Assaporare l’arte e la vodka si fa sempre più intrigante con il ritrovamento di una seconda versione del dipinto iconico di Andy Warhol, Absolut Warhol, realizzato nel 1985. Questa scoperta rappresenta un’occasione unica per unire le persone attraverso il linguaggio universale dell’arte. La tela sarà esposta per la prima volta al pubblico dal 17 ottobre allo Spritmuseum di Stoccolma, nella mostra “Andy Warhol, Money On The Wall”.

Un tesoro artistico riscoperto

I rumor sulla possibile esistenza di una seconda versione dell’opera si rincorrevano da tempo. La sorpresa è emersa nel 2020, quando una tela blu è apparsa durante un’asta, confermando le speculazioni grazie a un contratto originale che attestava la commissione di due opere a Warhol. Questa nuova versione di Absolut Warhol non è solo un’opera d’arte da ammirare, ma un simbolo della continua evoluzione del legame tra arte e cultura pop.

L’arte in bottiglia: un’edizione limitata da collezione 

In collaborazione con la Andy Warhol Foundation for Visual Arts, Absolut Vodka ha creato una bottiglia celebrativa, arricchita dalle pennellate dell’artista. Ogni bottiglia è un pezzo da collezione che rispecchia le sfumature blu della tela, grazie a una texture tridimensionale che esalta il colore cristallino della vodka. Per arricchire l’esperienza, è stato creato il cocktail ABSOLUT Warhol’s Milk Punch: un mix delizioso che unisce burro di cacao, liquore alla banana e latte infuso con cornflakes, ispirato dalla passione di Warhol per i cereali. Un assaggio di creatività in ogni sorso!

L’arte che unisce: la mostra al Spritmuseum

Dal 17 ottobre, il dipinto ritrovato sarà svelato allo Spritmuseum, affermandosi nella sezione Absolut Art Collection. Curata da Blake Gopnik, biografo di Warhol, la mostra non è solo un tributo all’artista, ma un invito a riflettere sul potere dell’arte di connettere le persone oltre le barriere culturali e sociali. In un mondo che spesso si divide, l’arte emerge come un ponte capace di trasformare e unire diverse esperienze umane.

Un legame che va oltre il prodotto

Con questa Limited Edition, Absolut Vodka celebra l’arte come veicolo di connessione e comprensione reciproca, rendendo omaggio a uno degli artisti più influenti del Novecento.
Questa celebrazione artistica non solo riporta alla luce un’opera iconica, ma invita tutti noi a esplorare il potere della creatività nel connettere le persone. 

Non perdere l’occasione di partecipare a questo evento straordinario e scoprire come l’arte possa ispirare generazioni.

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L’arte di Andy Warhol attraverso lo sguardo di Steve Schapiro

Oltre 120 straordinarie (e molte anche inedite) fotografie costituiscono il nuovo volume pubblicato da Taschen: un prezioso documento della travolgente carriera di Andy Warhol vista attraverso le foto di Steve Schapiro. Nel 1965 il celebre reporter iniziò a collaborare col magazine Life documentando la vita, le ambizioni e le opere del già famoso artista pop. La rivista, tuttavia, non rese mai pubbliche queste immagini, molte delle quali, quindi, sono un’assoluta novità. 

Vediamo ad esempio le fotografie realizzate in occasione della prima retrospettiva di Warhol all’Institute of Contemporary Art di Philadelphia e quelle scattate sul set del film underground “Camp” diretto da Warhol. Nel volume sono presenti anche numerose opere d’arte create da Warhol, come Colored Campbell’s Soup Can, One Dollar Bills (Fronts) e Shot Red Marilyn, solo per citarne alcune. All’intero del volume possiamo inoltre leggere un’intervista allo stesso Schapiro e un saggio di Blake Gopnik, biografo ufficiale di Warhol.

Steve Schapiro. Andy Warhol and Friends è un grande omaggio al genio e al successo di Andy Warhol; un documento di estremo interesse che ci consente di scoprire i retroscena delle sue creazioni.

