Alla Milano Design Week 2026, la maison interpreta il vivere contemporaneo come un’esperienza immersiva ispirata alla Milano degli anni ’70

In occasione della Milano Design Week 2026, Elie Saab Maison presenta “The Milanese House – Una Notte a Milano”, un’installazione immersiva che trasforma lo spazio espositivo in una vera casa da vivere. Ambientata in Via Pietro Mascagni 2, la collezione 2026 prende forma come un racconto cinematografico ispirato alla Milano degli anni ’70, dove design, luce, suono e materia costruiscono un’esperienza abitativa totale e sensoriale.

Una casa cinematografica tra memoria e contemporaneità
L’installazione non è concepita come una mostra, ma come un’abitazione in cui ogni stanza racconta una scena. Il progetto, sviluppato sotto la direzione creativa di Arch. Carlo Colombo, costruisce un dialogo tra architettura e intimità, tradotto in ambienti fluidi e narrativi. Il risultato è una casa che si svela progressivamente, dove il design non è esposto ma vissuto.

Collezione 2026 : tra scultura , materia e funzione
La nuova collezione ELIE SAAB Maison evolve come un sistema coerente di elementi complementari. Il divano Mascagni introduce volumi generosi e superfici plissettate, mentre il sistema modulare Manzoni permette configurazioni flessibili e contemporanee. Il letto Musa e il tavolo Atlas definiscono rispettivamente zona notte e dining con equilibrio e presenza scenica, mentre elementi come la scrivania Nobile e il paravento Orizzonte rafforzano la dimensione architettonica degli interni.

Materia, luce e atmosfera : il lusso sensoriale
La ricerca materica è centrale nella collezione: tessuti come bouclé e lana italiana, marmi selezionati come Lepanto Green e Camouflage Marble, e finiture metalliche in tonalità bronzo e blu notturno costruiscono un linguaggio ricco e tattile. A completare l’esperienza, soundscape cinematici, fragranze mediterranee firmate CULTI Milano e una curatela artistica che include opere di Alighiero Boetti e Christo trasformano lo spazio in un ecosistema sensoriale completo.
Un nuovo modello di abitare lussuoso
“The Milanese House” propone una visione dell’abitare come esperienza narrativa e immersiva. Ogni elemento contribuisce a costruire un’identità coerente che unisce artigianalità italiana, sensibilità mediterranea e linguaggio contemporaneo. Il risultato è una casa che non si limita a essere abitata, ma che racconta, coinvolge e definisce un nuovo immaginario del lusso contemporaneo.

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In occasione della Milano Design Week 2026, Samsung Electronics presenta “Design Is an Act of Love”, un percorso espositivo ospitato al Superstudio Più di via Tortona 27. Dal 20 al 26 aprile, la mostra si sviluppa attraverso 12 aree immersive che esplorano il rapporto tra design, tecnologia e vita quotidiana, mettendo al centro l’essere umano e le sue trasformazioni. Un laboratorio aperto che racconta come l’innovazione possa nascere dall’empatia e dall’immaginazione.

IL DESIGN COME LINGUAGGIO UMANO
La mostra interpreta il design non come semplice estetica o funzione, ma come strumento per comprendere e migliorare la vita delle persone. Le installazioni esplorano due direttrici principali: la centralità dell’essere umano e l’espressività del design. Attraverso ambienti immersivi, Samsung propone una visione in cui la tecnologia diventa estensione naturale delle emozioni, dei comportamenti e delle esigenze quotidiane.

12 ESPERIENZE IMMERSIVE TRA FUTURO E QUOTIDIANITÀ
Il percorso si articola in dodici zone tematiche che raccontano differenti scenari di vita. Dall’esperienza dedicata all’intelligenza artificiale integrata nei dispositivi, fino agli spazi che esplorano nuovi linguaggi visivi e sonori, ogni ambiente rappresenta una possibile evoluzione dell’abitare contemporaneo. Tra gli highlight emergono installazioni dedicate ai dispositivi pieghevoli, agli ecosistemi domestici connessi e alle nuove forme di intrattenimento sensoriale.

