Non c’è primavera senza sole, vento mite e alberi in fiore, e non c’è Aprile senza Design. Protagonista indiscusso di tutto il mese, soprattutto nella capitale meneghina, pronta più che mai ad accogliere tutti gli eventi e le esposizioni che ha in serbo la Milano Design Week, già carica ad invadere con i suoi distretti la città con il suo spirito di innovazione e di avanguardia, strizzando quest’anno più che mai l’occhio alla sostenibilità. Il calendario è fittissimo, e Gilt, nel nuovo numero, è pronto a svelarvi news ed esclusive attraverso focus specifici sulle diverse manifestazioni e una panoramica generale con un elenco dettagliato di cosa poter visitare nei vari distretti sparsi per Milano.

Un’ode, dunque, al Design, che incorona in copertina il suo re indiscusso: Philippe Starck. Francese, classe 1949, nato nella ricca banlieu occidentale di Parigi e formatosi nella capitale francese presso la Ecole Nissim de Camondoa, a partire dagli anni ’80 si afferma come il primissimo star-designer nella storia della sua professione, conquistando un posto nell’Olimpo del design. Basti pensare a una delle sue (tante) invenzioni: il concetto di “nondesign”. Nella sua professione è sempre mosso da due valori cardine, amore e desiderio, ben conditi da una visione inclusiva e ottimista. “Dobbiamo sostituire la bellezza, che è un concetto culturale, con la bontà, che è un concetto umanista”, per citare le sue parole. Nella sezione Interviews, Starck si racconta in un flusso di pensieri che spaziano dal design al concetto di sostenibilità applicato anche al suo settore.

Ad abbracciare la Milano Design Week, immancabile è la moda. Nella sfera del Fashion, infatti, andremo ad occuparci di tutti gli eventi e le presentazioni che si terranno nel corso della settimana più creativa dell’anno. Appaiono all’appello nomi illustri del fashion system: Dior, Karl Lagerfeld, Missoni, Giorgio Armani, Gucci, Max Mara, Elie Saab, per citarne alcuni, pronti a rivelarci le loro nuovissime collezioni home, alcuni dei quali facendo un vero e proprio, nonché primissimo, debutto.

Non resta che aprire la mente lasciandoci irradiare dall’accecante bagliore dell’estro creativo, perché come ben voleva ricordarci il grafico e designer italiano Massimo Vignelli: “La funzione del design è di disegnare delle cose che durano sempre, non effimere. Quando qualcosa è effimero vale per quel che vale: niente”.

L'articolo Il Design celebra l’avvento di Aprile proviene da Gilt Magazine.

La prima domanda che ci si pone quando si legge Pininfarina è sicuramente da cosa abbia origine questo curioso nome. Dal soprannome Pinin, che era stato attribuito a Battista Farina, fondatore dell’omonima Carrozzeria Pinin Farina. Pinin in piemontese significa Giuseppino, e considerata la somiglianza di Battista con il padre Giuseppe, non poteva essere diversamente.

L’azienda

Portabandiera del Made in Italy, quest’azienda nei primi anni dalla sua fondazione (1930) era una realtà artigianale che permetteva ai clienti benestanti dell’epoca di potersi far costruire a loro piacimento la carrozzeria delle proprie automobili. L’ingegno e l’estro di Pinin, però, puntavano in alto, tanto da evolversi col tempo sino a diventare una vera e propria industria in grado di coprire tutte le esigenze del mercato, dalla progettazione della carrozzeria a quella di interi autoveicoli e mezzi di trasporto.

Se Battista Farina è stato tra i primi ad interessarsi all’aerodinamica (basti pensare alla Giulietta Spider), non è stato da meno il figlio Sergio, designer di fama mondiale, ha preso in mano l’azienda Pininfarina fino alla sua morte, continuando il lavoro del padre ed ampliandolo sempre più grazie a notevoli collaborazioni e partnership.

Pininfarina Segno rende omaggio a Leonardo Da Vinci

La collezione firmata Pininfarina è stata presentata presso la libreria Rizzoli in Galleria Vittorio Emanuele II, luogo simbolo della cultura e del sapere, con il sottofondo delle memorabili parole di due studiosi del Rinascimento Italiano. Leonardo 500th & Codex nasce in primis come celebrazione dell’anniversario della scomparsa di Da Vinci, e vuole farsi promotrice del binomio tradizione e innovazione, ieri-oggi-domani, come fa presente Paolo Farina, Presidente del Gruppo. Per realizzarla infatti, alla base c’è un progetto super cool lanciato agli studenti dello IED di Torino, i quali, entusiasti e stimolati, hanno dimostrato grande impegno contribuendo in ogni aspetto.

