Ci sono nomi che non stanno sotto i riflettori ma dentro le canzoni. JULI è uno di quelli.
Un producer che ha costruito successi, accumulato numeri da record e attraversato la nuova musica italiana senza mai cercare davvero il centro della scena.

Fino ad oggi.

Con Solito cinema, il suo primo album ufficiale in uscita il 24 aprile, JULI cambia posizione. Non più solo autore e produttore, ma punto di riferimento di un progetto che porta la sua firma dall’inizio alla fine.

Il titolo nasce da una frase tra amici, quasi un modo di dire per raccontare quanto certe esperienze sembrino irreali. Ed è proprio lì che si muove il disco: in quello spazio sospeso tra quello che succede davvero e quello che sembra troppo per essere vero.

Il risultato è un lavoro che non forza le cose, ma le lascia accadere. Un incontro naturale tra artisti diversi che trovano un equilibrio comune senza perdere identità.

Dentro Solito cinema si muovono voci lontane tra loro ma perfettamente allineate in questa narrazione: da Fabio Concato a Biagio Antonacci, passando per Tommaso Paradiso, Franco126 e Coez, fino a una nuova generazione rappresentata da Fulminacci, Bresh, Tredici Pietro e Olly. A dare profondità ulteriore arrivano anche Emma ed Elisa, capaci di trasformare ogni intervento in qualcosa di definitivo.

Ad anticipare il progetto è Quelli come me con Coez, un brano essenziale, quasi spoglio, che resta fedele alla sua origine chitarra e voce. Una scelta precisa, che mette al centro il contenuto e non la costruzione. Il risultato è una canzone che parla di solitudine senza enfatizzarla, trasformandola in qualcosa di condiviso.

Solito cinema segna un cambio netto. Non è solo un debutto, ma un passaggio di identità. JULI non smette di essere producer, ma aggiunge un livello: diventa il centro del racconto.

Alcuni album servono a confermare.
Altri a spostare le cose.

Solito cinema appartiene alla seconda categoria.

JULI esce allo scoperto.
E questa volta, non è più solo una firma.

JULI, pseudonimo di Julien Boverod, ha costruito negli anni un percorso solido e credibile. Dalle prime produzioni fino ai grandi successi, passando per collaborazioni con artisti come Olly, Emma e Ultimo, il suo nome è diventato sinonimo di visione e affidabilità. Sanremo, classifiche, certificazioni: ogni passaggio ha consolidato il suo ruolo, sempre però dietro le quinte.

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Nel cuore dell’alta gioielleria contemporanea, Tiffany & Co. svela il capitolo Spring del Blue Book 2026: Hidden Garden, una collezione che trasforma la natura in poesia preziosa, esplorando quei mondi nascosti e silenziosi dove bellezza e metamorfosi si incontrano.

Un giardino segreto tra arte, natura e savoir-faire

Firmata da Nathalie Verdeille insieme al Tiffany Design Studio, la collezione si ispira alle trasformazioni impercettibili della natura, reinterpretando l’eredità del leggendario Jean Schlumberger attraverso un linguaggio contemporaneo.

Tralci d’oro modellati a mano, foglie in platino e composizioni scultoree diventano il mezzo per raccontare crescita, movimento e rinascita, in un dialogo continuo tra tradizione e innovazione.

Butterfly: la leggerezza della metamorfosi
Il viaggio si apre con Butterfly, simbolo per eccellenza di trasformazione. Zaffiri padparadscha e zaffiri del Montana creano un raffinato contrasto cromatico tra rosa-arancio e blu denim, evocando la fragilità delle ali. Accanto, diamanti Fancy Vivid Yellow e pietre bianche taglio ovale costruiscono versioni più astratte e luminose del motivo.

La tradizione trasformabile della Maison si riflette in pendenti che diventano spille, sottolineando la versatilità del design.

Monarch e Bird on a Rock: icone che evolvono
Nel tema Monarch, tralci intrecciati e fogliame scolpito accolgono zaffiri non trattati provenienti da Sri Lanka e Madagascar, mentre diamanti di tipo IIa – tra i più puri al mondo – elevano il design a livelli di eccellenza assoluta.