AI, EMOZIONE E NUOVO ABITARE
Al centro del progetto si trova una visione dell’intelligenza artificiale profondamente umana, sintetizzata dal concetto di AI guidata da empatia e immaginazione. L’obiettivo non è solo tecnologico, ma culturale: creare esperienze significative e personalizzate. Gli spazi come “Artful Living” e “Transparent Symphony” mostrano come schermi, suoni e interazioni possano trasformarsi in strumenti narrativi capaci di generare connessioni emotive.
DAL LABORATORIO AL FUTURO DEL DESIGN
“Design Is an Act of Love” si presenta come un laboratorio in continua evoluzione, più che come una semplice esposizione. Il percorso culmina in esperienze immersive finali che combinano luce, suono e presenza umana, ridefinendo il concetto di interazione tra persone e tecnologia. Samsung conferma così una visione del design come processo dinamico, centrato sull’individuo e sulle sue possibili forme di vita future.

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La doccia come elemento chiave del bagno contemporaneo

Nel progetto del bagno contemporaneo, la parete doccia ha assunto un ruolo sempre più centrale. Non è più un elemento isolato, ma parte integrante dell’equilibrio architettonico dello spazio. Le soluzioni Cee Super e Cee SP Super di Samo interpretano questa evoluzione con un linguaggio pulito, tecnico e visivamente coerente, pensato per ambienti moderni e progettati con attenzione.

Cee Super: vetro, scorrimento e pulizia formale

Cee Super si caratterizza per una struttura in vetro temperato da 6 mm e un’altezza di 200 cm, pensata per garantire equilibrio tra solidità e leggerezza visiva. Il sistema a porta scorrevole con sgancio rapido semplifica la pulizia quotidiana, mentre il trattamento anticalcare StarClean di serie aiuta a mantenere le superfici più stabili nel tempo dal punto di vista estetico. La maniglia integrata nel profilo magnetico in alluminio contribuisce a un disegno essenziale, dove ogni elemento è ridotto al necessario senza perdere funzionalità.

Dettagli tecnici e libertà progettuale

Uno degli aspetti più rilevanti della collezione è la sua capacità di adattamento. Il sistema consente regolazioni e compensazioni fuori squadra fino a 2 cm, una soluzione che facilita l’installazione anche in contesti non perfettamente regolari. A questo si aggiunge la possibilità di personalizzare le superfici in vetro con stampa digitale, trasformando la parete doccia in un elemento che può dialogare con lo stile dell’intero ambiente bagno.

Cee SP Super e Polaris Super: equilibrio tra struttura e trasparenza

Cee SP Super riprende l’impianto tecnico della versione principale introducendo un telaio parziale, che modifica la percezione dello spazio senza appesantirlo. Il risultato è una presenza leggermente più definita, ma sempre controllata e coerente con un’estetica contemporanea. Polaris Super rappresenta invece la lettura più essenziale del sistema, senza telaio, disponibile con soluzioni di apertura tramite profili con camma o cerniere per apertura esterna, mantenendo sempre il vetro da 6 mm con trattamento StarClean.

Palette Atelier: continuità tra superfici e ambiente

A completare il progetto c’è la palette Atelier, composta da cinque finiture opache pensate per creare continuità tra i diversi elementi del bagno. Le tonalità lino, piombo, carbone, malva e cielo permettono di costruire abbinamenti coerenti tra vetri, profili, accessori e specchi, contribuendo a un risultato finale armonico e bilanciato, adatto a contesti sia residenziali che contract.

Una visione coerente del bagno contemporaneo

Cee Super e Cee SP Super rappresentano un approccio progettuale che mette al centro coerenza, precisione e durata nel tempo. Non cercano un effetto scenografico, ma costruiscono una presenza solida e discreta all’interno dello spazio bagno, dove ogni dettaglio è pensato per integrarsi con naturalezza e contribuire all’equilibrio complessivo dell’ambiente.