Steve Schapiro: fotografo d’arte e reporter dei diritti civili 

Tantissime sono le storie raccontate da Steve Schapiro, storie di lotte civili e sociali ma anche storie d’arte e di cinema. Il celebre fotografo americano iniziò infatti a lavorare come freelance nel 1961 pubblicando le sue prime foto sul New York Times Magazine e poi su Life, Look, Time, Newsweek, Rolling Stone e Vanity Fair. Tra i vari progetti, nel 1965 iniziò a fotografare Andy Warhol per la rivista Life testimoniandone l’inarrestabile ascesa. Un occhio attento, quello di Schapiro, e una presenza silenziosa al fianco di Warhol che, con la sua macchina fotografica, lo accompagnò anche nel giorno d’inaugurazione della sua prima retrospettiva presso l’Institute of Contemporary Art di Philadelphia, evento che ne ha consacrato il ruolo di icona del XX secolo e Re della pop art. Schapiro ha realizzato moltissime fotografie di Warhol e del suo entourage di creativi e superstar, tra cui la modella Edie Sedgwick e Nico dei Velvet Underground.

Anche i cambiamenti politici e sociali negli Stati Uniti di quegli anni furono di ispirazione per il celebre fotografo: immortalò personaggi chiave, come Robert F. Kennedy, e catturò fotogrammi della marcia su Washington per il lavoro e la libertà, della marcia da Selma a Montgomery e dell’assassinio di Martin Luther King Jr. Negli anni ’70 il suo genio è approdato anche nel mondo del cinema iniziando con scatti in Midnight Cowboy e arrivando sul set de Il Padrino e di Taxi Driver. Steve Schapiro. Andy Warhol and Friends celebra quindi l’estro del celebre reporter che, con le sue fotografie, che spaziano dall’arte agli scontri civili, ha reso eterni personaggi e momenti cruciali della storia americana.

Steve Schapiro. Andy Warhol and Friends: in edizione limitata in 600 copie da 236 pagine e oltre 120 fotografie, lingua inglese.

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Andy Warhol. La pubblicità della Forma

Dopo un decennio di pausa dai luoghi espositivi milanesi, Andy Warhol torna visibile al pubblico con una ricchissima personale alla Fabbrica del Vapore. La mostra, che sarà visitabile dal 22 ottobre 2022 al 26 marzo 2023, prende il titolo “Andy Warhol. La pubblicità della Forma”. Un titolo esaustivo circa l’operato dell’artista, curato in tutta la sua vastità di opere da Achille Bonito Oliva in collaborazione con Edoardo Falcioni. La mostra per Art Motors ha come partner BMW ed è promossa e prodotta dal Comune di Milano-Cultura e Navigare.

Attraverso numerose tecniche artistiche…

Oltre 300 opere, 7 aree tematiche e 13 sezioni che raccontano l’operato dell’artista dalle illustrazioni commerciali alle ultime opere sacre. La mostra affronta tutti i periodi storici e gli ambiti artistici esplorati da Warhol. Essi ruotano attorno ad un’idea fissa: “Ogni cosa ripete se stessa. È stupefacente che tutti siano convinti che ogni cosa sia nuova, quando in realtà altro non è se non una ripetizione”, dice lui stesso. Tra una ventina di tele, una cinquantina di opere uniche come serigrafie su seta, cotone o carta, troviamo anche il computer Commodore Amiga 2000 con le sue illustrazioni digitali. Disegni, serigrafie, fotografie, dischi originali e T-shirt; la BMW Art Car dipinta da Warhol, la ricostruzione fedele della prima Factory e una parte multimediale con proiezioni di film da vedere con occhiali tridimensionali.

… e diversi periodi storici

Andy Warhol nasce nel 1928. Di nazionalità polacca, si trasferisce ormai giovane adulto a New York, dove modifica il proprio cognome e inizia a lavorare come pubblicitario. L’intuizione che renderà il brillante Andy ricco e celebre è quella di ripetere un’immagine serialmente, inculcandola per sempre nella mente di chi guarda.