Con Bird on a Rock, uno dei simboli più iconici di Tiffany, la natura prende vita su acquemarine brasiliane di tonalità Santa Maria. Il risultato è un tableau vibrante, dove colore e movimento si fondono in creazioni trasformabili di straordinaria raffinatezza.

Paradise Bird e Parrot: il trionfo del colore
La narrazione si accende con Paradise Bird e Parrot, dove la fantasia esplode in composizioni cromatiche audaci. Opali di fuoco, rubelliti, calcedoni e spessartiti diventano il palcoscenico per creature immaginarie, animate da piumaggi realizzati con gemme e smalti paillonné applicati a mano.

Un omaggio alla libertà creativa e alla capacità della Maison di trasformare la natura in arte vibrante.

Bee, Jasmine e Bloom: la natura in dettaglio
Dalle geometrie del nido d’ape nel tema Bee, con diamanti incastonati in strutture esagonali, fino alla delicatezza floreale di Jasmine, Marguerite e Bloom, la collezione celebra ogni fase della vita naturale.

Diamanti eccezionali, kunziti, zaffiri e rubini si alternano in composizioni che catturano l’attimo prima della fioritura o la piena esplosione del fiore, trasformando ogni gioiello in un istante sospeso.

Twin Bud e Palm: equilibrio e movimento
Il racconto si chiude con Twin Bud e Palm, dove tralci intrecciati, smeraldi zambiani e rubini del Mozambico creano giochi di luce e struttura. Le linee sinuose e i contrasti materici esprimono un senso di equilibrio dinamico, cifra distintiva della collezione.
Con Hidden Garden, Tiffany & Co. firma una delle sue collezioni più poetiche e sofisticate, riaffermando il proprio ruolo di pioniere nell’alta gioielleria. Un viaggio che attraversa stagioni e simboli, dove ogni creazione è un microcosmo di bellezza invisibile, pronto a rivelarsi.

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Durante la Milano Design Week 2026, il cuore pulsante della città si accende di una nuova visione luminosa. In Piazza San Babila debutta Beacon, l’imponente installazione scultorea firmata da Lee Broom e prodotta da Brokis, segnando una svolta nella relazione tra design, spazio urbano e sostenibilità.

Dopo il successo riscosso al London Design Festival 2025, Beacon approda per la prima volta sulla scena internazionale scegliendo Milano come palcoscenico d’eccezione. Installata lungo uno dei crocevia più iconici della città, l’opera dialoga con il flusso quotidiano di cittadini e visitatori, trasformando il passaggio urbano in un’esperienza immersiva. La struttura, composta da una sequenza di lampioni in vetro illuminato, si eleva come un lampadario monumentale a cielo aperto, fondendo estetica industriale e geometrie moderniste in un linguaggio visivo di straordinaria eleganza.

Design e architettura: un equilibrio scenografico
Beacon non è solo un’installazione, ma una dichiarazione estetica. Le sue linee verticali e modulari richiamano il ritmo architettonico della città, creando un ponte visivo tra il modernismo londinese e l’identità milanese. Il risultato è una presenza scenografica che ridefinisce i confini tra lighting design, scultura e architettura contemporanea.

Lusso sostenibile: la nuova frontiera della luce
Dietro la sua brillantezza si cela un approccio profondamente etico. Realizzata con vetro riciclato grazie a tecnologie innovative di fusione, Beacon incarna una nuova idea di lusso: consapevole, circolare, evolutivo. Il progetto, sviluppato in collaborazione con Materials Assemble, dimostra come l’eccellenza estetica possa convivere con una visione responsabile del design.

Un’opera in movimento: dal monumento all’oggetto da collezione
Destinata a viaggiare oltre Milano, l’installazione continuerà il suo percorso internazionale prima di trasformarsi in una collezione di lampade da tavolo. Un’evoluzione che ne prolunga la vita e ne democratizza l’accesso, con una parte dei proventi destinata a iniziative benefiche. Da monumento urbano a oggetto di design, Beacon si conferma così un progetto fluido, capace di adattarsi e reinventarsi nel tempo.

Con Beacon, Lee Broom amplia i confini del design trasformandolo in esperienza collettiva. Più che una semplice installazione, è un invito a fermarsi, osservare e lasciarsi attraversare dalla luce: un simbolo contemporaneo di bellezza condivisa e cultura in movimento.