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Alla Milano Design Week, la maison traduce il proprio heritage in arredi scultorei tra mito, materia e contemporaneità

In occasione della Milano Design Week 2026, Versace Home presenta una collezione che evolve il concetto di interior in una visione completa e coerente dell’abitare. Radicata nei codici iconici della maison, la proposta rilegge il classicismo attraverso una sensibilità contemporanea, dando forma a spazi in cui ogni elemento è pensato per dialogare con l’altro. Il risultato è un linguaggio progettuale che unisce presenza scenica, comfort e una forte identità estetica.

Un sistema coerente tra forma e funzione
La collezione 2026 introduce un approccio modulare in cui ogni arredo mantiene una propria autonomia espressiva pur contribuendo a un insieme armonico. Volumi pieni, linee continue e materiali raffinati definiscono una visione dell’abitare fluida e dinamica, capace di adattarsi a configurazioni diverse. Il design diventa così un sistema aperto, in cui estetica e funzionalità si incontrano senza compromessi.

Le icone della collezione: tra scultura e comfort
Tra i pezzi chiave, il divano Meteora interpreta il classicismo in chiave contemporanea attraverso una struttura avvolgente e dettagli Medusa che ne sottolineano l’identità. La poltrona Hestia, con le sue forme continue e prive di spigoli, si impone come elemento centrale dello spazio, mentre la poltroncina Desmos esplora il tema della connessione attraverso fasce strutturali che definiscono la silhouette. Ogni elemento è pensato per coniugare impatto visivo e comfort quotidiano.

Luce e simbolo: il design come racconto
La collezione si distingue anche per una ricerca sull’illuminazione che trasforma i simboli in oggetti progettuali. La lampada Medusa Euphoria reinterpreta l’emblema della maison in vetro soffiato, unendo tradizione artigianale e innovazione, mentre Focus esplora il tema della percezione attraverso una luce concentrata e scultorea. In entrambi i casi, la luce diventa strumento narrativo, capace di definire atmosfera e identità.

Una visione completa dell’abitare contemporaneo
Dai sistemi living ai complementi per la zona notte, la collezione amplia il proprio linguaggio attraverso nuove configurazioni e materiali. Divani modulari, sedute, elementi contenitore e arredi dining costruiscono un universo coerente che riflette l’individualità di chi lo vive. Versace Home propone così un’idea di lusso contemporaneo fatta di equilibrio tra heritage e innovazione, dove ogni dettaglio contribuisce a creare spazi sofisticati e personali.

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Tra artigianalità italiana, stampe iconiche e nuove collezioni indoor e outdoor, la maison trasforma l’abitare in esperienza estetica totale

In occasione della Milano Design Week 2026, Dolce & Gabbana Casa presenta le nuove collezioni realizzate in collaborazione con Luxury Living Group. Il progetto rafforza l’estensione del linguaggio della maison nel mondo dell’interior design, traducendo i codici iconici del brand in arredi che uniscono materia, decorazione e funzione. L’abitare diventa così una dichiarazione estetica e culturale profondamente legata all’identità del Made in Italy.

UN LINGUAGGIO ESTETICO TRA TRADIZIONE E CONTEMPORANEITÀ
La nuova collezione interpreta l’universo Dolce&Gabbana attraverso superfici decorative, cromie intense e lavorazioni di alta manifattura. Il risultato è un’estetica immediatamente riconoscibile, dove l’eccesso decorativo si trasforma in segno progettuale. Il design diventa narrazione visiva, capace di unire memoria artigianale e visione contemporanea in un equilibrio fortemente identitario.

Collezione indoor : volumi morbidi e scenoggrafia domestica
Le nuove proposte indoor, come le linee Moss e Gardenia, esplorano un linguaggio fatto di forme sinuose e proporzioni avvolgenti. Divani modulari, poltrone, day bed e letti diventano elementi scultorei che combinano comfort e presenza scenica. Completano l’ambiente le linee City e il mobile bar Club Noxus, che introducono una dimensione più architettonica e strutturata all’interno dello spazio domestico.

