, che inaugura magistralmente la riapertura del Museo del Tessuto di Prato e che sarà visitabile dal 22 maggio al 21 novembre 2021. Un percorso in tre parti nel quale si intersecano le storie dell’artista e scenografo Galileo Chini, del costumista Luigi Sapelli in arte Caramba, e del maestro Giacomo Puccini, uniti dal fil rouge di un’opera che vive di un sogno chiamato Oriente.

Turandot e l’Oriente fantastico di Puccini, Chini, Caramba al Museo del Tessuto di Prato

È il 2018. La Conservatrice del Museo del Tessuto del Prato, Daniela Degl’Innocenti, riceve un misterioso baule contenente alcuni abiti di scena di inizio ‘900. Il baule era appartenuto a una grande soprano degli anni ‘20 e ‘30, Iva Pacetti, nativa della stessa Prato. Non passa molto tempo prima che Degl’Innocenti si renda conto di che cosa ha di fronte. Tessuti laminati, modelli a kimono, una manica decorata con un magnifico pavone: un immediato confronto con fonti d’epoca, fra cui i figurini e gli inventari del Teatro alla Scala di Milano, non lascia dubbi. Quelli sono gli abiti della Principessa di Ghiaccio, Turandot, realizzati per la prima assoluta dell’omonima opera di Giacomo Puccini andata in scena alla Scala il 25 aprile del 1926.

Da quel momento, ha inizio la genesi di una mostra che richiederà tre anni di tempo per essere aperta, complice anche il ritardo dovuto a una pandemia. Da quei costumi parte infatti un percorso che porta Degl’Innocenti e lo staff del Museo del Tessuto a ricercare la relazione fra il loro creatore, il costumista Caramba, primo vero costumista del Novecento, Giacomo Puccini e Galileo Chini, ovvero colui che realizzò le scenografie della Turandot. Scenografie che rappresentano da un lato un tripudio di stile Liberty, di cui l’iconica corona di Turandot è il simbolo per eccellenza; dall’altro, la fascinazione di Chini per l’Oriente, da lui vissuto per ben tre anni alla corte di Re Rama VI in Siam (l’odierna Thailandia).

Un tuffo in un regno incantato

Suddivisa in tre parti, la mostra Turandot e l’Oriente fantastico è un vero e proprio viaggio, un’immersione in un’atmosfera fra il sogno e la realtà mentre si viene trasportati sì in un’altra epoca, ma anche in un altro mondo.

La prima parte della mostra è dedicata proprio al Siam di Galileo Chini, che arriva fino a noi tramite la collezione di oggetti, abiti e manufatti da lui riportati al termine del suo viaggio. Grazie alla collaborazione con il Museo di Antropologia e Etnologia di Firenze e della Curatrice Monica Zavattaro, la collezione di Chini fa da anticamera e da contesto alla parte dedicata alla Turandot, con maschere, ceramiche e dipinti dello stesso artista che anticipano i motivi, i disegni e i colori della messinscena pucciniana.

Proseguendo nell’esibizione, il mondo della Principessa di Ghiaccio si apre di fronte al visitatore. Tele provenienti dalla Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti rimandano ancora all’universo siamese vissuto da Chini, ricco di commistioni con le culture cinesi, giapponesi e indiane. Dall’Archivio Storico Ricordi provengono inoltre i bozzetti finali delle scenografie della Turandot, dove viene mostrato lo sfarzo – rigorosamente in stile Liberty – della reggia della Principessa.

E poi, gli abiti. Un treno di costumi caleidoscopico, i cui colori e fattezze riempiono gli occhi come la più lussureggiante delle feste. Sete, pizzi, ikat fiammeggianti: 30 personaggi sfilano silenziosamente, arricchiti da accessori e gioielli sfavillanti, su cui la corona di Turandot regna sovrana. I costumi del Caramba sembrano quasi vivere di vita propria, restaurati e conservati sapientemente dalla Sartorie Devalle di Torino. C’è spazio anche per Iva Pacelli, la protagonista silenziosa della mostra, che pure indossò magistralmente i panni di Turandot e senza il cui baule questo Oriente fantastico non sarebbe mai andato in mostra.