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Durante il Fuorisalone 2026, Gucci apre le porte della propria storia con Gucci Memoria, un’esposizione immersiva curata da Demna. Nella cornice dei Chiostri di San Simpliciano, la Maison trasforma 105 anni di heritage in un racconto contemporaneo, sospeso tra memoria e visione.

Un archivio emozionale tra passato e presente

Più che una mostra, Gucci Memoria è un viaggio simbolico che attraversa epoche, linguaggi e codici estetici. L’allestimento invita il pubblico a esplorare le molteplici identità della Maison, mettendo in dialogo tradizione artigianale e sperimentazione creativa. Il risultato è una narrazione stratificata, dove ogni elemento diventa frammento di un immaginario in continua evoluzione.

Demna e la riscrittura del lusso
Sotto la direzione artistica di Demna, Gucci continua a ridefinire i confini del lusso contemporaneo. Con Gucci Memoria, il designer costruisce un racconto visivo che non si limita a celebrare il passato, ma lo rielabora, lo decostruisce e lo proietta nel presente. Un approccio che riflette una visione radicale e profondamente culturale della moda.

Milano come palcoscenico culturale
La scelta dei Chiostri di San Simpliciano rafforza il dialogo tra storia e contemporaneità. In uno degli spazi più suggestivi della città, la mostra si inserisce perfettamente nel tessuto della Milano Design Week, confermando il ruolo della città come capitale internazionale della creatività.

Una Maison in continua evoluzione
Fondata a Firenze nel 1921, Gucci resta oggi una delle realtà più influenti del lusso globale. Guidata dalla CEO Francesca Bellettini e parte del gruppo Kering, la Maison continua a evolversi mantenendo al centro valori come innovazione, artigianalità e ricerca estetica.

Con Gucci Memoria, la Maison firma un progetto che va oltre l’esposizione: un’esperienza immersiva che trasforma il tempo in materia creativa e invita il pubblico a riscoprire il lusso come linguaggio culturale.

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Durante la Milano Design Week 2026, l’esperienza sensoriale si spinge oltre ogni confine tradizionale. Negli spazi di Opificio 31, all’interno del circuito Tortona Rocks, IQOS e Devialet presentano Soundsorial Design, un progetto immersivo che trasforma il suono in materia visibile e tangibile.

Dove il suono prende forma: un’esperienza oltre l’ascolto

Per l’undicesimo anno consecutivo, IQOS rinnova la sua presenza alla settimana del design più influente al mondo, questa volta in dialogo con l’eccellenza tecnologica di Devialet. Il risultato è un’installazione che ridefinisce il concetto stesso di percezione: il suono non è più un semplice elemento uditivo, ma diventa presenza fisica, movimento, vibrazione.

All’interno dello spazio, i visitatori sono invitati a muoversi liberamente, esplorando diverse prospettive fino a trovare la propria “frequenza”. I celebri woofer Devialet si animano, rendendo visibile l’energia sonora, mentre l’infrabasso si percepisce nel corpo, trasformando l’ascolto in un’esperienza immersiva e profondamente personale.

Innovazione condivisa: design, tecnologia e visione
L’incontro tra IQOS e Devialet nasce da una visione comune: mettere in discussione lo status quo attraverso ricerca e innovazione. Entrambi i brand fondano la propria identità su un design funzionale e su una continua evoluzione tecnologica, elementi che trovano in Soundsorial Design una sintesi potente e contemporanea.

Estetica del suono: la capsule che non si compra
A completare il progetto, la Soundsorial Limited Edition Capsule Drop, una collezione che traduce visivamente le onde sonore in pattern grafici sofisticati. Un oggetto che incarna l’incontro tra performance e estetica, pensato come manifestazione creativa della collaborazione e volutamente non destinato alla vendita: un lusso concettuale, più che materiale.

Milano come laboratorio del futuro sensoriale
La scelta di Milano non è casuale. La città si conferma ancora una volta crocevia internazionale di cultura progettuale e innovazione. In questo contesto, Soundsorial Design si inserisce come esperienza simbolo di una nuova frontiera del design: quella che coinvolge tutti i sensi e trasforma l’interazione in racconto.