Outdoor e iconografia mediterranea
La collezione outdoor Saint Jean amplia il racconto con sedute, lettini e tavoli che reinterpretano le iconiche stampe della maison. Leopardo, Zebra, Carretto Siciliano e maioliche del Sud Italia diventano pattern strutturali che definiscono l’identità degli arredi. Le varianti cromatiche Blu Mediterraneo e Verde Maiolica rafforzano il legame con il paesaggio e la cultura visiva italiana, trasformando l’esterno in un’estensione narrativa dell’interno.

Design , cibo e performance : l’abitare come esperienza
Durante la Design Week, gli spazi di Via Durini 23 e Corso Venezia 7 ospitano installazioni e performance che ampliano il concetto di progetto. The Italian Lunch, an act of love trasforma la vetrina in un palcoscenico conviviale, dove la mise en place diventa gesto estetico e rituale sociale. L’esperienza gastronomica firmata DG Martini® completa il racconto, celebrando la cultura italiana attraverso il cibo e la condivisione.

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Durante la Milano Design Week 2026, il cuore pulsante della città si accende di una nuova visione luminosa. In Piazza San Babila debutta Beacon, l’imponente installazione scultorea firmata da Lee Broom e prodotta da Brokis, segnando una svolta nella relazione tra design, spazio urbano e sostenibilità.

Dopo il successo riscosso al London Design Festival 2025, Beacon approda per la prima volta sulla scena internazionale scegliendo Milano come palcoscenico d’eccezione. Installata lungo uno dei crocevia più iconici della città, l’opera dialoga con il flusso quotidiano di cittadini e visitatori, trasformando il passaggio urbano in un’esperienza immersiva. La struttura, composta da una sequenza di lampioni in vetro illuminato, si eleva come un lampadario monumentale a cielo aperto, fondendo estetica industriale e geometrie moderniste in un linguaggio visivo di straordinaria eleganza.

Design e architettura: un equilibrio scenografico
Beacon non è solo un’installazione, ma una dichiarazione estetica. Le sue linee verticali e modulari richiamano il ritmo architettonico della città, creando un ponte visivo tra il modernismo londinese e l’identità milanese. Il risultato è una presenza scenografica che ridefinisce i confini tra lighting design, scultura e architettura contemporanea.

Lusso sostenibile: la nuova frontiera della luce
Dietro la sua brillantezza si cela un approccio profondamente etico. Realizzata con vetro riciclato grazie a tecnologie innovative di fusione, Beacon incarna una nuova idea di lusso: consapevole, circolare, evolutivo. Il progetto, sviluppato in collaborazione con Materials Assemble, dimostra come l’eccellenza estetica possa convivere con una visione responsabile del design.

Un’opera in movimento: dal monumento all’oggetto da collezione
Destinata a viaggiare oltre Milano, l’installazione continuerà il suo percorso internazionale prima di trasformarsi in una collezione di lampade da tavolo. Un’evoluzione che ne prolunga la vita e ne democratizza l’accesso, con una parte dei proventi destinata a iniziative benefiche. Da monumento urbano a oggetto di design, Beacon si conferma così un progetto fluido, capace di adattarsi e reinventarsi nel tempo.

Con Beacon, Lee Broom amplia i confini del design trasformandolo in esperienza collettiva. Più che una semplice installazione, è un invito a fermarsi, osservare e lasciarsi attraversare dalla luce: un simbolo contemporaneo di bellezza condivisa e cultura in movimento.