Codex

Codex è il nome che la Pininfarina Segno ha voluto dedicare al genio toscano, ispirandosi al carattere di Leonardo, un uomo che amava il design ma al tempo stesso era felice di conservare dei segreti, che a volte faceva scoprire come fossero degli enigmi. Si tratta di un oggetto cilindrico in alluminio e legno di noce massello, e per scoprirne il contenuto è necessario inserire la corretta sequenza di lettere che compongono il codice segreto. Sono 500 gli esemplari disponibili di Codex by Pininfarina Segno.

Leonardo 500th e Filum

Per interpretare questa nuova linea di stilo griffate Pininfarina Segno, occorre avere un pizzico di genialità ed estro, caratteristiche che camminano di pari passo all’artigianalità. Tra i pezzi presentati, quello che rappresenta al meglio la figura di Leonardo è sicuramente la Silver Luxury Edition in argento 925, che custodisce, tra i vari, due diamanti, i Leonardo Da Vinci Cut, tagliati secondo i disegni de la De Divina Proportione.

Il particolare taglio Leonardo Da Vinci Cut è stato brevettato da un’importante azienda fiorentina specializzata nella fornitura di diamanti. A completare la collezione si aggiunge Filum. Ispirata ai “nodi vinciani”, è l’ultima stilo nata in casa Pininfarina e la prima in assoluto ad essere realizzata completamente in titanio secondo la tecnica del Direct Metal Laser Sintering.

Tutti i pezzi proposti da Pininfarina sono dei veri e propri capolavori, nonché progetti d’ingegneria che ci ricordano quanto si abbia sempre da imparare e sperimentare, ma soprattutto che insegnano a trasmettere ai giovani, i designer del domani, più stimoli possibili al fine di poter mettere l’amore in ogni progetto da realizzare.  

di Agnese Pasquinelli

L'articolo Pininfarina celebra il grande Leonardo Da Vinci proviene da Gilt Magazine.

Giacomo Balla e il suo Genio futurista in mostra a Milano

In occasione del Salone del Mobile 2019 e di Milano Moda Design, la più grande opera di ​Giacomo Balla ​arriva alle ​Gallerie d’Italia di Milano: il “Genio futurista” appartenente alla Collezione Biagiotti è visibile al pubblico dal 9 aprile al 12 maggio.

L’arazzo emblema del Futurismo

“Genio futurista” è un olio su tela d’arazzo 279 x 381 cm impostato sui toni del tricolore italiano; sulla composizione si staglia una figura vagamente antropomorfa con la testa a forma di stella, simbolo del patriottismo. Quest’opera monumentale condensa le diverse esperienze pittoriche del Maestro futurista Giacomo Balla in una summa artistica: rappresenta il processo che porta alla conoscenza dei rapporti dinamici che compongono l’universo e la loro rappresentazione. Un’avanguardia di forme, colori e dimensioni che superano il visibile e danno corpo all’invisibile, come lo stesso Giacomo Balla affermava nel Manifesto della Ricostruzione Futurista dell’Universo del 1915.
Venne realizzato in occasione dell’Esposizione di Parigi del 1925, dove fu esposto insieme ad altre sue realizzazioni sancendo così l’ormai capillare diffusione della corrente futurista che, interpretando le idee di Marinetti, aveva operato una vera e propria rivoluzione in campo ideologico e artistico, aprendo la strada alle avanguardie internazionali.
Per il Futurismo l’arte non è più semplice rappresentazione della realtà, bensì un’azione concreta sul mondo che si traduce in un inno alla modernità, al progresso, alle macchine, alla velocità e al dinamismo. Questa sorta di autoritratto dello stesso artista, fu poi esposto alla mostra degli Amatori e Cultori di Roma nel 1928 e, dopo una lunga giacenza in soffitta, solo nel 2015 in occasione di Expo venne appeso nella sala che accoglieva le delegazioni straniere.