Con questa installazione, IQOS e Devialet firmano un progetto che va oltre il design tradizionale, aprendo a una dimensione in cui tecnologia e percezione si fondono. Un invito a vedere il suono, sentirlo nel corpo e riscoprirlo come linguaggio universale.

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Alla Milano Design Week 2026 anche il mondo del fast food si trasforma in racconto creativo. McDonald’s sorprende con un progetto che va oltre il food, entrando nel territorio del design e dell’esperienza immersiva. Nel cuore di Milano, il brand ridefinisce la propria identità, dimostrando come anche un’icona globale possa dialogare con estetica, innovazione e cultura contemporanea.

Quando il food incontra il design

In occasione della settimana più influente del design internazionale, McDonald’s abbandona temporaneamente la sua dimensione quotidiana per diventare spazio di sperimentazione. L’installazione — pensata per coinvolgere i visitatori in modo diretto — esplora il rapporto tra consumo, estetica e ritualità urbana, trasformando un gesto familiare come mangiare in un’esperienza visiva e sensoriale.

Materiali, colori e forme reinterpretano i codici iconici del brand, offrendo una nuova narrazione che dialoga con il linguaggio del design contemporaneo. Il risultato è uno spazio ibrido, a metà tra pop culture e progetto, capace di attrarre tanto gli appassionati di design quanto il pubblico più ampio.

Un’icona pop che evolve
Da simbolo della cultura globale a protagonista della scena creativa: McDonald’s dimostra una sorprendente capacità di evoluzione. L’approccio progettuale presentato alla Design Week riflette una strategia più ampia, in cui branding, architettura e storytelling si intrecciano per costruire esperienze sempre più coinvolgenti.

Esperienza condivisa e linguaggio universale
Come ogni grande progetto di design, anche questa installazione vive attraverso il pubblico. Visitatori, curiosi e appassionati diventano parte integrante dell’opera, condividendo un momento che unisce estetica e quotidianità. È proprio in questa accessibilità che risiede la forza del progetto: parlare a tutti, senza rinunciare alla qualità del concept.

Milano come palcoscenico globale
La scelta di Milano conferma il ruolo centrale della città come hub internazionale del design e della sperimentazione culturale. In questo contesto, McDonald’s si inserisce con un progetto che riflette lo spirito della Design Week: contaminazione, apertura e continua reinvenzione.

Con questa incursione nel mondo del design, McDonald’s firma un’operazione che va oltre il branding, trasformandosi in piattaforma culturale. Un segnale chiaro: anche i codici più consolidati possono essere riscritti attraverso creatività e visione.

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Un volante che diventa manifesto esistenziale, un invito a disattivare il pilota automatico e tornare a sentire. Con Own the Wheel, CUPRA debutta nel mondo dell’arte trasformando la guida in un gesto culturale, emotivo e profondamente contemporaneo.

Alla Milano Design Week 2026, CUPRA accende i riflettori su un progetto che va oltre l’automotive e si insinua nei territori del design e dell’arte concettuale. Dopo il debutto al CUPRA City Garage Madrid, l’esposizione itinerante approda a Milano con un messaggio chiaro e provocatorio: “NO DRIVERS, NO CUPRA”. Sette artisti europei reinterpretano il volante come simbolo di controllo e consapevolezza, in un’epoca in cui la tecnologia rischia di sostituire l’esperienza umana.

ARTE E CONTROLLO: IL VOLANTE COME ICONA CONTEMPORANEA
Non più semplice componente meccanica, ma oggetto simbolico. In Own the Wheel il volante diventa metafora della scelta, della direzione e della responsabilità individuale. Le opere dialogano tra emozione e tecnologia, invitando il pubblico a riflettere su cosa significhi davvero “guidare” oggi: non solo un’auto, ma la propria vita.

TALENTI EUROPEI, VISIONI RADICALI
Tra i protagonisti spicca Giulia Tavani, designer del brand anGostura, che firma Mask of Command: un gioiello-scultura in argento che fonde istinto e controllo. Le tre gemme — verde, rosso e blu — incarnano i valori CUPRA, mentre la forma evoca un’estensione del corpo, un dispositivo emotivo prima ancora che estetico. Insieme a lei, artisti da tutta Europa costruiscono una narrazione collettiva potente e immersiva.