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Alla vigilia della Milan Design Week 2026, un brunch esclusivo diventa il palcoscenico perfetto per svelare una nuova icona del design domestico: una caffettiera che trasforma un gesto quotidiano in esperienza estetica.
C’è qualcosa di profondamente contemporaneo nel modo in cui Alessi sceglie di raccontare il lancio della sua nuova caffettiera espresso, Vite. Non una semplice presentazione, ma un rituale conviviale: un brunch domenicale in cui il designer anglo-canadese Philippe Malouin accoglie personalmente gli ospiti, trasformando il momento della colazione in un’esperienza immersiva. Un debutto che anticipa la Milan Design Week 2026 e che incarna perfettamente la filosofia del brand: rendere straordinario l’ordinario, attraverso oggetti che uniscono funzione e visione.

Il design che nasce dagli scarti

Alla base di Vite c’è un processo creativo radicale e affascinante. Philippe Malouin, noto per il suo approccio definito “brutalismo raffinato”, lavora partendo da materiali di recupero, assemblando frammenti metallici in un linguaggio essenziale e potente. Il progetto prende forma nei depositi di scarti dell’Ossola, dove il designer seleziona forme primarie trasformandole in un oggetto iconico.

È un design che racconta una storia: quella della materia che rinasce, del gesto creativo che trasforma il residuo in lusso contemporaneo. Un approccio che dialoga perfettamente con la sensibilità attuale, dove sostenibilità ed estetica non sono più separabili.

Una forma che diventa funzione

Il cuore progettuale di Vite è già nel suo nome. La caldaia riprende infatti la forma di una vite, rendendo il movimento di torsione non solo necessario, ma intuitivo e quasi naturale.

Realizzata in pressofusione di alluminio, la caffettiera esprime un equilibrio perfetto tra solidità industriale e raffinatezza delle proporzioni. Ogni dettaglio è studiato per essere percepito: dal peso al gesto, fino alla percezione visiva di un oggetto che sembra scolpito più che progettato.

Colore, identità, desiderio

Se il corpo principale richiama l’estetica industriale, sono i dettagli a definire l’anima di Vite. Manico, pomolo e parte superiore si accendono di colore, frutto di una ricerca sviluppata direttamente nell’officina Alessi, in dialogo continuo con l’ambiente produttivo.

Tre le varianti principali – verde, marrone e grigio – a cui si aggiunge una versione esclusiva con corpo in alluminio e manico verde scuro, disponibile solo online e nei flagship store. Una scelta che non è solo cromatica, ma identitaria: ogni versione racconta un mood, un contesto, uno stile di vita.

Con Vite, Alessi non presenta semplicemente una nuova caffettiera, ma ridefinisce il rituale del caffè come esperienza estetica e culturale. Un oggetto che vive tra cucina e galleria, tra gesto quotidiano e dichiarazione di stile. Perché oggi, più che mai, il vero lusso è trasformare ogni momento in qualcosa di memorabile.

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Tra i protagonisti più rilevanti del design contemporaneo, Philippe Malouin è un designer canadese con base a Londra, noto per un approccio che unisce sperimentazione materica, rigore industriale e una forte componente intuitiva.

Dopo gli studi all’Università di Montreal, alla Design Academy Eindhoven e successivamente al Royal College of Art di Londra, Malouin ha costruito una carriera internazionale collaborando con aziende come Flos, Hem, Resident e SCP, affermandosi come una delle voci più autorevoli della sua generazione.

Il suo lavoro si distingue per una capacità rara: trasformare processi produttivi complessi in oggetti apparentemente semplici, essenziali, ma sempre carichi di tensione progettuale. Un equilibrio tra brutalismo e raffinatezza che è diventato la sua firma.

Dall’intervista emerge chiaramente un aspetto fondamentale del suo approccio: il design non nasce dal disegno, ma dalla materia. Malouin parte infatti quasi sempre da un processo manuale — tagliare, assemblare, costruire — lasciando spazio anche all’errore e all’imprevisto come parte integrante del progetto.

Allo stesso tempo, si percepisce un’evoluzione importante nel suo percorso: se agli inizi il design era anche un modo per affermarsi e “farsi notare”, oggi la sua ricerca si orienta verso oggetti più silenziosi, pensati per durare nel tempo e per entrare con discrezione nella vita quotidiana delle persone.