“Warhol – afferma Achille Bonito Oliva – è il Raffaello della società di massa americana che dà superficie ad ogni profondità dell’immagine rendendola in tal modo immediatamente fruibile, pronta al consumo come ogni prodotto che affolla il nostro vivere quotidiano. In tal modo sviluppa un’inedita classicità nella sua trasformazione estetica. Così la pubblicità della forma crea l’epifania, cioè l’apparizione, dell’immagine”.Alcuni esempi? “Thirty Are Better Than One”, che raffigura il quadro della Gioconda di Leonardo per ben 30 volte; o “Green Coca-Cola Bottles”, dove ben si spiega la predilezione della società del consumo per la quantità.

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Ben prima dell’ascesa all’apice della Pop Art, Andy Warhol creò i disegni erotici che oggi compongono le pagine di Love, Sex and Desire. Drawings 1950-1962. Oltre trecento immagini in omaggio alla bellezza maschile, qui per la prima volta riunite in un unico volume. 

Un’aggiunta poco conosciuta al canone di Andy Warhol

Era il 1956 quando il futuro padre della Pop Art espose i suoi disegni di nudi maschili alla Bodley Gallery nell’Upper East Side. Warhol, all’epoca illustratore commerciale, vedeva erroneamente quei lavori come una sorta di lasciapassare nella scena artistica di New York. Purtroppo, l’omofobia in quel periodo era diffusa quasi quanto tv e frigoriferi, e lui non ne stava tenendo conto. Stava sfidando il mondo a vedere le cose in modo diverso, ma senza successo. 

Oggi Love, Sex and Desire restituisce finalmente a queste opere il valore che meritano. Curato da Michael Dayton Hermann, il volume della Taschen raccoglie oltre trecento disegni erotici, tutti selezionati dalla Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Le illustrazioni sono accompagnate da alcune poesie di James Baldwin, Thom Gunn, Harold Norse, Essex Hemphill e Allen Ginsberg. Un accorgimento per creare momenti di introspezione, che ampliano i temi e gli stati d’animo presenti nelle immagini. 

Il corpo maschile in disegni erotici a inchiostro su carta

I disegni, per lo più a inchiostro su carta, ritraggono giovani uomini, molti dei quali nudi, talvolta adornati con stravaganti cuoricini neri e abbellimenti pop. Riposano o si pavoneggiano, orgogliosi o annoiati della loro stessa bellezza, mentre l’osservatore li abbozza, rapito dalla loro attrattiva. Il sesso a volte è sottinteso, altre più esplicito, eppure persino il più audace dei gesti contiene sempre un buffo umorismo che alleggerisce il tutto.

Si tratta di quel “distacco ironico” che di lì a poco sarebbe diventato per lui un marchio di fabbrica. Lo stile delle illustrazioni ricorda gli schizzi di Jean Cocteau e di Matisse: pochi tratti precisi, ma morbidi. Il voyeurismo languido, invece, è in pieno stile Warhol, e rivela un artista enigmatico, più di quanto avremmo mai potuto immaginare. Quei primi lavori, infatti, anticipano le atmosfere racchiuse nelle sue polaroid e mostrano addirittura una vulnerabilità che difficilmente troviamo nelle altre sue opere. 

di Asya Manzoni

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Leonardo e Warhol: un grande omaggio a Milano

Cos’hanno in comune Leonardo da Vinci, straordinario architetto, pittore e ingegnere del XVI secolo, e Andy Warhol, il visionario padre-fondatore della Pop Art, made in Pittsburgh, USA, 1928? Il genio, naturalmente…ma non solo. Un arco di sei secoli separa questi due veri e propri talenti, e la città di Milano, straordinariamente, ne rappresenta il punto di incontro, la congiunzione astrale.
In occasione del quinto centenario della morte del portentoso scienziato, il Gruppo MilanoCard, gestore della Cripta di San Sepolcro, in co-produzione con la Veneranda Pinacoteca e Biblioteca Ambrosiana, il Credito Valtellinese e MedialArt, presenta LEONARDO & WARHOL. The genius experience: la prima mostra immersiva che ospita anche opere originali, visitabile dal 1 marzo al 30 giugno 2019.