di Martina Faralli

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La Tosca inaugura la stagione d’Opera del Teatro alla Scala 2019/2020, diretta dal maestro Chailly e dal regista Livermore

“Cittadino! L’arte non è arte, se non canta la passione dei popoli!”. Recita così Angelino, uno dei personaggi de La Tosca di Giacomo Puccini, che quest’anno inaugura la Stagione d’Opera 2019/2020 del Teatro alla Scala di Milano. La Tosca è diretta dal Maestro Riccardo Chailly con un allestimento affidato a Davide Livermore, che ha già collaborato con Chailly per Don Pasquale di Donizetti e Attila di Verdi per l’inaugurazione della scorsa Stagione. Protagonisti in palcoscenico Anna Netrebko, Francesco Meli e Luca Salsi.

La Tosca è un punto nodale del progetto pucciniano: iniziato con Turandot con il finale di Luciano Berio, il progetto è proseguito con La fanciulla del West, con l’orchestrazione originale di Puccini, Madama Butterfly nella prima versione (7 dicembre 2016) e Manon Lescaut nella prima versione. Dopo le inaugurazioni con Giovanna d’Arco, Madama Butterfly, Andrea Chénier e Attila, La Tosca conferma l’impegno del Maestro Chailly a riscoprire il repertorio italiano nella sua interezza. Questo progetto culturale va prendendo forma nel corso degli anni: accanto a Puccini si colloca l’approfondimento degli anni di svolta del percorso teatrale verdiano (Giovanna d’Arco, Attila, Macbeth), del Belcanto (La gazza ladra di Rossini e Don Pasquale di Donizetti) e del Verismo (Andrea Chénier), sempre con un’attenzione particolare alle opere presentate alla Scala per la prima volta.

Riccardo Chailly

Il suo debutto alla Scala risale al 1978 con “I Masnadieri” di Verdi: nei suoi 40 anni di attività scaligera ha diretto opere di Rossini, Donizetti, Verdi, Puccini, Giordano, Offenbach, Stravinskij  e Bartók. Con Aida ha inaugurato la Stagione 2006/2007, con Giovanna d’Arco 2015/2016, con Madama Butterfly 2016/2017, con Andrea Chénier la Stagione 2017/2018 e con Attila la Stagione 2018/2019. Prosegue nel maggio 2015 con Turandot, evento inaugurale di Expo. Il Maestro Chailly nel 2019 ha nuovamente guidato la Filarmonica in tournée: in questi anni l’Orchestra è tornata regolarmente nelle principali sedi concertistiche europee, tra cui il Festival di Lucerna, i Proms, il Festival di Edimburgo, la Philharmonie di Berlino e quella di Amburgo.

Lo spettacolo

La collaborazione tra il regista Chailly e il direttore Livermore era iniziata proprio su Puccini, con una produzione de La bohème a Valencia nel 2012. Nella Stagione 2019/2020 Livermore firmerà anche La Gioconda di Ponchielli. La scenografia de La Tosca, illuminata da Antonio Castro, si avvale dei video di D-wok, agenzia guidata da Paolo Gep Cucco. I costumi sono firmati da Gianluca Falaschi, già apprezzatissimo alla Scala per i fantasiosi e spettacolari figurini per Don Pasquale e Attila e nel 2012, vincitore del premio Abbiati per Ciro in Babilonia al Festival Rossini di Pesaro.

I protagonisti

Sul palco abbiamo Anna Netrebko, Francesco Meli e Luca Salsi. Anna Netrebko è ormai di casa: alla Scala debutta nel 1998 con un concerto della Filarmonica diretto da Gergiev. Torna come Donna Anna in Don Giovanni il 7 dicembre 2011, come Mimì ne La Bohème diretta da Rustioni nel 2012, Giovanna d’Arco nel 2015 diretta da Chailly, e come Violetta ne La traviata diretta da Santi nel 2017. Universalmente riconosciuta come il soprano di riferimento dei nostri anni, ha interpretato un vastissimo repertorio in tutti i teatri del mondo con i direttori e i registi più prestigiosi.