Una visione che riflette una maturità progettuale sempre più consapevole, dove la forma non è mai solo espressione, ma conseguenza di un processo intelligente e responsabile.

Partiamo dall’inizio: come nasce la tua passione per il design? E cosa ti ha portato a studiare alla Design Academy di Eindhoven e poi all’ENSCI di Parigi?

In breve: tra liceo e università in Canada non avevo idea di cosa volessi fare. Così, da franco-canadese, ho iniziato a viaggiare in Europa. È lì che ho scoperto che esisteva davvero la possibilità di diventare designer di mobili.

Bisogna capire che, se vieni dal Canada negli anni ’90, è difficile anche solo immaginarlo: non c’era un’industria, non c’era un vero mercato.

Viaggiando per alcuni anni in Europa ho incontrato fotografi, architetti, designer… ed è stato naturale appassionarmi sempre di più. Tornato in Canada, mi sono iscritto al corso di Industrial Design all’Università di Montreal. Sapevo che con il massimo dei voti si poteva ottenere una borsa per studiare all’estero: così sono arrivato all’ENSCI di Parigi.

Dopo quell’esperienza sarei dovuto tornare in Canada, ma ormai ero troppo “contaminato” dall’Europa. Sapevo che lì non avrei potuto lavorare nel settore che desideravo. Così ho fatto di tutto per restare e alla fine sono riuscito a entrare alla Design Academy di Eindhoven. È lì che è davvero iniziata la mia carriera.

Questa passione nasce già da bambino?

Assolutamente sì. Sono cresciuto in un luogo molto isolato, lontano dai miei compagni di scuola. Dovevo inventarmi da solo il modo di passare il tempo. Avevamo un grande laboratorio in casa, pieno di attrezzi, e io costruivo i miei giocattoli, facevo arte, creavo oggetti. C’era anche un uomo che lavorava con noi, Lindor: era anziano, fumava sempre, ma mi ha insegnato a tagliare il legno, assemblare, costruire. Io ho sempre fatto oggetti. È qualcosa che mi appartiene da sempre.

Sono passati circa 18 anni dall’inizio della tua carriera. Come è cambiato il design e come è cambiata la tua visione?

È una domanda molto interessante, perché il mio approccio è cambiato molto. Quando sei giovane vuoi farti notare, vuoi fare dichiarazioni forti. Con il tempo, invece, desideri creare oggetti più semplici, meglio progettati, destinati a durare.

Oggi mi interessa realizzare oggetti che siano potenti ma silenziosi. Prima il mio lavoro era più “rumoroso”, ora voglio che l’oggetto comunichi in modo discreto ma intenso.

Mi interessa più come le cose vengono prodotte che come appaiono. Credo che il lavoro del designer industriale sia utilizzare le risorse in modo intelligente e trasformarle in un prodotto significativo, non solo in una forma o in un messaggio.

Sei considerato uno dei designer più influenti della tua generazione. C’è una collaborazione di cui sei particolarmente orgoglioso? E con chi ti piacerebbe lavorare in futuro?

Devo dire Flos.

Da bambino avevamo in casa una lampada Snoopy di Flos: mia madre l’aveva portata dall’Italia negli anni ’80. Era sempre lì, intoccabile, perché preziosa.

Ho sempre sognato di lavorare con loro. Poi, quattro anni fa, mi hanno contattato. Per me è stato incredibile: vengo dal Canada, da “nessun posto”, e mi sono ritrovato a vivere questa realtà europea.

Non ho mai cercato le collaborazioni: in questo settore devi aspettare che siano gli altri a chiamarti. E quando è successo con Flos, è stato qualcosa di speciale.

Per il futuro, non voglio fare nomi, ma mi piacerebbe collaborare con un grande brand europeo, tra Germania e Svizzera.

Detto questo, più che il brand, mi interessa arrivare nelle case delle persone reali. È lì che voglio che i miei oggetti vivano.