La famiglia Biagiotti e l’amore per l’arte

Laura Biagiotti, appassionata collezionista e ricercatrice, è stata tra i primi grandi nomi del Made in Italy a sostenere il binomio moda e arte. Insieme al marito Gianni, mossi da una profonda passione per l’arte futurista, collezionò centinaia di opere nel corso della sua vita e, ad oggi, la Fondazione Biagiotti Cigna conta oltre 200 opere di Giacomo Balla, radunate grazie all’ausilio di Fabio Benzi, direttore della Fondazione.
Questa proficua collaborazione, definita “Balstoria” dalla stessa Laura, cominciò nell’ottobre 1986, quando lei e il marito capitarono fortuitamente in una piccola galleria d’arte di Roma dove si teneva una mostra retrospettiva delle opere della famiglia Balla. Nacque così il primo nucleo della raccolta Biagiotti Cigna e soprattutto un’amicizia con le figlie del pittore, Elica e Luce.
Padre del design italiano del XX secolo, Giacomo Balla influenzò in modo significativo il “fare moda” di Laura Biagiotti. Nelle stampe dei tessuti e nelle silhouette degli abiti si ritrovano i colori e le forme dell’estetica futurista, arte del movimento e del rumore. «L’arazzo futurista? Ero con mamma quando lo acquistammo all’asta», spiega Lavinia Biagiotti, attuale direttore creativo del marchio nonché promotrice del prestito di quest’opera monumentale.
Negli anni diverse opere appartenenti alla collezione di famiglia sono state prestate ad istituzioni museali di rilievo quali il Met e il Moma di New York ma, diversamente dagli altri prestiti precedenti, questa è un’operazione dedicata al capoluogo lombardo e al genio creativo italiano nello specifico. L’obiettivo è quello di inaugurare un dialogo proficuo tra la collezione e società, l’avvio di un progetto di mecenatismo che coinvolga direttamente i giovani e le scuole di moda e design.
Il “Genio futurista” è esposto nelle sale della sede museale di Intesa Sanpaolo di Piazza della Scala nella cornice della mostra Cantiere del ‘900: si tratta di un progetto espositivo dedicato alla valorizzazione delle oltre 3.000 opere pittoriche e lavori scultorei che delineano un percorso culturale che attraversa tutto il secolo, e che punta a ripercorrere tutte le principali tendenze proposte nell’arte italiana di quel periodo.
 
di Sofia Balbino

L'articolo Il Genio futurista di Giacomo Balla (Collezione Biagiotti) alla MDW proviene da Gilt Magazine.

Design Week

La Design Week si apre con un’importante novità per Milano: la Triennale presenta il Museo del Design Italiano, il primo allestimento permanente in Triennale. Lunedì 8 aprile 2019 si tiene la cerimonia di inaugurazione, a cui presenzia il Presidente del Consiglio Giuseppe Conte.

Lo scopo

Istituire il più importante centro internazionale dedicato al design italiano. Questa la volontà di  Stefano Boeri, Presidente della Triennale Milano. Il progetto guarda lontano e mira ad arricchire la collezione nel tempo, attraverso politiche d’acquisizione mirate e collaborazioni con archivi, aziende, scuole, università, musei.

I numeri della partenza

La collezione ospita già  alcuni tra i pezzi più iconici e rappresentativi del design italiano. Su una superficie di 1.300 mq sono esposti circa 200 oggetti che raccontano una rivoluzione Made in Italy.  Protagonisti i materiali, le tecniche e i canoni estetici che hanno capovolto la nostra società.  Fotografie, campagne pubblicitarie, packaging originali relativi alla storia e al contesto dell’opera saranno esposti. Tutto ciò  per rendere fruibile l’arte del design non solo agli addetti ai lavori.

Fil rouge: il tempo

La sequenza delle opere procede seguendo l’ordine cronologico: dal 1946 al 1981. Dal Dopoguerra agli anni Ottanta, passando per il miracolo economico. La curva al piano terra del Palazzo dell’Arte mostra una timeline di eventi storici, politici, sociali e di costume italiani e internazionali. Uno dei periodi di grande influenza per il design e i designer italiani nel mondo. Segnato dall’arrivo sulla scena di importanti collettivi come Memphis, un collettivo italiano di design e architettura fondato da Ettore Sottsass, attivo tra il 1981 e il 1987, che sancì l’inizio di una nuova era nella produzione del design.