CUPRA EXPERIENCE: DESIGN, INNOVAZIONE E CULTURA
L’esposizione si inserisce in un percorso più ampio che anima Piazza XXV Aprile e il CUPRA Garage Milano, trasformando la città in un laboratorio creativo. Tra installazioni immersive e ricerca materica, il brand presenta anche la nuova CUPRA Raval, simbolo di una mobilità che non rinuncia all’emozione. Il concept “Essere Progetto” ridefinisce il design come processo vivo, in continua evoluzione.

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Nel cuore del Sud della Francia, a pochi passi dal centro storico di Aix-en-Provence, Villa Gallici incarna una delle espressioni più raffinate del lusso europeo. Un luogo intimo e senza tempo, dove l’eleganza di una dimora fiorentina incontra la dolcezza della Provençal art de vivre.

Un’oasi nascosta tra storia e natura

Circondata da giardini profumati, terrazze ombreggiate e alberi secolari, Villa Gallici si rivela come una residenza privata sospesa nel tempo. Le sue mura color ocra custodiscono camere e suite uniche, arredate con tessuti preziosi, mobili d’epoca e dettagli sofisticati che celebrano l’eleganza classica.

Ogni spazio è pensato per evocare un senso di quiete e armonia, offrendo agli ospiti un’esperienza immersiva tra bellezza, silenzio e comfort contemporaneo.

Lusso lento e piacere sensoriale
A Villa Gallici il soggiorno si trasforma in un rituale. Dalla colazione tra i giardini mediterranei alle cene raffinate ispirate alla stagionalità provenzale, ogni momento è scandito da un ritmo lento e consapevole. La piscina immersa nel verde e l’area wellness completano un’esperienza dedicata al benessere e alla rigenerazione.

Alla scoperta di Aix-en-Provence
Grazie alla sua posizione privilegiata, l’hotel rappresenta il punto di partenza ideale per esplorare Aix-en-Provence, con i suoi mercati, le fontane e le gallerie d’arte. Durante l’estate, la città si anima con il celebre Festival d’Aix-en-Provence, trasformando ogni soggiorno in un’esperienza culturale unica.

Il fascino eterno della Provenza
Più che un hotel, Villa Gallici è un invito a vivere la Provenza nella sua forma più autentica. Intima, romantica e profondamente evocativa, resta una delle destinazioni più esclusive per chi cerca un lusso discreto, fatto di dettagli, atmosfera e senso del luogo.

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Non è solo una collezione, ma un cambio di prospettiva. Con Puffy Summer, Moncler trasforma il suo linguaggio distintivo in una visione estiva leggera, dinamica e sorprendentemente giocosa. Un progetto che ridefinisce l’idea stessa di stagionalità, portando l’imbottitura – simbolo del brand – oltre i confini dell’inverno.

Il puffer diventa leggero: una nuova estetica del layering

Pensata per accompagnare la transizione verso i mesi più caldi, la Moncler Collection Estate 2026 introduce un guardaroba fluido, costruito su sovrapposizioni leggere e armoniose. Texture morbide, silhouette rilassate e colori vibranti danno vita a look equilibrati, dove comfort e protezione si fondono in una nuova eleganza disinvolta.

Il layering diventa così il cuore del racconto: un esercizio stilistico che reinterpreta i codici del brand con freschezza, dimostrando come anche il “puffy” possa essere sinonimo di leggerezza.

Jamie Dornan e l’estetica giocosa della campagna
A incarnare questa visione è Jamie Dornan, protagonista della campagna Primavera/Estate 2026. L’attore posa in scenari surreali accanto a sculture ispirate al mondo animale – polpi, fenicotteri, cavallucci marini – creando un immaginario ironico e visivamente potente.

Realizzate dal set designer Andy Hillman, queste forme gonfiabili dialogano con i colori e le texture della collezione, amplificando lo spirito solare e leggero di Puffy Summer.

Un guardaroba tra funzionalità e stile
La collezione si declina in due universi distinti ma complementari.
Per lei, tonalità delicate come rosa pastello, arancio e verde bosco si intrecciano a motivi vichy e floreali, tra giacche leggere, abiti ariosi e dettagli raffinati.
Per lui, una palette più decisa – tra rosso, giallo e blu – accompagna capi versatili in nylon ultraleggero, denim e cotone, pensati per uno stile casual ma sofisticato.