Leonardo e Warhol: the genius experience, la prima mostra immersiva con opere originali

Il percorso all’insegna dell’intelligenza fuori dal comune ha inizio nella Sala Sottofedericiana della Biblioteca Ambrosiana con uno show multimediale a 360 gradi, che con musiche e immagini suggestive proietta il pubblico nella Milano vissuta, sognata e amata da Leonardo, per poi accompagnarlo nella cripta di San Sepolcro, luogo nevralgico della metropoli e che già lui stesso in una mappa del Codex Atlanticus indicava come i preciso centro della città. La cripta, di cui verranno a breve terminati restauri, importantissimo monumento archeologico della città, ospiterà The last supper, interpretazione personale dell’artista statunitense del Cenacolo vinciano, realizzata nel 1987 ed esposta nell’ultima mostra di Warhol tenutasi presso il Refettorio delle Stelline.
L’esposizione, curata da Giuseppe Frangi, approfondisce l’uso delle acque, il rapporto con la terra e con la natura, l’innovazione tecnologica e quella architettonica, che hanno portato alla Milano dei grattacieli e del Bosco verticale; non vi sono migliori parole di quelle dell’amministratore del Gruppo MilanoCard, Edoardo Filippo Scarpellini, per descrivere l’obiettivo della mostra: “Sono almeno 500 anni che a Milano il genio da potenziale può diventare reale, il genio del singolo ha portato alla Milano di oggi e sta costruendo la Milano di domani. Qui vogliamo celebrare Milano, il genio, la bellezza ma soprattutto qui vogliamo celebrare ogni persona che ha contribuito a rendere Milano quella che è e che sarà”.
 
di Alessandra Baio

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Naoshima, un museo a cielo aperto

In Giappone, a una ventina di minuti di traghetto dalla penisola della prefettura di Kagawa, si trova Naoshima. È una delle isole più singolari di cui sentirete parlare, in quanto è un vero e proprio museo a cielo aperto. Architettura, arte e cultura sono alcune delle parole chiave da tenere a mente per intraprendere un viaggio verso questa straordinaria meta. Ideale per sfuggire alla vita frenetica delle grandi città del Giappone.

Gran parte dell’arte presente è stata installata dalla Benesse Corporation, che sovrintende musei d’arte, installazioni e sculture sia a Naoshima che sulle isole vicine. Il Benesse Museum è stato progettato dal famoso architetto giapponese Tadao Ando e comprende il Chichu Art Museum, il Lee Ufan Museum e tutti gli edifici della Benesse House. Inoltre, gli edifici e le scuole municipali di Naoshima sono stati progettati dal moderno architetto Ishii Kazuhiro. L’isola funge anche da sede principale del festival artistico della Triennale di Setouchi.

La magia dell’arte

Un’esperienza surreale si vive già dal momento in cui si mette piede a Naoshima, dopo la traversata in battello. Uno dei masterpiece diventato icona del luogo è la “pumkin”, la zucca gialla, ideata da Yayoi Kusama. Celebre artista giapponese, considerata da molti come una delle influenze del maestro della pop art Andy Warhol. Piccole imitazioni di pietra sono state trovate sparse per l’isola, una fin da subito accoglie i visitatori al porto. Naoshima è molto piccola, e si può decidere se girarla a piedi oppure noleggiare delle biciclette elettriche in alcuni dei negozi sul porto.

Vivere la full art experience

Uno dei primi musei che si incontra durante la visita è il Chichu Art Museum. L’elemento di unicità è il contrasto che il suo architetto, Tadao Ando, è riuscito a creare tra la struttura imponente dell’edificio e la natura circostante. Il design dell’edificio è tale da facilitare l’uso esclusivo della luce naturale per illuminare un certo numero di oggetti esposti, cambiando il loro aspetto a diversi tempi di visione durante il giorno. Tra le opere, le famose ninfee di Monet, che vengono riprese poi all’esterno, in quanto il museo comprende anche una fedele riproduzione del giardino del pittore surrealista.

Continuando l’esplorazione, una tappa fondamentale è il Benesse House Museum, che – come dice il nome stesso – offre sia un alloggio con SPA e accesso alla spiaggia che un moderno museo. Le opere d’arte però non si trovano solo all’interno delle gallerie, bensì sono collocate appositamente in tutti i dintorni naturali di Naoshima. È il modo migliore per immergersi totalmente all’interno di questa esperienza artistica.