Come prendono forma le tue idee? Qual è il tuo processo creativo?

Inizio sempre lavorando a mano. Realizzo oggetti fisici e solo dopo li rifinisco al computer. Molti fanno il contrario: schizzo, digitale, poi prototipo. Io parto dalla materia. Un esempio perfetto è la moka “VITE” per Alessi.

Ho un metodo che chiamo “copy-paste making”: prendo oggetti, li taglio, li saldo, li riassemblo. È un processo molto intuitivo, quasi casuale. Molti miei progetti nascono così, per “incidenti”. Anche VITE è nata in questo modo.

Quando Alessi mi ha chiesto di disegnare una moka, ho accettato subito. Ma la domanda era: cosa puoi davvero aggiungere? Non puoi fare una moka migliore di quella di Richard Sapper. È impossibile.

Quindi puoi solo fare la tua versione. E la mia nasce proprio da questo approccio sperimentale.

Com’è nata la collaborazione con Alessi?

È una storia curiosa.

Uno dei miei studenti all’ECAL aveva contattato Alessi per un progetto, ma non è andato in porto. A un certo punto gli hanno detto: “Chiedi al tuo professore di scriverci”. Pensavo fossero arrabbiati con me… invece volevano propormi di lavorare con loro. Ovviamente ho accettato subito.

La moka “Vita” è un perfetto esempio di “form follows function”. Sei d’accordo?

Sì, anche se con una sfumatura ironica. Come dicevo, il progetto nasce da un processo molto libero, quasi casuale. Ma poi entra in gioco la funzione.

Molte persone fuori da Italia, Francia, Portogallo o Germania non sanno usare una moka. Un canadese o un americano medio non capisce come funzioni.

Così ho deciso di rendere il meccanismo il più evidente possibile: la base è una grande vite, chiaramente leggibile. La sviti e capisci subito come funziona.

Detto questo, la vite è volutamente esagerata: è anche decorativa, quasi una caricatura del principio “la forma segue la funzione”.

Ma sì, in questo caso la forma segue decisamente la funzione.

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Milano è pronta a trasformarsi ancora una volta nel cuore pulsante della creatività internazionale. La Design Week sta per iniziare e, con essa, uno dei momenti più interessanti dell’anno: l’incontro tra moda e design. Le grandi maison — da Dior a Louis Vuitton, fino a Versace e Giorgio Armani — sono pronte a uscire dalla passerella per entrare nello spazio, trasformando Milano in un racconto immersivo di stile, visione e cultura.

Milano, laboratorio creativo a cielo aperto

Nei prossimi giorni, Milano non sarà solo una città da attraversare, ma un’esperienza da vivere. Dal Salone del Mobile al Fuorisalone, ogni quartiere diventerà un punto di connessione tra discipline diverse.

Le maison di moda si preparano a occupare palazzi storici, cortili nascosti e spazi industriali riconvertiti, costruendo percorsi immersivi che vanno ben oltre la semplice esposizione. Il pubblico non sarà spettatore, ma parte integrante di una narrazione che mescola estetica, architettura e storytelling.

Le grandi maison: tra oggetto e visione

Tra gli appuntamenti più attesi, Louis Vuitton porterà nuovamente l’attenzione sui suoi Objets Nomades, dove il design incontra l’arte del viaggio in una collezione che promette nuove collaborazioni e pezzi iconici.

Dior, invece, dovrebbe sorprendere con un’installazione capace di tradurre il suo heritage sartoriale in elementi d’arredo e luce, giocando sul confine tra moda e architettura.

Da parte sua, Giorgio Armani continuerà a sviluppare il linguaggio raffinato di Armani/Casa, portando in scena ambienti che riflettono una visione precisa: il lusso come equilibrio e sottrazione.

E Versace? Ci si aspetta un’estetica audace, capace di trasformare il design in una dichiarazione visiva potente, coerente con il DNA del brand.