Gilet imbottiti, windbreaker e camicie leggere diventano i nuovi essential di stagione, mentre accessori come bucket hat e berretti completano look dinamici e contemporanei.

Da Milano al mondo: Puffy Summer diventa esperienza
Il progetto si estende oltre la collezione, trasformandosi in un’esperienza globale. Durante la Milano Design Week, un pop-up immersivo anima 10 Corso Como, dove un gigantesco polpo gonfiabile avvolge lo spazio espositivo, creando un ambiente scenografico e coinvolgente.

Da Milano a Seoul, fino a città come Tokyo, Parigi e Miami, installazioni monumentali portano l’universo Puffy Summer nel mondo, trasformando il linguaggio del brand in un’esperienza urbana e condivisa.Con Puffy Summer, Moncler dimostra ancora una volta la sua capacità di evolversi, mantenendo intatta la propria identità. Il risultato è una collezione che unisce innovazione, leggerezza e immaginazione, ridefinendo il concetto di lusso contemporaneo.

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Tra i protagonisti più rilevanti del design contemporaneo, Philippe Malouin è un designer canadese con base a Londra, noto per un approccio che unisce sperimentazione materica, rigore industriale e una forte componente intuitiva.

Dopo gli studi all’Università di Montreal, alla Design Academy Eindhoven e successivamente al Royal College of Art di Londra, Malouin ha costruito una carriera internazionale collaborando con aziende come Flos, Hem, Resident e SCP, affermandosi come una delle voci più autorevoli della sua generazione.

Il suo lavoro si distingue per una capacità rara: trasformare processi produttivi complessi in oggetti apparentemente semplici, essenziali, ma sempre carichi di tensione progettuale. Un equilibrio tra brutalismo e raffinatezza che è diventato la sua firma.

Dall’intervista emerge chiaramente un aspetto fondamentale del suo approccio: il design non nasce dal disegno, ma dalla materia. Malouin parte infatti quasi sempre da un processo manuale — tagliare, assemblare, costruire — lasciando spazio anche all’errore e all’imprevisto come parte integrante del progetto.

Allo stesso tempo, si percepisce un’evoluzione importante nel suo percorso: se agli inizi il design era anche un modo per affermarsi e “farsi notare”, oggi la sua ricerca si orienta verso oggetti più silenziosi, pensati per durare nel tempo e per entrare con discrezione nella vita quotidiana delle persone.

Una visione che riflette una maturità progettuale sempre più consapevole, dove la forma non è mai solo espressione, ma conseguenza di un processo intelligente e responsabile.

Partiamo dall’inizio: come nasce la tua passione per il design? E cosa ti ha portato a studiare alla Design Academy di Eindhoven e poi all’ENSCI di Parigi?

In breve: tra liceo e università in Canada non avevo idea di cosa volessi fare. Così, da franco-canadese, ho iniziato a viaggiare in Europa. È lì che ho scoperto che esisteva davvero la possibilità di diventare designer di mobili.

Bisogna capire che, se vieni dal Canada negli anni ’90, è difficile anche solo immaginarlo: non c’era un’industria, non c’era un vero mercato.

Viaggiando per alcuni anni in Europa ho incontrato fotografi, architetti, designer… ed è stato naturale appassionarmi sempre di più. Tornato in Canada, mi sono iscritto al corso di Industrial Design all’Università di Montreal. Sapevo che con il massimo dei voti si poteva ottenere una borsa per studiare all’estero: così sono arrivato all’ENSCI di Parigi.

Dopo quell’esperienza sarei dovuto tornare in Canada, ma ormai ero troppo “contaminato” dall’Europa. Sapevo che lì non avrei potuto lavorare nel settore che desideravo. Così ho fatto di tutto per restare e alla fine sono riuscito a entrare alla Design Academy di Eindhoven. È lì che è davvero iniziata la mia carriera.

Questa passione nasce già da bambino?