Bellezza tra arte e natura

Un eccezionale esperimento che ha in poco tempo trasformato un’isola di pescatori in una tappa, ormai obbligatoria, per i grandi amanti dell’arte contemporanea. Non è facile descrivere a parole la bellezza di questo luogo unico nel suo genere, dove arte e natura si fondono insieme. Stupisce, incanta e mostra come la semplicità della natura stessa sia il luogo perfetto per proteggere e raccogliere il dono dell’arte.

di Rachele Conti

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Mai come adesso Milano si tinge d’arte. In onore dei cinquecento anni trascorsi dalla morte dell’artista fiorentino più famoso al mondo, che visse degli anni proficui alla corte degli Sforza, la città meneghina stila un calendario fitto di eventi. A partire da Maggio 2019 a Gennaio 2020 si susseguiranno gli appuntamenti dedicati a Leonardo Da Vinci. Nel frattempo a conquistare l’interesse degli amanti dell’arte saranno Antonello da Messina a Palazzo Reale ed eventi come Mia Photo Fair e MIART, per citarne alcuni.

Leonardo Da Vinci e Milano

Come Ludovico Sforza, detto il Moro, accolse l’artista fiorentino nel 1482, Milano accoglie il progetto Leonardo 500 per commemorare gli anni trascorsi dalla sua morte. Un calendario ricco di esposizioni che non esclude il Cenacolo, meta di turisti da tutto il mondo, insieme al Museo della Scienza e della Tecnologia a lui dedicato, alla Sala delle Asse del Castello Sforzesco dopo una lunga chiusura, e molto altro. Grandi testimonianze legano Leonardo Da Vinci alla città di Milano, e altrettante legano l’artista al motore di questa città: la moda. Sulla famosa raccolta di disegni e scritti denominata Codex Atlanticus, non sono da meno riferimenti a macchinari tessili, creati per Ludovico il Moro; studi su accessori, gioielli e abiti caratterizzati dai famosi nodi vinciani che influenzarono le arti del ricamo negli anni a seguire.

L’eterna riproducibilità dell’immagine della Gioconda

Seppur Milano vanta il Cenacolo, l’opera più discussa e più riprodotta di tutti i tempi è senz’altro la Gioconda, conservata al Museo del Louvre di Parigi. Desacralizzata e denudata della sua aura, per dirla con le parole del filosofo Walter Benjamin, tutto ebbe inizio con Marcel Duchamp. L’artista esponente del movimento Dada, nato a Zurigo nel 1906, con la sua opera di ready-made (già fatto) costituito dall’immagine della Gioconda con aggiunta di baffetti e pizzo, diede inconsapevolmente il via a qualcosa che ancora oggi non vede tregua. Monna Lisa Gherardini, moglie di Francesco del Giocondo, col suo mezzo sorriso e lo sfumato leonardesco ha sedotto e destato critiche e studi come nessun’altra opera al mondo.

La Gioconda nella moda

Altrettanto discussa e considerata inappropriata la scelta di porre l’immagine della Monna Lisa sul famoso bauletto Speedy di Louis Vuitton firmato dall’artista Jeff Koons. Insieme a Van Gogh, Gauguin, Monet e Tiziano, Koons alla stregua di Duchamp decontestualizza l’opera e la rende a portata di mano. Ma non è il solo ad usufruire del potere mediatico di quest’opera.

Gherardini, brand di accessori del gruppo Braccialini, per il 130esimo compleanno della maison fiorentina, allestisce le vetrine con l’opera pop realizzata da Andy Warhol, ironizzando sulla possibilità che Lisa Gherardini sia davvero un antenata della famosa famiglia. Più recentemente il fotografo americano Pari Dukovic ha realizzato un progetto per Harper’s Bazaar USA affiancando particolari modelle a dei quadri famosi. Per la Gioconda ha scelto la modella canadese Winnie Harlow, famosa per la sua vitiligine, come ad ostentare la bellezza della diversità.