Francesco Meli è al terzo 7 dicembre (secondo con Riccardo Chailly): come Cassio nella ripresa dell’Otello diretto da Muti e come Arbace nell’Idomeneo inaugurale della Stagione 2005/2006. La parte di Cavaradossi è il suo primo Puccini alla Scala, dove ha già interpretato sei parti verdiane. Secondo 7 dicembre invece per Luca Salsi dopo Andrea Chénier con Chailly nel 2017. Baritono tra i più affermati a livello internazionale, tornerà come Renato in Un ballo in maschera e Barnaba ne La Gioconda.

La Prima su Rai Uno, sui media europei e nei cinema

Il 7 dicembre 2016 la trasmissione di Madama Butterfly in diretta su Rai Uno ha battuto tutti i record di ascolti per l’opera lirica con una media di 2.600.000 spettatori, 13.48 % di share. La decisione della Rai di trasmettere la prima in diretta è confermata anche per il 2019. Come ogni anno la Rai curerà anche le dirette presso il Carcere di San Vittore, in diversi teatri italiani e nei cinema di tutto il mondo.  

Gli incontri

Il 7 dicembre 2019 La Tosca, che ha inaugurato la Stagione 2019/2020, è stata dedicata a Paolo Grassi, il “poeta dell’organizzazione” che ha fatto della formazione di un pubblico il perno della sua idea. Il Teatro alla Scala presenta insieme a diverse associazioni e istituzioni un fitto calendario:  6 dicembre ore 18:00, Cinema Teatro Delfino, Piazza P. Carnelli – “Tosca, melodramma estremo”, Incontro con Filippo Del Corno e Riccardo Chailly, e 12 dicembre ore 18:00, Conservatorio di Milano, sala Puccini, via Conservatorio 12 – Il Direttore Musicale discute l’opera inaugurale della Stagione con gli studenti dei corsi di Direzione d’orchestra del Conservatorio, che dovranno “cimentarsi” con lo stesso capolavoro pucciniano.

La Tosca in Giappone

La nuova produzione de La Tosca sarà al centro della grande tournée che nel settembre 2020 riporterà i complessi in Giappone, a Tokyo, dopo quattro anni. Si tratta del decimo progetto di una serie di tournée che ha preso il via nel 1981. Sono previste 8 rappresentazioni d’opera (4 di Tosca con Saioa Hernández e 4 de La traviata nell’allestimento storico di Liliana Cavani) e 4 concerti sinfonico-corali. Sono previste anche 6 recite de Il barbiere di Siviglia per i bambini. La tournée in Giappone è organizzata in occasione delle Olimpiadi a Tokyo del 2020.

di Lorena Corti

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Il Mudec (Museo delle Culture di Milano) inaugura oggi 1 Ottobre 2019 la stagione autunnale, con il progetto Oriente MUDEC. Un viaggio nel cuore del Giapponismo attraverso materiale storico, artistico ed etnografico, testimone degli scambi reciproci tra Europa e Giappone a partire dal XIX secolo.

Mudec: due mostre, un unico obiettivo

Impressioni d’oriente. Arte e collezionismo tra Europa e Giappone, costituita da 170 opere tra dipinti, stampe, oggetti d’arredo e sculture. Una raccolta curata da Fleming Friborg, docente di storia dell’arte all’Università di Copenaghen, e Paola Zatti, conservatore della Galleria d’Arte Moderna di Milano. Sostenuti dal Comune di Milano-Cultura e da 24ORE Cultura-Gruppo 24 ORE, sarà aperta dal 1 ottobre 2019 al 2 febbraio 2020. Come lo sarà l’esposizione Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri (1585-1890), che segue alla precedentemente citata. Una collezione permanente che rivela i due momenti salienti del contatto tra i due mondi: la nascita delle ambascerie giapponesi e il primo museo giapponese in Lombardia.

I costumi di Madama Butterfly

Il percorso si estende lungo tutti gli spazi espositivi della sinuosa struttura del museo. Prima di accedere alle aule dedicate all’esposizione, è possibile ammirare una sezione dedicata all’anniversario dei 60 anni di Madama Butterfly alla Scala di Milano. Fu tra il 1901 e il 1903 che la tragedia giapponese prese vita grazie a Giacomo Puccini, diventando un mito della storia della lirica italiana. Con la gentile concessione del Teatro alla Scala, in mostra alcuni dei costumi di scena dipinti a mano e indossati da coloro che hanno interpretato Cio Cio San.