Design come cultura: Prada, Gucci e le nuove narrazioni

Non sarà solo una questione di oggetti. Prada si prepara a riportare al centro il dibattito culturale con Prada Frames, un progetto che unisce design, società e pensiero contemporaneo.

Gucci potrebbe puntare su un racconto immersivo, capace di intrecciare archivio e innovazione, mentre Bottega Veneta continuerà a esplorare il rapporto tra materia e luce, trasformando il design in esperienza sensoriale.

Questi eventi dimostrano come il design sia ormai uno strumento narrativo fondamentale per la moda: un modo per comunicare valori, identità e visione del futuro.

Il nuovo lusso: esperienza, sostenibilità e contaminazione

Il filo conduttore di questa imminente settimana sarà chiaro: il lusso non è più solo prodotto, ma esperienza.

Le maison stanno lavorando su installazioni immersive, materiali innovativi e progetti che dialogano con il tema della sostenibilità, senza rinunciare all’estetica. La contaminazione tra moda, arte, tecnologia e architettura diventa così il vero linguaggio del presente.

La Design Week non è ancora iniziata, ma le aspettative sono già altissime. Milano si prepara a diventare, ancora una volta, il punto di incontro tra visioni diverse, dove la moda smette di essere superficie e diventa spazio, racconto, esperienza.

E se il futuro del lusso si gioca sulla capacità di emozionare, allora questa settimana promette di essere molto più di un evento: sarà una dichiarazione di intenti.

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Non tutti i bagni hanno grandi dimensioni, ma ogni bagno merita stile e funzionalità. Lilliput 45 di Inda è pensato per chi vuole un mobile piccolo ma completo, capace di combinare estetica raffinata e praticità concreta. È la scelta ideale per chi cerca un arredo che sappia adattarsi agli spazi ridotti senza rinunciare a comfort e organizzazione.

Compattezza intelligente

Con soli 45 cm di larghezza, Lilliput 45 riesce a sfruttare al massimo lo spazio disponibile. Non si tratta solo di riduzione dimensionale: il mobile è progettato per offrire soluzioni di stoccaggio pratiche, come cassetti profondi e organizzati per piccoli oggetti, prodotti per la cura personale e accessori quotidiani. Anche i bagni più stretti diventano funzionali senza sacrificare estetica o ordine.

Design compatto, pulito e versatile

Adottare un design compatto non significa rinunciare alla qualità. Lilliput 45 utilizza materiali resistenti all’umidità e all’uso quotidiano: il lavabo integrato in Mineralguss garantisce durata e semplicità nella pulizia, mentre le finiture dei cassetti mantengono lucentezza e scorrevolezza nel tempo. È un mobile che sopporta il ritmo di ogni giornata senza perdere stile né funzionalità.

La serie di dettagli che lo rendono unico nel suo genere

Lilliput 45 sorprende per le linee essenziali e moderne. Il frontale a gola elimina maniglie ingombranti, rendendo il mobile più armonioso e sicuro, mentre le finiture laccate o in legno si adattano a bagni sia minimal sia più caldi e tradizionali. Questo lo rende non solo un mobile, ma un elemento di continuità visiva che completa l’ambiente senza forzarlo.

Un’esperienza confortevole

L’esperienza di utilizzo è studiata in ogni dettaglio: i cassetti scorrono fluidi, il lavabo integrato semplifica la pulizia e gli oggetti sono sempre a portata di mano. Lilliput 45 trasforma gesti quotidiani come lavarsi le mani o riporre prodotti in momenti pratici e piacevoli, rendendo l’ambiente più funzionale senza complicazioni.

Una scelta pratica e funzionale

Lilliput 45 è più di un mobile bagno compatto: è una soluzione concreta che unisce design intelligente, materiali affidabili e funzionalità quotidiana. Perfetto per bagni secondari, piccoli o urbani, porta ordine e stile in spazi limitati, dimostrando che anche il più piccolo dei mobili può fare la differenza nella vita di tutti i giorni.

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