Moda, arte, fotografia, mille i volti che ha assunto quest’opera e mille ancora le emozioni che Leonardo da Vinci regalerà a tutto il mondo.

di Pamela Romano

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Gli scatti di Gerald Bruneau esposti presso il Centro Diagnostico Italiano, per raccontare l’eccellenza delle scienziate italiane

Organizzata dalla Fondazione Bracco, al Centro Diagnostico Italiano di via Saint Bon a Milano, la mostra fotografica Una vita da scienziata – i volti del progetto #100esperte, racconta la storia dell’expertise femminile in settori ancora considerati principalmente appannaggio del mondo maschile. Il progetto, focalizzato sulle STEM (Science, Technology, Engineering and Mathematics), e firmato dal fotografo Gerald Bruneau, francese di nascita e assiduo frequentatore della Factory di Andy Warhol a New York, nonché celebre autore di reportage su alcune tra le testate giornalistiche più importanti al mondo, è volto a metter luce e dare rilievo al mondo femminile, in settori prettamente scientifici.

Una vita da scienziata si propone di fornire un contributo al tentativo di creare una società paritetica, all’interno della quale l’unico discrimine sia il merito autentico ed effettivo

La mostra Una vita da scienziata, implementata da una ricca banca dati online che custodisce le storie e i profili di queste eccellenze del sapere, ha l’obiettivo di avvicinare il pubblico al Femminile, spesso posto in poco rilievo in settori scientifici o nella ricerca. Matematiche, astrofisiche, chimiche, biologhe, sono solo alcune tra le professioni magistralmente svolte dalle donne che danno il volto agli scatti di Bruneau, ambasciatrici e rappresentanti di una parte della scienza mai comunicata sotto sfumature più pacate di bellezza e (perché no?) divertimento.
“[…] la mia è stata una ricerca, tra la scienza e la donna, tra la bellezza della vita e la bellezza inanimata degli strumenti e delle formule, tra i misteri della scienza e quello che per me, ogni volta, è il vero mistero: la persona che incontro […] Ho trovato grandi donne, anche quando piccole e fragili di aspetto, che hanno avuto la forza e la capacità di affermarsi e di conquistare spazi di rispetto, di responsabilità e direzione in un mondo così difficile, ancora fortemente androcentrico, diffidente, discriminante”.
– Gerald Bruneau, fotografo
Ogni scatto trasporta l’osservatore al di là della soglia, al di là della porta che separa il nostro mondo dal mondo privato della scienza, che si snoda tra i lunghi corridoi degli ospedali, delle università, tra le pareti bianche e trasparenti dei laboratori, tra alambicchi e provette. Ogni scatto rappresenta una donna, con una storia, con una vita e una passione.
“La nuova presa di coscienza delle donne in tutte le parti del mondo è una straordinaria leva di cambiamento sociale e politico […] ma, c’è ancora molta strada da fare. In questa direzione si muove anche il progetto 100 donne contro gli stereotipi, nato prima come una piattaforma, poi con un libro e ora con una mostra di ritratti di alcune di loro che hanno accettato di mettersi in gioco, talvolta in modo spiritoso nei confronti della loro professione”
– Diana Bracco, Presidente di Fondazione Bracco
Dove: Una vita da scienziata è esposta presso il CDI-Centro Diagnostico Italiano a Milano, in via Saint Bon, 20 dal 16 gennaio al 30 giugno 2019.
Orario: lun-ven 7-19 e sabato 7-18 | Ingresso libero
di Sara Pacella

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Piaget e la sua storia

Chi avrebbe mai pensato che un marchio nato nel 1874, in una fattoria di famiglia, nel villaggio di La Côte-aux-Fées, in uno dei cantoni svizzeri, avrebbe raggiunto un grado così alto di successo all’interno del campo dell’orologeria e della gioielleria di lusso? La famiglia Piaget ovviamente sì, ed è per questo che ha spinto il nome del proprio brand sempre più in alto, facendogli raggiungere vette mai immaginate.

Nel 1943 si decisero finalmente a registrare il nome dell’azienda all’interno del settore a cui erano più interessati e, pian piano, si ritrovarono ad esserne uno dei principali protagonisti. La Maison era partita con una particolare produzione di orologi da taschino che, lentamente, si venne ad ampliare sempre di più, e che al giorno d’oggi presenta delle collezioni, considerate tra le più prestigiose al mondo grazie anche ai suoi 140 anni di storia, molto più varie ed innovative, indossate per lo più da persone con grande eleganza e sofisticatezza.