Assolutamente sì. Sono cresciuto in un luogo molto isolato, lontano dai miei compagni di scuola. Dovevo inventarmi da solo il modo di passare il tempo. Avevamo un grande laboratorio in casa, pieno di attrezzi, e io costruivo i miei giocattoli, facevo arte, creavo oggetti. C’era anche un uomo che lavorava con noi, Lindor: era anziano, fumava sempre, ma mi ha insegnato a tagliare il legno, assemblare, costruire. Io ho sempre fatto oggetti. È qualcosa che mi appartiene da sempre.

Sono passati circa 18 anni dall’inizio della tua carriera. Come è cambiato il design e come è cambiata la tua visione?

È una domanda molto interessante, perché il mio approccio è cambiato molto. Quando sei giovane vuoi farti notare, vuoi fare dichiarazioni forti. Con il tempo, invece, desideri creare oggetti più semplici, meglio progettati, destinati a durare.

Oggi mi interessa realizzare oggetti che siano potenti ma silenziosi. Prima il mio lavoro era più “rumoroso”, ora voglio che l’oggetto comunichi in modo discreto ma intenso.

Mi interessa più come le cose vengono prodotte che come appaiono. Credo che il lavoro del designer industriale sia utilizzare le risorse in modo intelligente e trasformarle in un prodotto significativo, non solo in una forma o in un messaggio.

Sei considerato uno dei designer più influenti della tua generazione. C’è una collaborazione di cui sei particolarmente orgoglioso? E con chi ti piacerebbe lavorare in futuro?

Devo dire Flos.

Da bambino avevamo in casa una lampada Snoopy di Flos: mia madre l’aveva portata dall’Italia negli anni ’80. Era sempre lì, intoccabile, perché preziosa.

Ho sempre sognato di lavorare con loro. Poi, quattro anni fa, mi hanno contattato. Per me è stato incredibile: vengo dal Canada, da “nessun posto”, e mi sono ritrovato a vivere questa realtà europea.

Non ho mai cercato le collaborazioni: in questo settore devi aspettare che siano gli altri a chiamarti. E quando è successo con Flos, è stato qualcosa di speciale.

Per il futuro, non voglio fare nomi, ma mi piacerebbe collaborare con un grande brand europeo, tra Germania e Svizzera.

Detto questo, più che il brand, mi interessa arrivare nelle case delle persone reali. È lì che voglio che i miei oggetti vivano.

Come prendono forma le tue idee? Qual è il tuo processo creativo?

Inizio sempre lavorando a mano. Realizzo oggetti fisici e solo dopo li rifinisco al computer. Molti fanno il contrario: schizzo, digitale, poi prototipo. Io parto dalla materia. Un esempio perfetto è la moka “VITE” per Alessi.

Ho un metodo che chiamo “copy-paste making”: prendo oggetti, li taglio, li saldo, li riassemblo. È un processo molto intuitivo, quasi casuale. Molti miei progetti nascono così, per “incidenti”. Anche VITE è nata in questo modo.

Quando Alessi mi ha chiesto di disegnare una moka, ho accettato subito. Ma la domanda era: cosa puoi davvero aggiungere? Non puoi fare una moka migliore di quella di Richard Sapper. È impossibile.

Quindi puoi solo fare la tua versione. E la mia nasce proprio da questo approccio sperimentale.

Com’è nata la collaborazione con Alessi?

È una storia curiosa.

Uno dei miei studenti all’ECAL aveva contattato Alessi per un progetto, ma non è andato in porto. A un certo punto gli hanno detto: “Chiedi al tuo professore di scriverci”. Pensavo fossero arrabbiati con me… invece volevano propormi di lavorare con loro. Ovviamente ho accettato subito.

La moka “Vita” è un perfetto esempio di “form follows function”. Sei d’accordo?

Sì, anche se con una sfumatura ironica. Come dicevo, il progetto nasce da un processo molto libero, quasi casuale. Ma poi entra in gioco la funzione.

Molte persone fuori da Italia, Francia, Portogallo o Germania non sanno usare una moka. Un canadese o un americano medio non capisce come funzioni.

Così ho deciso di rendere il meccanismo il più evidente possibile: la base è una grande vite, chiaramente leggibile. La sviti e capisci subito come funziona.

Detto questo, la vite è volutamente esagerata: è anche decorativa, quasi una caricatura del principio “la forma segue la funzione”.

Ma sì, in questo caso la forma segue decisamente la funzione.

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