La relazione tra l’arte europea e quella giapponese

È tra il 1860 e il 1900 che la cultura occidentale viene profondamente affascinata dal Giappone, influenzandone le arti e i maggiori artisti italiani ed europei del periodo. Con una video installazione, appena entrati, insieme ad altre durante il percorso, viene messa in risalto la grande differenza tra i due mondi.
Uno schermo diviso a metà riprende scene di vita quotidiana che sembrano di epoche lontanissime, ma che poi appariranno più vicine che mai alla vista delle opere di Nittis, Rodin, Van Gogh, Toulouse-Lautrec. Opere nel segno del Giapponismo, termine col quale si intende l’interesse europeo verso tutto quello che era giapponese e non solo. Considerando questa terra come guida alla bellezza, o sogno di orizzonti inesplorati.
Ma come arrivò in Europa la scoperta di questa cultura? Con le Esposizioni Universali che ebbero luogo in quegli anni, diventando vetrine del colonialismo globale. Da lì il Simbolismo dell’Arts and Craft del periodo Liberty, caratterizzato dall’armonia di uomo e natura nelle arti applicate. Le nuove tecniche di artisti come Monet, Rodin, Cézanne e Van Gogh che a loro volta influenzarono il gruppo di giovani artisti chiamato Shirakaba. Creando un importante import/export artistico.
Anche in Italia il Giapponismo non lasciò indifferenti gli artisti o figure come Enrico Cernuschi, viaggiatore amante dell’arte che istituì un museo a suo nome. Il museo Cernuschi è attualmente tra i musei più importanti in Francia dedicato all’Asia Orientale. Persino a Palermo, con l’artista Vincenzo Ragusa e la moglie Tama Kiyohara, che cambiò il suo nome in Eleonora Ragusa. Lo scultore palermitano, insegnante di una scuola tecnica di Belle Arti a Tokyo, aprì a Palermo una scuola di acquerello, disegno, ricamo e laccatura.
Un’esperienza visiva ampliata al senso olfattivo grazie al partner Magna Pars Milano e il suo Laboratorio LabSolue Perfume Laboratory. Oud, Sandalo e Patchouli insieme a Gardenia, Gelsomino, Osmanto, Mandorlo, Nespolo e Ciliegio riecheggiano negli spazi comuni e possono essere acquistati al bookshop.

Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri

Il bookshop stavolta non indica la fine del percorso, bensì un nuovo ingresso, un tuffo nel passato, più precisamente tra il 1585 e il 1615. Quando il Giappone attraversò il suo periodo cristiano grazie alla Compagnia di Gesù e Alessandro Valignano, che portò in Italia i giapponesi convertiti al cristianesimo. Testimonianze di quel periodo le opere in esposizione dalle fattezze occidentali ma con tecniche giapponesi. Fu in seguito alle persecuzioni verso i cristiani che il Giappone assunse la politica di isolamento, e l’unico importatore divenne l’Olanda.
Riaperti i contatti con il mondo, nel 1853 grazie alle navi nere statunitensi, in Italia aprirono molti musei privati di arte giapponese. È questa la collezione esposta in Quando il Giappone scoprì l’Italia. Storie di incontri. Esemplari di porcellane Imari in rosso blu e oro, portantine riccamente decorate e armature di Samurai della collezione Giovanni Battista Lucini Passalacqua. Fu così che ricominciò un fiorente periodo per questa lunga relazione tra Europa, nonché Italia, e Giappone, di cui il Mudec è grande ambasciatore.
Informazioni utili:
MUDEC – Museo delle Culture di Milano (Via Tortona, 56)
01/10/2019 – 02/02/2020
Orari:
Lunedì 14.30 – 19.30
Martedì – mercoledì – venerdì – domenica 9.30 – 19.30
Giovedì e sabato 9.30 – 22.30
La biglietteria chiude un’ora prima dell’ultimo ingresso
 
di Pamela Romano

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1. IKaterina Mina è una cantante d’opera londinese dalle origini greche. Dopo i suoi primi studi a Cipro si è trasferita a Londra per studiare alla Guildhall School of Music & Drama. Inizialmente Katerina si stava allenando per diventare una pianista da concerto, ma il suo amore e la sua passione per il canto subentrarono. Decise dunque di dedicarsi al canto e intraprendere la sua carriera artistica come cantante d’opera.