Memoria storica e non solo

“L’ambizione del Museo del Design Italiano è quella di essere un luogo di ispirazione, secondo il senso più antico della parola museo”, afferma Joseph Grima, direttore artistico. “Molto spesso il veicolo delle ispirazioni più intense e formative non sono gli oggetti inanimati, ma le voci delle persone che li hanno creati e la narrazione di dettagli apparentemente banali. […] Abbiamo quindi deciso di includere nel percorso alcune voci degli autori che hanno creato gli oggetti esposti, cui è stato chiesto di raccontare in maniera semplice e diretta la genesi delle loro creazioni e le condizioni culturali alle quali ogni oggetto rispondeva”. Svariati approfondimenti saranno forniti dalle interviste telefoniche con gli artisti.

Fasi del progetto

Il progetto di ampliamento sarà legato al lancio di un concorso di progettazione internazionale che sarà bandito entro maggio 2019 e che prevede:

• nuovi spazi espositivi
• riorganizzazione degli Archivi per un totale di 6.000 mq.

Uno specifico comitato dedicato alle acquisizioni si occuperà di arricchire la collezione negli anni.

Questa prima fase del Museo del Design Italiano rappresenta il punto di partenza del disegno che vede protagonista Milano come capitale globale dell’industrial design. Fortemente voluto da Stefano Boeri, in collaborazione con un comitato scientifico che riunisce prestigiosi nomi del design e dell’architettura, tra cui: Paola Antonelli, Mario Bellini, Andrea Branzi, Antonio Citterio, Michele De Lucchi, Piero Lissoni, Claudio Luti, Fabio Novembre, Patricia Urquiola. Presente il sostegno del Mibac e di altri soci della Triennale, e concordato con ADI e Assolombarda, con cui la Triennale sta costituendo un’associazione.

di Agnese Lucia Ialuna

L'articolo Il Museo del Design Italiano alla Triennale di Milano proviene da Gilt Magazine.

Gucci Ouroboros riappare nella linea Alta Gioielleria della prestigiosa maison di lusso Gucci. Tra oro da 18 carati impreziosito da turchesi e pavé di diamanti bianchi, tra anelli a serpente giocosi e contemporanei dalla diverse larghezze, tra collane ed orecchini che brillano grazie ai diamanti in essi incastonati, ecco una collezione celebrante l’eccellenza dell’artigianalità italiana. La collana da 0,99 carati, l’anello da 0,56 carati e gli orecchini da 0,40 carati ci introducono ad una delle più preziose collezioni proposte dal brand, portavoce di un’esclusività ed eccentricità tipiche in casa Gucci.

Gucci Ouroboros, i modelli

L’eccellenza italiana si concretizza in veri e propri pezzi d’arte: con il serpente come nota ed ormai identificativa fonte di ispirazione, Gucci presenta anelli a tre o cinque giri, anche sovrapposti, in oro lucidato a mano, finemente inciso. Nuovo aspetto per la ricorrente figura del serpente: turchesi come occhi, pavé di diamanti bianchi incastonati a mano come scaglie, e un diamante taglio a goccia come elemento decorativo della testa dell’emblematico ed enigmatico animale.

Per osare un’eleganza inconfondibile e personalizzata, Gucci Jewelry propone una collana con anello a serpente, versatile, decorata di diamanti bianchi e corredata da una chiusura nascosta, da sola o da abbinare ai pendenti in coordinato. Ancora una volta una particolare tecnica dell’alta gioielleria italiana esibisce la sua eccellenza, creando unici pezzi dotati di particolare flessibilità. All’interno dell’elemento centrale piccole maglie intrecciate nascoste, dotate di diamanti, creando uno snodo raffinato, rendendolo fluido ed elegante.

Gucci e la collezione Dionysus

La collezione Dionysus raggiunge nuove vette del lusso: materiali pregiati come oro, diamanti bianchi, turchesi si fanno portavoce di una lussuosa combinazione tra elementi classici ed elementi contemporanei, capaci di stupire, di osare e di tradurre il Lusso per eccellenza. Una collezione importante, preziosa, ma anche versatile. Dionysus rivela un’attenzione ai dettagli ed un design esclusivo perfettamente in linea con la natura e l’iconicità di uno tra gli intramontabile nomi del lusso italiano.

di Francesca Mileti Nardo

L'articolo Gucci Ouroboros: l’eccellenza dell’alta gioielleria italiana proviene da Gilt Magazine.