Quest’anno Piaget cerca di entrare sempre più nelle case dei propri acquirenti creando pezzi di gioielleria ineguagliabili, che porteranno un tocco di brillantezza anche sotto l’albero. Quindi, perchè non mettere nella nostra lista dei desideri anche qualche lussuoso pezzo di questo marchio?

La nuova collezione Possession firmata Piaget e la sua testimonial d’eccezione

Possession, la nuova collezione firmata Piaget, sembra essere stata creata appositamente per le donne che vivono al giorno d’oggi, che sono sempre in movimento e che vogliono cercare di affermare in ogni modo la propria indipendenza.

Piaget vuole riprodurre delle movenze virtuali che si scatenano attraverso l’utilizzo di colori sgargianti e vivaci come il rosso corniola, il verde brillante malachite o il blu lapislazzulo. Colori che riescono ad emergere particolarmente perché utilizzati nella fabbricazione dei diversi cinturini di alligatore, insieme al quadrante dell’orologio, circondato da diamanti, ai vari bracciali e pendenti che fanno diventare un articolo di gioielleria, una vera e propria opera d’arte.

Per rappresentare al meglio questi carismatici gioielli, è stata scelta come testimonial la bellissima modella Doutzen Kroes, che incarna perfettamente il modello di donna Piaget. Sempre in movimento perché continuamente impegnata per lavoro, incarna perfettamente il prototipo della donna costretta a sostenere un ritmo di vita decisamente frenetico ma che certo non vuole rinunciare alla propria eleganza e al carisma.

Piaget Rose

Una serie di monili preziosi che hanno come protagonista una bellissima rosa. Una rosa dal significato molto importante, un chiaro richiamo e soprattutto dedica ad Yves Piaget, uno dei padri fondatori di questo marchio, che nutriva una grandissima passione per i fiori e in particolare per la rosa, che definiva “il fiore per eccellenza”. La collana cerca proprio di esaltare ed elogiare la natura attraverso i fiori e l’utilizzo dei diamanti nella sua elaborazione, facendola diventare il marchio di fabbrica di Piaget per eccellenza.

Limelight Gala, Piaget Altiplano, Extremely Lady e Piaget Polo

Quest’anno Piaget ha presentato diverse collezioni da cui ognuno di noi può trarre ispirazione. Per le donne che si sentono in grado di sedurre, che sono sempre pronte ad indossare la loro femminilità ovunque, sono stati creati gli orologi della linea Limelight Gala, che con la loro cascata di diamanti non possono fare altro che essere osservati – e quasi adorati – per la loro estrema bellezza. Per chi invece è di spirito più classico ma vuole pur sempre mantenere la sua eleganza ed il suo stile, la linea Altiplano regala una nota di sofisticatezza che viene mantenuta attraverso l’utilizzo di linee semplici e pulite a cui fare riferimento.

Per le signore che vogliono poter esprimere nel migliore dei modi la loro dose di libertà è stata creata la linea Extremely Lady, che tramite l’utilizzo di materiali innovativi, gemme preziose e molto oro, risaltano appieno queste caratteristiche così comunemente ricercate. Personaggi noti come Jackie Kennedy o Andy Warhol hanno portato ispirazione per la realizzazione di alcuni dei modelli maggiormente lavorati, e sicuramente innovativi, di questa collezione. E ancora, per chi desidera avere un look molto più semplice, adatto ad ogni occasione, è stata ideata la linea Polo che, come dice il nome stesso, riprende le caratteristiche del Polo grazie alle sue linee sportive e molto più adatte alla quotidianità e al movimento.

Con la nascita di tutte le nuove collezioni, sarebbe stato impossibile che non ne emergesse una con chiaro riferimento al lusso intrecciato all’orologeria antica; Piaget High jewelry serve proprio a ricordare in che modo gli artigiani degli anni passati riuscivano a lavorare con tanta minuziosità alla realizzazione di questi orologi. E per far capire appieno cosa s’intende con la frase “il tempo è prezioso”, in questi numerosi modelli si intrecciano i vecchi ingranaggi con una cascata di diamanti, che non passano inosservati.