Ciao Katerina, che piacere avere l’opportunità di scambiare quattro chiacchiere con te! Dunque, tu sei una tra le più talentuose voci di soprano a livello mondiale. Vuoi dirci come tutto è iniziato?

Grazie mille per le parole gentili e l’invito a far parte della straordinaria rivista GILT; sono entusiasta di fare questa piccola chiacchierata insieme! Beh, penso di essere nata con questa passione. Quando avevo quattro anni mi sono avvicinata ai miei genitori e ho chiesto loro se potevo iscrivermi alle lezioni di danza classica. Poi, quando avevo sei anni, ho chiesto loro di comprare un pianoforte per me, perché volevo imparare a suonarlo. Mi sono allenata come musicista classico per tutta la vita, ricevendo la mia prima educazione musicale al Conservatorio Nazionale di Cipro, dove sono nata, un paese con pochissima tradizione nella musica classica. Ho iniziato con il balletto, aggiungendo lezioni di pianoforte poco dopo, e quando avevo 16 anni mi sono unita al coro del Conservatorio; a quel punto il Maestro del Coro ha chiamato mia madre per dirle che avevo una voce molto speciale e che dovevo allenarla classicamente. Ecco come è iniziato tutto. Ero una principiante in ritardo come cantante, e quindi ho fatto un’audizione per entrare nelle scuole di musica di Londra come pianista! Sono entrata alla Guildhall School of Music & Drama come pianista da concerto e cinque anni dopo mi sono diplomata come cantante d’opera. A metà dei miei studi, ho deciso di fare un’audizione per unirmi ai cantanti del 3 ° anno. Ho avuto successo e non mi sono mai pentita di aver fatto quella scelta e il cambio di strumento.

Che significato ricopre per te la Musica e come pensi possa essere importante per gli essere umani?

La musica è la mia vita e la mia vita è musica! Non c’è nulla che io faccia, pensi o dica che non sia collegato ad essa e a tutto ciò che la riguarda, che si tratti di musica classica, opera, jazz o altri generi. L’unica altra cosa che è ugualmente importante e che ha un effetto simile nella mia vita, è la mia famiglia. La musica è universale ed è essenziale per la razza umana. È terapeutica in tanti modi, per tante persone diverse con esigenze differenti. Guarisce l’anima e la mente, e ci aiuta a vedere o sentire le cose in un modo diverso, più positivo e migliore. La musica mi soddisfa al massimo. Mi libera dalle mie paure, mi rende felice, nutre il mio spirito…E aiuta il mio corpo a rimanere vivo!

Tanti anni fa hai dovuto arrestare la tua carriera a causa di un particolare tumore del sangue. Fortunatamente, seguendo delle cure importanti, hai ricominciato a cantare nel 2013. Qual è il messaggio che vuoi mandare a chi ogni giorno soffre con questi problemi di salute?

Per me qualsiasi tipo di malattia è un segno di “autorizzazione” da cui nascono bontà e crescita spirituale. Per quanto una malattia sia dolorosa, seria o difficile, rimane una situazione non privilegiata che dobbiamo in primo luogo accettare e poi affrontare nel miglior modo possibile. Vorrei esortare le persone con problemi di salute ad ascoltare i consigli del loro medico e ad avere fiducia nella medicina e in se stessi. Inoltre, è molto importante essere consapevoli del nostro corpo e dei segni che ci dà; esaminare senza indugio eventuali problemi medici e fidarsi del nostro istinto. Le terapie alternative possono essere utili, ma nel caso del cancro o di altre malattie altrettanto gravi, le persone non devono fare affidamento solo su loro stesse.

Hai vinto molti premi e ti sei esibita per il fisico teorico Stephen Hawking e con la leggenda del rock Rick Wakeman alla Queen Elizabeth Hall. Come sono state queste esperienze per te?

Considero ogni mia performance una benedizione. Mi è stato chiesto di esibirsi alla cerimonia di chiusura del Festival Internazionale di Astronomia di STARMUS, dove a presenziare c’erano Stephen Hawking e Alexey Leonov, è stato davvero speciale! Un’esperienza unica, cantare la musica di Alexandros Hahalis di fronte a migliaia di persone presenti all’Auditorio di Tenerife che erano lì per vedere Stephen Hawking. Ho ricevuto la standing ovation più grande e sorprendente di sempre. Inoltre, è stato durante quel concerto che ho incontrato la leggenda del rock Rick Wakeman, che ha ascoltato la mia voce per la prima volta e le è piaciuta così tanto che mi chiesto di essere uno dei suoi ospiti speciali al concerto sinfonico che ha tenuto alcuni mesi dopo alla Queen Elizabeth Hall a Londra. Anche esibirsi al fianco di Rick Wakeman è stata un’esperienza straordinaria che non dimenticherò mai. Rick mi ha chiesto di cantare, tra gli altri brani, Help by dei Beatles.

Il tuo album di debutto “Angel of Fire”, in collaborazione con la Royal Philharmonic Orchestra e il direttore d’orchestra Grzegorz Nowak, è stato recentemente pubblicato dall’etichetta discografica dell’orchestra. Sei soddisfatta di questa produzione? Perché hai scelto il nome “Angel of Fire” come titolo del CD?

Questo nuovo album ricopre un ruolo molto importante nella mia carriera, in quanto è l’album di debutto che segna il mio ritorno dopo essere guarita dal cancro. Include alcune tra le più amate arie d’opera e anche due brani in prima mondiale del compositore svizzero Stephan Hodel, basati su due miei poemi chiamati proprio “Love” e “Angel of Fire”. Tutti alla Royal Philharmonic Orchestra e al team di produzione hanno adorato il titolo “Angel of Fire” per il CD, quindi abbiamo deciso di usarlo. Questo bellissimo album di debutto è un’enorme produzione, e non posso che essere davvero molto soddisfatta!

Esegui musica di compositori illustri, come Puccini, Verdi, Beethoven, Wagner (etc.). Hai qualche particolare preferenza?

Adoro assolutamente suonare la musica di compositori che rappresentano lo stile del Verismo, che è un modo post-romantico di scrivere un’opera e di ritrarre il mondo con grande realismo. Il Verismo è associato a compositori italiani quali Giacomo Puccini, Umberto Giordano, Ruggero Leoncavallo, Pietro Mascagni e Francesco Cilea. Ci sono anche alcune opere di Giuseppe Verdi che amo interpretare, così come alcuni degli incredibili repertori tedeschi di Richard Wagner, Ludwig van Beethoven e recentemente di Richard Strauss. Tra i compositori italiani, Puccini è un maestro nella scrittura per la voce operistica…Ma per me è difficile sceglierne soltanto!

Al giorno d’oggi, l’opera non è così popolare tra adolescenti e giovani. Pensi che l’uso di piattaforme di social media, come ad esempio Instagram (dove hai più di 25mila follower), possa aiutare le nuove generazioni ad apprezzare maggiormente l’opera e la musica classica?

Penso che le piattaforme di social media siano un modo eccellente per promuovere se stessi e, nel caso di artisti come musicisti e attori, è un modo meraviglioso di comunicare con il resto del mondo, inviare i messaggi giusti e anche condividere conoscenza. Non penso che i social media possano riuscire a portare più giovani e adolescenti nei teatri d’opera, ma sicuramente danno loro l’opportunità di diventare più consapevoli di questo stile musicale. Alla fine, l’educazione viene dalla famiglia stessa, e penso che sia responsabilità dei genitori dare ai loro bambini l’opportunità di scoprire l’opera direttamente a teatro, al cinema, o attraverso i tanti canali YouTube che offrono incredibili selezioni di musica classica e il canto operistico. Siamo tutti più aperti ad abbracciare i diversi generi musicali e a condividere questa conoscenza con le nuove generazioni.

Ringraziamo Katerina Mina per la sua gentilezza e disponibilità!

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