Sun: per non smettere di brillare

Una collezione decisamente luminosa rispetto alle altre è sicuramente Sun. Progettata da Piaget per chi, non ancora stanco dei momenti bui e frenetici della quotidianità, si prepara a brillare in qualunque momento proprio come insegna il brand. In oro e diamanti, audaci e solari creazioni cercano di catturare la bellezza del sole e di trasmetterla a chiunque le indossi e le osservi. Un regalo sicuramente caloroso come la donna che sarà pronto a riceverlo. I colori più sgargianti sapranno racchiudere in meravigliosi pendenti tutto il calore che soltanto il sole riesce a trasmettere.

Quindi, a conclusione di queste splendide realizzazioni che portano la firma di Piaget, perchè non scegliere di brillare anche sotto l’albero? A voi la scelta!

di Luciana Losada

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L’anticlassicismo artistico e caratteriale di Andy Warhol

Sulle pareti del Museo d’Arte Moderna Mario Rimoldi (Cortina d’Ampezzo, Belluno), dal 7 Dicembre al prossimo 22 Aprile, saranno esposte 140 opere del volto della Pop Art: Andy Warhol. Andrew Warhol Jr. (1928-1987), personaggio così eclettico da risultare quasi indeclinabile, può essere definito simbolo della Pop Art, e nella fattispecie colui che ha trasposto concettualmente i feticci dell’immaginario collettivo americano nei 60’s.
Di origine ucraina e nato in America, Andy Warhol dimostrò subito una forte attitudine artistica che lo indusse a studiare e affermarsi nel mondo pubblicitario, arrivando a lavorare per Vogue e Glamour. Visionario, portò gli scaffali dei supermercati nei musei partendo dal presupposto che l’arte fosse oggetto di consumo, che i prodotti di massa fossero specchio della democrazia sociale: bottiglie di Coca Cola e barattoli di zuppa Campbell’s risemantizzati attraverso la tecnica di ri-presentazione dell’immagine stessa su vasta scala.
Suo fratello (Paul Warhola) non aveva una natura particolarmente artistica e dopo la morte di Andy sfruttò la tecnica di questi per vendere delle stampe ricavate da fotografie; Andy Warhol morì a 58 anni e, in seguito al tragico evento, la quotazione delle sue opere crebbe esponenzialmente al punto da divenire il secondo artista al mondo ad essere ammirato e acquistato dopo Pablo Picasso.
A condurlo alla morte furono delle complicazioni di salute in seguito ad un drammatico episodio avvenuto il 3 Giugno 1968: una femminista radicale, Valerie Solanas, sparò a Andy Warhol e al suo compagno di allora, Mario Amaya. Warhol, sopravvissuto, non volle testimoniare contro la donna e la vicenda passò in secondo piano in seguito all’assassinio di Bob Kennedy, avvenuto nei giorni successivi.

La mostra

La mostra ripercorre tutto il percorso professionale di Andy Warhol presentandone i capolavori relativi ad ogni periodo: dalla coloratissima Liz Taylor (1964), passando per i dipinti dei francobolli (S&H Green Stamps, 1965), fino alla serigrafia a colori di Marilyn Monroe (1967, 1970, 1985). E ancora, le icone dei Brillo Box (1970) e dei primi Flowers (1970, 1074), al tempo esposte come carte da parati presso la prestigiosa galleria di Leo Castelli.
Poi, il Mao, Mick Jagger, dedicato e donato all’attrice Dalila di Lazzaro, i Camouflage. Dal debutto nella commercial art al disinnesco dei canoni estetici su ogni fronte (musica, cinema, arte e moda), il racconto della vita di uomo che con il suo straniante punto di vista ha rivoluzionato i connotati del mondo dell’arte.
Guardando la mostra avrete modo di capire che se “nel futuro ognuno sarà famoso nel mondo per circa 15 minuti”, sarebbe stato bene che per se stesso Andy Warhol avesse rivisto questa approssimazione!
 
di Selena Celio

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